DISE2122 / Estudio 5

Leica m9-P ‘Edition Hermés’

Adidas by Stella Macartney

Burberry

B.O.G. Hotel

Le Roi Danse

The Bling Ring

Funny Face / My Fair Lady / Breakfast at Tiffany’s

Duran Duran – Girl Panic!

Proyecto para la sección 2 con el profesor David de los Reyes.

Valor: 20% de la nota final del semestre.

Entregas: Fase 1 Reversa – viernes 23 de agosto (10%)
Fase 2 Aplicación – sábado 7 de septiembre (10%)

Duración: 6 semanas académicas

Modalidad: Grupos de 3 personas.

Evaluación: Cualitativa y numérica por docente.

Formulación:

Objetivo de diseño: Reconstruir de manera práctica los elementos de diseño de un caso emblemático, documentando su estructura tanto como franquicia como manual de arte, es decir, como formas de propiedad intelectual susceptibles de ser explotadas económicamente. El proyecto de diseño, entendido como activo intelectual, establece elementos y actividades que dan forma a experiencias valiosas de manera controlada y Inflatables replicable, y se concretan como manifestaciones culturales. El conocimiento y reconocimiento logrados por un diseño exitoso son un capital que puede ser reinvertido en un nuevo proyecto: en particular, nos interesa el conocimiento que determina el lujo como experiencia, percepción y discurso social.

Fase 1: Reversa de la historia creativa y el modelo que articula los factores de éxito de un producto / servicio, contenido y/o caso del universo de lujo. Comprensión de su experiencia y propuesta de valor. Lectura de sus valores socio culturales, inspiraciones, referentes y conceptos estéticos.

Fase 2: Extrapolación del modelo a una nueva aplicación, de brief cerrado, asignado por el profesor. Identificación de una audiencia sensible a los elementos identificados en la fase uno. Adaptación y actualización del modelo para definir la propuesta de valor, la estrategia y los conceptos.

Fase 1: Reversa

1. Caracterización y atributos: delimitar el caso en el espacio y el tiempo, de forma representativa y fácil de documentar. Es un producto / contenido / servicio manifestado en un tiempo y lugar específico. Inventario taxonómico: elementos constitutivos del caso, tanto intrínsecos como contextuales.
   a. Taxonomía y análisis de los elementos que componen el caso. Atributos de diseño, compositivos, perceptuales y semióticos.
   b. Análisis de la experiencia generada.
   c. Análisis de las narrativas del caso.
2. Entorno:
   a. Contexto espacio / temporal, circunstancia histórica y coyuntura que crea la circunstancia particular de la pieza. Espíritu de la época (zeitgeist), y espíritu del lugar (genius loci).
   b. Contexto particular donde se implanta la pieza.
   c. Partes interesadas (Stakeholders): conflictos e intereses. Competidores y adversarios.

3. Creación y desarrollo.

a. Autor / Diseñadores / Realizadores: biografía creativa, entrenamiento, Obra.

b. Inspiraciones / Influencias.

c. Estilo / género / cánon. Reglas y principios de diseño que perduran en el tiempo y dan un carácter singular a un conjunto de piezas, bien sea por época, etnia, escuela, tradición o sector.

d. Referentes. Fuentes (temáticas, generacionales, estilísticas, ideológicas), antecedentes culturales (con qué dialoga, a qué se enfrenta, cómo genera tendencia, bajo qué estrategias), antecedentes eficaces en otros contextos (estados del arte).

4. Audiencia. ¿Cuál es el grupo de personas que hizo suya esta experiencia? ¿Hay otros grupos que lo hayan hecho? ¿Por qué? ¿Cómo funciona esta dinámica en el tiempo? ¿Cómo se definen? ¿Por qué se unen? ¿De qué/quién se distinguen? ¿Cómo?

5. Premisas y condiciones que lo hacen emblemático:

a. Estructura: Cómo se articulan, sostienen y materializan las intenciones sobre las que se construye la propuesta.
b. Análisis de valor.
c. Estrategia de la organización productiva o ente promotor. Objetivos satisfechos y logros.
d. Marca / prestigio: Reglas  y premisas de percepción y significado que modelan las expectativas de la audiencia y son asumidos por los autores y sus stakeholders como fuente de valor duradera.

e. Vínculos / rupturas con el contexto cultural.
f. Interpretaciones y apropiaciones de la audiencia: qué se conserva, qué se modifica y qué logra generar nuevos ciclos.

6. Conceptos: El todo es más que las partes. Síntesis que permite entender cómo se articula la propuesta para satisfacer o resonar con su respectiva audiencia.

7. Conclusiones: El secreto del éxito.

La lista anterior es una referencia de los elementos que deben integrar en su investigación, no es un checklist ni está en orden de importancia. Es fundamental que definan como grupo cuál va a ser su aproximación al caso y organicen la investigación en función de esta decisión.

Entregables:

– Presentación de 6 minutos.
– Muestrario de al menos seis unidades, de materiales y técnicas compuestas para expresar los conceptos estéticos de la pieza. El muestrario debe ser elaborado en asocio con un trabajador experto cuyo oficio y destreza sea la máxima disponible para ejecutar la pieza. Donde el estudiante considere que su experticia es elevada, es deseable que contribuya ampliamente. Se debe acompañar por un manual técnico paso a paso de cada una, con fotos del proceso, y una reseña del proveedor (referencias, especificaciones, costos y contacto).
– Manual impreso por tema, de alta calidad, cuyo contenido y diseño editorial resuelva el brief y exprese la estética del tema.
– Archivo digital ebook PDF calidad web subido a ISSUU, originales PDF para impresión, presentación, archivos digitales relevantes.

