Contenido Teórico y Descripción del Proyecto

Nombre del Proyecto: 32 PTS & ½ (TreintayDósPuntos ; YMedio)

Tema: Innovación

Área de Creación: Diseño Gráfico, de Interacción y Multimedia aplicado a las llamadas “Artes del Tiempo” y a las “Artes Vivas”

 

Danza y Notación Musical a través del Diseño

Coreografía Audiovisual

 

 PLANTEAMIENTO Y JUSTIFICACIÓN

Planteamiento

El objetivo principal es la creación de un entorno formal, de color, de luz y de sonido a partir de la presencia corporal en el espacio. La precisión del gesto y del movimiento es explorado y reflexionado de manera profunda desde los medios digitales, de caracter multimedial y las interfaces de interacción. Se pretende conservar y encontrar la misma autonomía que genera el ser humano y su gestualidad en la representación digital y sonora. El trabajo está enmarcado en la búsqueda de nuevas posibilidades para la creación escenográfica, principalmente para la danza contemporánea y pretende pensar estos medios de expresión desde las posibilidades que ofrece el diseño más específicamente abordando y pensando los campos de: la fotografía, el diseño gráfico, la interacción, la programación y el diseño multimedia.

Justificación: Relación Cuerpo – Espacio

Tema: Nuevas Formas de Pensar la Coreografía: No desde lo Tangible (Cuerpo) sino de lo Intangible y Tecnológico (Espacio Visual y Sonoro).

Objetivo General de la Investigación

El suelo y los elementos de la escena, apoyo y espacio habitado por el bailarín son a su vez la prolongación de su cuerpo y de su presencia escénica la cual suele ser monumental y adornada en las artes del espectáculo. En ellas están presentes: La escenografía, la música, la iluminación, el vestuario, el maquillaje entre otras. Todos estos elementos ayudan a que el imaginario de la representación en danza, se construya y sea correctamente leído por el espectador. Sin embargo, y en muy pocas ocasiones hay una conexión directa entre estos dos representantes. Es decir los elementos anteriormente mencionados solamente acompañan a la coreografía, pero no son parte de su desarrollo ni son la base del pensamiento para su creación. Esto puede ser un gran error ya que el espectáculo se construye no sólo por el bailarín sino por el espacio que habita y el cómo todos estos elementos confluyen con una misma finalidad: transmitir un mensaje al espectador en la representación espacio-temporal la cual suele ser efímera y se desarrolla principalmente en el presente.

En general, el movimiento del bailarín es leído antes que el espacio. Sin embargo no debería ser así ya que la representación es un todo, no un pequeño fragmento ni la unión de unas partes disociadas. Es más, en ocasiones, el espacio sonoro y visual son mucho más importantes que el bailarín mismo, porque la percepción del ojo humano y la lectura de los entornos a través de la luz y los sonidos son conexiones intuitivas, no aprendidas y que hacen parte de la comunicación inconsciente del ser humano y sin duda logran tener una gran influencia en nuestro cerebro y en nuestras acciones y actitudes.

En la mayoría de casos, no hay una verdadera correlación e intercambio entre los dos. Es entonces cuando se pretende repensar estas maneras de hacer y de crear y se ve una oportunidad novedosa e innovadora para la creación en diseño, más específicamente en un campo novedoso que se podría llamar como “coreografía audiovisual”, la cual posiblemente hace que el espacio no sólo sea un aditivo de la representación, sino la base primordial estética y funcional, convirtiéndose a su vez en una especie de instrumento.