Casos disponibles:

Leica m9-P ‘Edition Hermés’
Adidas by Stella Macartney
Burberry
B.O.G. Hotel
Le Roi Danse
The Bling Ring
Funny Face / My Fair Lady / Breakfast at Tiffany’s
Duran Duran – Girl Panic!

Fase 2: Aplicación

Brief se entregará en la tercera semana.

Reglas de juego:

– Retardo de 15 minutos cuenta como falla y trabajo no entregado.
– Al quinto error de ortografía (incluyendo tildes) en un trabajo, se reduce en dos unidades la nota total del trabajo.
– La incorrecta citación (normas APA) y referencia en la documentación cuesta dos unidades de la nota final del trabajo. En caso de detectarse cualquier forma de fraude o falta a la integridad intelectual, se presentará el caso disciplinario ante el Departamento.
– Los grupos son fijos y no pueden disolverse.

 

Foto: (c) Getty AFP. Fuente: Inside the Paris apartment untouched for 70 years: Treasure trove finally revealed after owner locked up and fled at outbreak of WWII

Ejercicio introductorio para la sección 2 con el profesor David de los Reyes.

Identificar y encontrar la posesión más preciada de la familia, a través de entrevistas en contexto con sus diferentes miembros; si bien no tiene que ser igual de valiosa para todos, busque el mayor consenso posible, especialmente entre los familiares con más experiencia. Tome en cuenta el efecto Inflatables de sus vivencias y valores personales. Para elegir la pieza más valiosa, tenga en cuenta –flexiblemente- las siguientes restricciones:

– La pieza es apreciada por un valor intrínseco, no solamente por un valor sentimental atribuido por una historia de vida. (Por ejemplo, no el primer dibujo de un bebe)
– La pieza fue conseguida para algún fin, propósito o utilidad, que aún cumple (o es capaz de cumplir).
– En su criterio profesional, priorice una pieza que enriquezca el debate y la comprensión del salón de clase sobre el valor de la cultura material.

Utilice la lectura de Boztepe (2007) para diseñar sus entrevistas, y recopile los testimonios e historias de sus familiares con relación a la pieza.

1. Realice un foto estudio de la pieza cuyas características visuales (puesta en escena, ambientación, iluminación, técnica fotográfica, etc.) comunique el valor de la pieza según investigó con su familia. Es aceptable hacer retoque fotográfico básico, pero absténgase de intervenir la imagen con técnicas de ilustración u otras modificaciones. Titule su imagen de modo sugerente y apropiado al objetivo.

Formato: 300 mm x 450 mm, justificación libre, papel mate, montado sobre foamboard. Título y datos técnicos en tarjeta tamaño presentación adjunta.

2. Realice tres retratos de los familiares cuya opinión domina el avalúo de la pieza. Controle las características visuales de cada retrato, para contribuir al efecto compositivo y comunicacional de todo el ejercicio. Acompañe cada foto con un fragmento significativo del testimonio entregado por su familiar. Cuide la tipografía y diagramación.

Formato:150 mm x 200 mm, justificación libre, papel mate, montado sobre foamboard.

3. Analice los testimonios de sus familiares sobre la pieza acudiendo al texto de Susan Boztepe ‘User Value: Competing Theories and Models’ (2007). Sintetice su análisis en una pieza infográfica, que combine de manera apropiada testimonios e ideas de las entrevistas, con conceptos abstractos y teóricos. Sea sintético, busque el predominio de lo visual sobre lo textual.

Formato: Papel doble carta, justificación horizontal.

4. Recopile todo lo anterior en un breve libro digital, acompañado por un texto de máximo 500 palabras que explique el ejercicio y presente sus hallazgos personales.

Formato: Libro digital subido a ISSUU, link por correo al profesor y el monitor.

Nota: Marque con su nombre su trabajo, pero cuídese de no parecer un colegial que ignora todo sobre el diseño.

Entrega: Viernes 9 de agosto 9:00 a.m., Salón t 109, montaje tipo museo.

Bibliografía.

Boztepe, S. 2007 Aug 2. User Value: Competing Theories and Models. International Journal of Design [Online] 1:2. Available: http://www.ijdesign.org/ojs/index.php/IJDesign/article/view/61..

From Rusia With Love – Mario Hernández

Laura Botero

Manuel Espinoza

Johanna Rojas

Ivanna Samuel

Francesca Valdivieso

Este trabajo busca explorar el universo Mario Hernández, y así poder entender el estado en el que se encuentra la marca desde diferentes perspectivas, que en su unión recaen en la Inflatables expresión estética y conceptual que desea proyectar. De igual manera, se llevó a cabo el mismo proceso para sus respectivas competencias. Por otro lado, entender a los usuarios, para finalmente tener a Mario Hernández como punto de partida, competencias como limitaciones y usuarios como fuente de inspiración y caminos por explorar.

Este trabajo muestra los referentes estéticos y conceptuales de donde nos inspiramos para la creación del montaje según el concepto que queríamos interpretar. Muestra el procesos de creación, construcción del montaje, los elementos utilizados y la evaluación de nuestro proceso.

Documento Análisis:

http://issuu.com/ivannasamuels/docs/manunal1

http://issuu.com/ivannasamuels/docs/manual2

Documento Montaje:

http://issuu.com/ivannasamuels/docs/fromrusiawithlove

Link Flickr

 

Fabrica de Sueños – Melissa

Silvana Perdomo

Esther Ramos

Constanza Díaz del Castillo

Ana Collazos

Juegos, caramelos, regalos, alegría y emoción, sorpresas que nos remontan a la infancia, a los momentos felices y a las maravillas ilimitadas traídas por estos. En la búsqueda de revivir instantes en los que nuestro niño interior vuelve a brillar, están los sueños, creaciones sin restricciones donde la imaginación y la realidad se mezclan produciendo universos infinitos e inimaginables.

El proceso de transformación de los imaginarios fantásticos del sueño se materializa en un nuevo proceso de fabricación en la realidad. Fabricación es una forma de creación constante, donde el motor es la diversión colectiva y la materia prima los deseos de las personas. Lo anterior, se convierte en experiencias únicas e irrepetibles, donde cada soñador tiene la posibilidad de obtener un resultado que lo hace especial. Cada paso del proceso genera y encapsula emociones que trascienden a un instante memorable.

¿Cuál es tu sueño?

Documento Análisis: http://issuu.com/anacollazos/docs/melissa_top_bottom

Documento Montaje: http://issuu.com/anacollazos/docs/melissa-fabricadesuenos

Link Flickr: http://www.flickr.com/photos/94026607@N07/sets/72157633649560922/

Link Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=s5pds4v20gk&feature=youtu.be

 

Delikatessen Para El Cuerpo – Loto

Camila Gutierres

Luisa Donado

Diana martinez

Jennifer Grajales

En este manual expondremos el análisis de información y proceso que se llevó a cabo para el desarrollo de una idea de diseño hecha a partir de la investigación previa de la empresa Loto: Delikatessen para el cuerpo.

Aquí se mostrará cómo se llevó a cabo, para el desarrollo del montaje de Dirección Creativa, la conceptualización que llevó a generar una experiencia Loto, en donde  se logre capturar la atención de clientes potenciales de la marca y fidelizar a los existentes. A partir del entendimiento de los usuarios de la empresa, su competencia y sus debilidades, reconociendo sus universos estéticos y el entorno que los rodea, se llegó a un universo estético y conceptual que se ve reflejado en el montaje final.

Es necesario entender qué elementos se tendrán en cuenta de los usuarios y de la empresa que serán utilizados en el momento de la conceptualización estética del montaje. Es importante tener en cuenta que se debe tener un manejo adecuado de los recursos que siga identificando la identidad propia de Loto para, de esta forma, generar una recordación de la marca.

Documento Análisis: http://issuu.com/jenn.grajales89/docs/manual_final_top_down_bottom_up

Documento Montaje: http://issuu.com/jenn.grajales89/docs/manual_final_issu

Link Flickr: http://www.flickr.com/photos/78121216@N03/sets/72157633649456068/

 

The Seven Deadly Sins – MAC

Mariana Noreña

Sebastián Farfán

Natalia Suárez

Camila Silva

El siguiente documento pretende exponer todo el proceso detrás del montaje que tuvo lugar el Sábado 18 de Mayo de 2013 a las 10 am en la Universidad de los Andes, salón z-226. El anterior, pretendía recrear el espacio del evento que lanzaría la colección de “los siete pecados capitales” (“the seven deadly sins”) de MAC cosmetics, con la cual se pretendía crear una línea coherente de productos en relación a cada pecado capital.

Los pecados están ahí, pero nadie se atreve a referirse a ellos, porque culturalmente asociamos al pecado con el mal, sin reconocer que pecar es humano y por tanto, más allá del mal, constituye parte de lo que somos, de nuestro ser. Los pecados son, entonces,  potencialidades de nuestra personalidad.  MAC cosmetics, abre la caja de pandora y libera a los 7 pecados, pero no para esparcir el mal por el mundo sino para ponerlos a disposición de los mortales para que SEAN y puedan reflejar su personalidad a través del maquillaje.

Documento Análisis: http://issuu.com/macamilasu/docs/manualinvestigacionmac

Documento Montaje: http://issuu.com/nz-nataliasuarez/docs/manual_aplicacion_todo_web

Link Flickr: http://www.flickr.com/photos/92924168@N06/sets/72157633715784915/

 

 

EJERCICIO 2: VIDEO – ANÁLISIS Y APLICACIÓN

El objetivo del segundo ejercicio de Estudio 5: Dirección Creativa es la comprensión y apropiación de los diferentes lenguajes estéticos y conceptos que componen un video. El ejercicio de “reversa” tiene como objetivo, comprehender los diferentes aspectos formales y conceptuales que se imbrican en la dirección de arte y aplicarlos en un ejercicio específico. En este caso los estudiantes se enfrentan a la complejidad del mundo audiovisual y sus múltiples referentes que por su vez construyen este universo.

Los videos seleccionados a cada semestre aportan constantes temáticas, conceptuales y formales que tipifican la producción de un autor. Se busca que los estudiantes entiendan este contexto, que además de cultural es contemporáneo, para que localicen intereses y soluciones de los autores, y su diálogo con su momento histórico. Una vez analizado el video y su autor, y sus referentes los estudiantes se enfrentan a lo que se denomina Inflatables reversa, es decir, deconstruir los múltiples elementos que lo componen para indagar la poética del autor, ubicando sus referentes – visuales y conceptuales – y sus soluciones formales y de contenido.

Se trata por la complejidad misma del universo audiovisual, de que logren hacer ahora cartografías aún más amplias de referentes, de formas y de conceptos que les permitan entender cómo la dirección de arte se apoya en un núcleo de intenciones e ideas, cuya traducción pasa por una intención creativa explícita o implícita. Los estudiantes agrupan y subdividen sus cartografías en conjuntos más pequeños, buscando conceptos subyacentes que serán relevantes y pertinentes con la obra audiovisual. Una vez terminado el análisis, los estudiantes pasan a una fase de reconstrucción creativa. Se les propone lo que llamamos “Aplicación”, en otras palabras, deben aplicar el conocimiento del análisis a una “nueva obra” según la forma de uso que se les sugiera utilizando los mismos conceptos y elementos estéticos del video. El sentido acá es subrayar la pertinencia de un encargo. Se busca que los estudiantes tengan la capacidad de conjugar un mosaico de herramientas estéticas y analíticas desde una restricción.

Análisis de Video:

– Realizar una investigación formal y conceptual que incluya los posibles referentes estéticos visuales, audiovisuales, sonoros, históricos y teóricos del video.

– Realizar una investigación sobre el concepto y/o discurso elaborado por el autor y desarrollar un concepto propio a partir de esto, teniendo siempre en cuenta lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual del video investigado.

– Definir y presentar los posibles referentes conceptuales y formales evidenciando su relación con el video.

– Definir y presentar las inspiraciones junto a referentes en un moodboard que sirva como guía estético, narrativo y conceptual del video.

 

Realizar un Documento de Análisis

Formato: Papel: Empastado de forma creativa 20 x 20 cm aprox. / Virtual: cargado en issuu.com

1. Índice.

2. Introducción: Introducir el propósito del documento, el video/autor/músico/proyecto y el objetivo del análisis.

3. Referentes: Nombrar los referentes visuales, audiovisuales, sonoros, históricos y conceptuales, evidenciando su relación con el video.

4. Moodboard: El Moodboard debe dejar en evidencia los elementos inspiracionales y referenciales que sirvan como guía visual sobre los elementos estéticos y conceptuales que componen el video. Es el concepto traducido en un conjunto de imágenes que le dan sentido.

5. Concepto: Realizar un texto sobre el concepto y /o discurso del video teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual según lo analizado.

6. Análisis: Dejar en evidencia un análisis desde la narrativa del video, sus tiempos y etapas, su relación con la música y letra (si los hay) espacio, vestuario, utilería, objetos, iluminación, sonido y todos los aspectos perceptuales que le dan un fin.

7. Conclusión: Resuman los aspectos intangibles relevantes que encontraron en el material analizado, identifiquen intenciones del autor que, en principio, no parecían evidentes.

8. Bibliografía: Referencias bibliográficas, web y filmográficas según normas APA

*Citar todas las fuentes en pié de página según normas APA

 

Aplicación:

– A partir de la aplicación dada en clase, realizar una nueva investigación formal y conceptual que incluya los posibles referentes estéticos visuales, audiovisuales, sonoros, históricos y teóricos relacionados a la aplicación.

– Definir un concepto propio a partir de la aplicación versus el video.

– Definir y presentar los referentes conceptuales y formales evidenciando su relación con el video.

– Definir y presentar las inspiraciones junto a referentes a través de moodboard y bocetos que sirvan como guía estético, narrativo y conceptual para la elaboración de una puesta en escena que los deje en evidencia.

– Elaborar una maqueta a escala 1:20 que de cuenta de la organización y planeación de los elementos que reconstruyen de forma conceptual y formal el imaginario del video y su aplicación.

– Crear y planear una puesta en escena/Instalación que de cuenta estéticamente y conceptualmente del imaginario del video y su aplicación.

 

Realizar un Documento de Aplicación.

Realizar una puesta en escena / Instalación controlada que de cuenta de los elementos estéticos y conceptuales analizados versus la aplicación asignada.

Documentar en fotos y video el proyecto.

 

Documento de Aplicación

Formato: Papel: Empastado de forma creativa 20 x 20 cm aprox. / Virtual: cargado en issuu.com

1. Índice

2. Introducción: Introducir el propósito del documento, la intención del análisis del video versus el objetivo de la aplicación.

3. Concepto: Realizar un texto sobre el concepto final sobre la aplicación teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual.

4. Referentes: Nombrar los referentes visuales, audiovisuales, sonoros, históricos y conceptuales, evidenciando la relación con la aplicación.

5 Proceso creativo: Dejar en evidencia el proceso creativo a través de moodboards, bocetos y maquetas que den cuenta decisiones tomadas y de la elaboración de la puesta en escena/instalación final.

6. Photoshoot: Imágenes fotográficas que den cuenta de mostrar de la mejor forma posible los logros de su proyecto.

7. Conclusión: Resuman los aspectos intangibles relevantes que encontraron en el proceso creativo del proyecto y lo que se logró o no realizar de forma tangible.

8. Bibliografía: Referencias bibliográficas, web y filmográficas según normas APA

*Citar todas las fuentes en pié de página según normas APA

 

DROPBOX

Documentación de Proyectos

*La carpeta debe estar identificada por fuera con el Título del proyecto.

Incluir:

Documento Word:

• Título del proyecto
• Nombres de los Integrantes del grupo
• Texto redactado de forma clara y coherente evidenciando los conceptos, intenciones y alcances del proyecto ( máximo 500 palabras)
• Link en YouTube o Vimeo de los videos realizados sobre el proyecto (si es el caso)

Citar en YouTube/Vimeo título de la música(s), autor(res) y año,  incluidos en el video, evidenciando que este es un proyecto realizado para la clase de Estudio 5 – 2012 de Diseño de la Universidad de los Andes en Bogotá (Citar autores del proyecto y video)

• Link del álbum: Estudio 5 Dirección Creativa 2013-1 en Flickr en el cual pueden tener cuantas imágenes deseen de sus proyectos (Citar fotógrafo de cada imagen)
• Link de www.issuu.com  de sus documentos (Manuales) en. pdf optimizado para web.

 Imágenes:

• Incluir en una carpeta mínimo 3 máximo 5 imágenes representativas de su proyecto ( jpg a 72 dpi 15 x 10 cm)

 

VIDEOS X APLICACIÓN

 

Fjögur píanó – Sigur Rós –  Alma Har’el

http://vimeo.com/43657394 

Aplicación: Taxonimía de la Intimidad
Ana Collazos
Constanza Díaz del Castillo
Silvana Perdomo
Esther Ramos
Documento Análisis: http://issuu.com/anacollazos/docs/fjogurpiano

La Taxonomía de la Intimidad consiste en el acto de clasificación de momentos en los cuales el individuo decide compartir su privacidad. Esta tipificación parte de etapas que las relaciones transitan, comenzando por el amor y el apego a los objetos que lo representan.  Luego, el olvido de lo material y la perduración de los recuerdos tras un estado de ruptura, un quiebre en la confianza y en el compromiso. Dicha clasificación, tras el concepto presentado por  la directora Alma Har’el en el video de Sigur Rós, Fjögur Píanó, se encuentra involucrada dentro de un ciclo íntimo e intenso donde los recuerdos quieren ser olvidados.

En la intimidad se coleccionan elementos que el individuo considera importantes y por lo tanto busca hacerlos perdurar en el tiempo. Estos objetos son los que presentan un factor común entre diversas historias amorosas y permiten crear una categorización que se recopila y exhibe en el Museo Intimitatem.

A través de dichas representaciones, nos adentramos en las memorias más privadas de las personas, revivimos momentos y contamos historias. Al ver las reacciones y escuchar los comentarios de los espectadores después de la exposición, nos dimos cuenta que nuestro proyecto resultó ser sobre todo satisfactorio. Empaquetamos en un solo espacio miles de sentimientos y emociones que surgieron de personas en el anonimato para lograr combinar de manera sutil, lo público y lo privado, la intimidad en el Museo.

Documento Aplicación: http://issuu.com/anacollazos/docs/museointimitatem

Link Flickr:  http://www.flickr.com/photos/94026607@N07/sets/72157632993045498/

 

 

 

Morphe Aesop – Lucy McRae

http://vimeo.com/49304150 

Aplicación: Incubadora de Belleza
Francesca Díaz
Manuel Espinosa
Mateo Gonzales
Andrés Ramírez Yepes
Documento Análisis: http://issuu.com/andresyepes92/docs/morpheaesop

Este trabajo de dirección creativa es el resultado y consecuencia del video publicitario Morphē dirigido por Lucy McRae. A partir de un proceso de investigación se recogió información pertinente para desarrollar el concepto de una incubadora de belleza. De esta manera, construimos un universo físico gestor de vida con un discurso que recae y se soporta en la vida misma, fuente de belleza básica y más importante. Así, documentamos nuestros argumentos estéticos, conceptuales e inspiracionales para construir nuestro propio universo creador, un laboratorio que busca la concepción de la belleza a través de la naturaleza.

 

Documento Aplicación: http://issuu.com/andresyepes92/docs/ether

Link Flickr: http://www.flickr.com/photos/mcmanu/sets/72157632969489198/

Link Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=3F_ZxUn8fP4

 

The Woman Dress – Miu Miu – Giada Colagrande         

http://www.youtube.com/watch?v=uGhvrID2ilA

Aplicación: Exorcismo Fashion
Héctor Garzón
Juliana Montes
Gabriela Nieto
Natalia Zapata
Documento Análisis: http://issuu.com/julymontes/docs/manual_the_woman_dress

 

La actividad del montaje consistió en la identificación y síntesis de los elementos clave del fashion film The Woman Dress (por miumiu en conjunto con la italiana Giada Colagrande) para la puesta en práctica de la aplicación conceptual “exorcismo fashion”.  Se reforzaron capacidades de análisis e investigación y se hizo constante énfasis a la tangibilización de ideas para la producción y representación acertadas de un concepto.  En nuestro montaje recreamos la captura de una esencia a través de la purificación.  Entendimos cómo, la intención humana por transformarse permanentemente y liberarse de los escrutinios sociales, exige esa purificación que a su vez se logra a través de la recuperación de nuestra esencia básica.

 

Documento Aplicación: http://issuu.com/julymontes/docs/manual_the_woman_dress_montaje

Link Flickr: http: //www.flickr.com/photos/94026265@N03/sets/72157632987811305/

 

  

Alter Ego – Simon Ruschmeyer      

http://bentrova.to/classic/fashion/alter-ego-simon-ruschmeyer/

Aplicación: Espacios Bipolares
Diego Medina
Lucia Trujillo
Juan David Cadena
Catalina Segovia

Documento Análisis: http://issuu.com/catalinasegovia/docs/manual

 

Con este montaje se buscó crear y mostrar tanto la mente como un fragmento de la historia de Klara durante su estadía en el asilo, a partir de los estados mentales de la bipolaridad, en los cuales se experimentan sensaciones distantes pero interconectadas como se nos muestra en el video Alter Ego de Rusch Meyer. Para lograr producir las emociones buscadas investigamos referentes que nos mostraran sensaciones enfrentadas, tales como la levedad y la pesadez. Fue importante encontrar aquellos elementos que comunicaran las emociones y percepciones necesarias para transportar al visitante a la esencia de la enfermedad.

A lo largo del proceso se realizaron ajustes a la idea inicial de crear cuatro espacios (dos de cada etapa de la bipolaridad) que produjeran un recorrido físico, sensorial y mental en el espectador. La idea se simplificó con ayuda de las maquetas y las retroalimentaciones, se pasó a sólo dos espacios y se planteó una membrana que separara los espacios y que dificultara el paso de un lado a otro. Esto nos permitió trabajar más a fondo en la organización de los espacios y los elementos que los conformarían. Como resultado final se logró hacer palpable ésta bipolaridad a través de las vivencias y pensamientos del personaje inspirado en Alter Ego: Klara Hoffman.

Documento Aplicación: http://issuu.com/luciadelasflorestrujillof/docs/espaciosbipolaresklara

Link Flickr: http://www.flickr.com/photos/93982243@N06/ 

Ana Collazos y Constanza Díaz

 

David LaChapelle – Earth Laughs in Flowers (2012)

 

Everlasting Naive

En esta serie, LaChapelle trae de vuelta los bodegones como referente principal de la historia del arte, para expresar diferentes capítulos de la vida de una manera bellamente irónica. En su obra se pretende generar cuestionamientos sobre la forma en que actuamos en diferentes etapas de la vida. Los pecados Inflatables capitales y las cualidades humanas, como la espiritualidad o la búsqueda de identidad, también hacen parte esencial del discurso que propone el artista.

Las composiciones se caracterizan por un estilo kitsch y un exceso de simbología a través de elementos cotidianos o referentes históricos. Cada foto tiene una personalidad, cuenta una historia a través de la cual LaChapelle hace críticas específicas a la sociedad consumista.

Esta obra hace un paralelo entre lo natural y lo falso, la vida y la muerte, lo plástico y lo real, lo ordenado y lo caótico. Lo anterior, se ve reflejado en los títulos de las fotografías y en la ambigüedad visual de los objetos y las escenas.

Para la fotografía Everlasting Naive, se desarrolló un personaje masculino que sufre del síndrome de Peter Pan, un niño que está encerrado en el cuerpo de un adulto. La obra tanto en el título como en la composición, busca expresar la dualidad entre la personalidad madura y la infantil, el niño y el hombre que son la misma persona. Lo anterior, a través de elementos como una jaula que encierra el espíritu de un niño representado por muñecos y comics, en contraposición con una revista de Playboy y los condones, que representan la etapa más adulta del género masculino.

Debido a que Michael Jackson es un personaje reconocido que se dice sufrió del síndrome de Peter Pan, resulta pertinente traerlo a la obra por medio de una imagen de la escultura de Jeff Koons “Michael Jackson and Bubbles” (1988). Al mismo tiempo, Koons resultó ser un referente importante que se ve reflejado a través de la serie Earth Laughs in Flowers. También se mantuvo la presencia de elementos como la pistola de agua, el pájaro, lo plástico y las frutas, objetos recurrentes en la serie en cuestión.

Este bodegón pretende mostrar la personalidad de una etapa de la vida que muchos hombres atraviesan, la confusión de identidad, el momento de asumir responsabilidades y actitudes, que según lo establecido en la sociedad, van acorde a la edad. ¿Pero qué sucede cuando lo que va por dentro no es acorde a lo que se ve por fuera?, esta fotografía capta el interior caótico y confundido de la mente de una persona que por siempre, se niega a crecer.

 

Esther Ramos y Silvana Perdomo

 

DANIELA EDBURG
THE REMAINS OF THE DAY
2005-2007

 

From A to Z

La vida es un recorrido que se crea estando consciente de que va a llegar a un fin. Se va construyendo a partir de momentos materiales y objetos artificiales, que perduran una vez los cuerpos vuelven a un estado básico de descomposición en la tierra. La serie The Remains of the Day (2005-2007) de la fotógrafa Daniela Edburg, muestra los momentos de armonía  posteriores al acto violento de morir, en los cuales la muerte se convierte en una metáfora de la identidad. Dicha identidad es comunicada mediante el uso implícito de clichés en cada una de las fotografías. Al descomponerse los cuerpos, lo artificial son los restos que permanecen en la realidad, son los protagonistas de estos momentos reiterativos, que salen de los personajes creando la ilusión de las entrañas, que alguna vez representaron la vida de la persona.

From A to Z es creada a partir de la serie, como una continuación de la misma. Analizando la obra de Edburg se toma el concepto de la muerte como poesía, personajes que cambian de estado dentro de escenarios naturales dejando atrás su relato. Dichas muertes se remontan a la más icónica de la historia, la muerte poética de Ofelia. Este legado es retomado en cada una de las fotografías de forma indirecta, al mostrar muertes que resultan hermosas a pesar de la connotación negativa que tiene el acto de morir. Dentro de la fotografía from A to Z  se toma la inspiración de Ofelia no sólo como acto poético sino también como referente de lo artificial, tomando los libros como el factor de artificialidad existente en la vida de las personas. Son historias como las de Ofelia, con sus personajes y moralejas, que han generado los humanos para satisfacer su necesidad de crear irrealidades dentro del mundo real previo a la muerte.

Dentro de la fotografía se crea una identidad que se ve representada por medio del cliché que va de la mano del objeto artificial elegido, los libros. Analizando los clichés, se encontró la oportunidad de representar el estereotipo de la joven intelectual, lectora y literaria la cual, usualmente, es mostrada como una estudiante. La imagen utiliza como signo la descomposición del individuo. Así, los libros, el personaje y la locación escogida, se convierten en significantes. Estos llevan al receptor a tomar como significado de la fotografía la artificialidad que dejamos al morir, que es representada por medio de objetos, en este caso libros.

Finalmente se manejan aspectos perceptuales y compositivos que apoyan el concepto. La paleta de colores complementarios, donde predominan el verde y los naranjas, deja como foco los tonos rojizos, enfocando lo representativo de la muerte como los libros y las flores caídas, creando a su vez un equilibrio cromático. En cuanto a los planos focales, se trabaja la escena de manera plana, con presencia de líneas horizontales que dividen la imagen, dándole un aura pacífica y tranquila. Aura fracturada por la presencia de colores vivos y fuertes en los tercios inferiores de la misma.

 

Jennifer Grajales y Diana Marínez

 

 

Daughter of Art History – Yasumasa Morimura

 

Retrato Lily Elbe por Gerda Wegener

Yasumasa Morimura (1951) es un artista plástico japonés. Dentro de sus obras se encuentran principalmente las fotografías. Su trabajo esta enfocado en dualidades como el pasado/presente, cultura occidental/cultura oriental, pintura/fotografía, arte/parodia, hombre/mujer, original/producción. Con lo anterior, se infiere por qué Morimura en sus obras escoge a reconocidos artistas y sus creaciones para recrearlas haciendo una mimesis de ellas; lo que pretende él es que sus obras reflejen algo controversial además de ser un homenaje a sus creadores.

La serie Daughter of Art History se basa en pinturas de artistas famosos sobre todo del impresionismo y el postimpresionismo, entre ellos Marcel Duchamp, Diego Velásquez (barroco) y Édouard Manet. En ésta se reflejan tres conceptos principales como lo son lo femenino, lo dual y lo icónico. También el escenario se vuelve un gran protagonista al cargarse de objetos de la cultura oriental, como telas, botellas, flores y un juego de colores. Uno de los aspectos representativos de la serie es que sus imágenes se encuentran recargadas hacia un lado del encuadre, además se presenta un juego de cuatro manos de las cuales dos son incorporadas por el artista a la pintura original. Paralelo a esto se observa en su obra aspectos controversiales como la identidad de genero que se ven manifiestos en la duplicidad de gorros, manos, un cuerpo que parece de dos personas diferentes por el cambio en su color, el reflejo de un hombre y una mujer mirándose haciendo alusión al alter ego, incluso elementos incorporados, movidos o sustraídos como cables, telas, florero y brazos. Las tonalidades usadas principalmente son los tonos azules, rojos, amarillos (en menor cantidad), negro y blanco.

La imagen presentada es la reinterpretación de la pintura de una artista del siglo XX, Gerda Wegener, pintora e ilustradora danesa. En la pintura Gerda utiliza como modelo a su esposo de la época Einar Wegener quien interpreta el papel de una mujer. Se observan elementos como una baraja de cartas de la cual la reina de corazones se encuentra en la mano del personaje, componente que nos remite de inmediato a algo dual e icónico. Podemos ver también que las tonalidades son frías en la mayoría de la pintura, manteniendo tonos azules. Los objetos decorativos adquieren una importante relevancia ya que son los que enriquecen la pieza, le dan sentido. Con lo anterior, en la fotografía que hemos incorporado a la serie decidimos utilizar componentes parecidos pero cambiando objetos como la baraja de cartas, el cojín, el jarrón y el porta maquillaje reinterpretándolos con cosas de la cultura japonesa. También se ha puesto una imagen de otra de las obras de Gerda en el periódico, la cual nos hace pensar sobre la identidad de genero al detallarla, ¿Serán las dos mujeres Gerda y su esposo?; además se instaló la imagen de una geisha en la botella lo cual refleja la sensualidad y erotismo de las obras de Wegener. Por ultimo fue añadida una mano cogiendo una de las copas, tal como Morimura hace en sus obras con el juego de brazos, esto refleja lo original y el hecho de identificarse a si mismo en cada una de sus piezas.

 

Andrés Hidalgo y Simón Aguía

 

Eugenio Recuenco / Images of Passion / 2009

 

Amnistía Artística

Eugenio Recuenco es un artista y fotógrafo español que se caracteriza por su estilo pictórico en las fotografías como principal recurso para hacer de ellas obras de arte. Siempre hace referencia al Siglo de Oro del Barroco, por la luz y la composición de las imágenes, al Renacimiento y algunos artistas del Arte Moderno, incluyendo destacados representantes del Séptimo Arte.

La serie que elegimos, Images of Passion, fue un encargo del banco BSI a Erwin Olaf y Eugenio Recuenco para expandirse como banco por medio de series fotográficas que lo representen utilizando el violín como su insignia. Recuenco utilizó este recurso ilustrando, de manera satírica, indagando en cómo el violín sería acogido por culturas muy representativas en el mundo que en el imaginario cultural de las personas constituyen clichés o estereotipos. Se encuentran Geishas utilizando los arcos como palitos chinos, violines brotando del suelo árido de África, un pirata frente un cofre lleno de violines, entre otros; haciéndonos encontrar nuestro concepto “Estereotipo Cacofónico” viendo la cacofonía como esa ironía o desarmonía en cada foto. De esta manera, las fotos contienen un gran contenido político y satírico en los estereotipos culturales representando la desarmonía y cómo el violín, el banco, puede representar una salida o una salvación en cada contexto. Los suelos se convierten fértiles en África; contiene la trascendencia cultural del arte francés; evita que los ladrones, o piratas, consigan lo que contiene el banco, ayuda al indio en la gran ciudad e incluso es el banco de la monarquía demostrando que la reina no hace nada por sí misma.

En la foto recreada, el estereotipo representativo de la cultura colombiana escogido es el del conflicto armado en Colombia, pues internacionalmente esa es la concepción que se tiene en el imaginario cultural sobre el país. De esta manera, al igual que en las otras fotos, la finalidad es sensibilizar el espectador a ver la connotación positiva que recrea el símbolo del violín acerca del BSI. Por consecuente, la composición denota el guerrillero que a través del violín que toca armoniosamente, encuentra su salida, una epifanía con la que decide dejar su chaqueta y su pasado en el suelo dejando al descubierto una camiseta blanca que simboliza la paz que llega finalmente. La cacofonía reside en un conflicto que ha durado más de 50 años en el país, pero por las artes y el banco ha llegado a su fin. La obra de Botero en el fondo refuerza el contenido pictórico, las artes como salvación, y se usa como referente al igual que Recuenco a lo largo de la serie utiliza diferentes referentes artísticos. Asimismo, se ilumina con un solo foco representando la luminosidad del barroco y la estética pictórica de éste. Esta fotografía busca en últimas avivar la sensibilidad del espectador frente al conflicto armado, ilustrando el arte y los valores del banco como la verdadera salida hacia la paz que debe reincidir en los países, en la cultura y los individuos que la componen.

 

Leonardo Freseneda y Mauricio Baquero

 

Marcos López – POP Latino

 

Mr. Mac Ondos

Marcos López es un fotógrafo y artista argentino, dedicado a mostrar en sus fotografías la cultura latinoamericana. En la serie POP-Latino, el artista se acerca a la cultura popular, al paisaje urbano y examina los objetos que le rodean, las actitudes que lo configuran y la realidad de la cual todos participan. El Pop latinoamericano comparte características con el Pop Estadounidense; ambos muestran influencias por parte del estilo Camp y el Kitsch. En todas sus fotografías, Marcos López logra rescatar la identidad latina de una forma original, contrastándola con el consumismo y la globalización.

En la serie de Pop Latino, Marcos López retrata la cultura pop globalizada y específicamente cómo se evidencia en América Latina arriesgando por el camino de la obviedad, primer plano, gran angular y transmitiendo un mensaje social. Destaca además esa gran importancia al color y al impacto que este genera en la composición de sus fotografías. Él dice que ¨el color me da más elementos de opinión”.  Las fotografías están marcadas por sus colores exagerados, las poses de los personajes, y ciertos elementos de la fotografía publicitaria pop.  López muestra la desigualdad social que se vive en América Latina, y la contrasta con la alegría y su toque característico de humor irónico.

¨Siempre me intereso en que mi obra hable de la periferia, mostrar la textura del subdesarrollo. Trato de que mi trabajo tenga el dolor y la desprolijidad de la América mestiza.¨ – Marcos López

Basándonos en ese estilo característico de López en la gama de colores que utiliza, en las temáticas que trabaja y en la composición de la imagen, desarrollamos una nueva fotografía que se acoplara a las demás de esta serie en particular. Primero empezamos la búsqueda de elementos criollos que caracterizaban a nuestra cultura y que de alguna forma retratara la cultura pop global. En la serie escogida, destacamos la importancia de la comida criolla y quisimos resaltarla.

Tomando como referencia elementos muy reconocidos a nivel mundial de grandes multinacionales de comida, iniciamos una búsqueda de referentes colombianos de restaurantes de clase media – baja, en donde se evidenciara esa fuerte influencia que tienen las franquicias multinacionales en el mercado y ese intento por adaptarlas a la cultura latinoamericana. De ésta forma es evidente cómo la cultura latinoamericana en su intento por adaptar éstos referentes de la cultura Estadounidense y la estética extranjera comete errores inocentes debido a su ignorancia respecto al tema y a en afán de “alcanzarlos”.

El estilo Camp: Camp es una palabra de origen australiano que significa salón o taberna deteriorada. Fue difundido con el significado de afición a lo artificioso y exagerado, y hace referencia al gusto estético basado esencialmente en un entorno nostálgico a formas plásticas, consideradas anteriormente pasadas de moda.

El estilo Kitsch: Define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.

EJERCICIO 1: FOTOGRAFÍA

Eugenio Recuenco

El objetivo del primer ejercicio de Estudio 5 : Dirección Creativa es la comprensión y apropiación de los diferentes lenguajes que se amalgaman en una imagen fija, con miras a entender que los diferentes aspectos que se imbrican en la dirección de arte y aplicarlos en un ejercicio dado. Para lo anterior, los estudiantes se enfrentan a una serie limitada de la obra de un autor contemporáneo.

La serie aporta constantes temáticas, conceptuales y formales que tipifican la producción de un autor. Se busca que los estudiantes entiendan este contexto, Jumping Castles que es cultural y formal a la vez, para que localicen intereses y soluciones del fotógrafo, y su diálogo con su momento histórico. Una vez estudiada la serie, los estudiantes  se enfrentan a lo que se denomina reversa, es decir, a deconstruir la imagen para indagar la poética del autor, ubicando sus referentes – visuales y conceptuales – y sus soluciones formales y de contenido.

Se trata de que logren hacer cartografías de referentes, de formas y de conceptos que les permitan entender cómo la dirección de arte se apoya en un núcleo de intenciones e ideas, cuya traducción pasa por una intención creativa explícita o implícita. Los estudiantes agrupan y subdividen sus cartografías en conjuntos más pequeños, buscando conceptos subyacentes que serán relevantes y pertinentes con toda la serie.

Una vez terminada la reversa, los estudiantes pasan a una fase propositiva. Dicho en una analogía, es como si asumieran la piel del autor y tuvieran la intención de producir otra pieza de la serie. El sentido acá es subrayar la pertinencia de un encargo. Se busca que los estudiantes tengan la capacidad de conjugar un mosaico de herramientas estéticas y analíticas con un requerimiento dado. Esta nueva imagen debe tener un alto nivel de dirección de arte, debe resultar idónea y corresponder al objetivo del ejercicio que, en este caso, busca proponer otra pieza que pueda habitar la serie original.

No se trata de copiar al autor, o de replicar alguna de sus imágenes: los estudiantes construyen una imagen nueva en todas sus fases productivas a partir de referentes claros. Teniendo desagregados los diferentes ejes de la dirección de arte, están en capacidad de proponer una solución creativa diferente, que tiene una intención comunicativa cuyos lenguajes estéticos son elaborados y que, a la vez, se ajusta a los límites mismos del autor que la reversa estableció. El cierre de la entrega es una imagen cuya dirección de arte se apoya en concepto claro, con una forma y una técnica idóneas, que proyecta un contenido pertinente respecto a los lineamientos que la gestaron.

Investigación:

Realizar una investigación formal y conceptual desde los referentes de la series fotográficas seleccionadas por ustedes según el Autor asignado.

• Definir y presentar los referentes directos del mismo género (Estado del arte)
• Definir y presentar los referentes indirectos desde otros géneros (Referentes generales)
• Definir y presentar las inspiraciones

Realizar un texto sobre el concepto y /o discurso del Autor asignado teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la serie investigada. (máximo 500 palabras)

Fotógrafos:

Eugenio Recuenco

David La Chapelle

Yasumasa Morimura

Marcos López

Daniela Edburg

David Crewdson

 

Planeación

Realizar bocetos desde dibujos, fotografía, collage etc. que den cuenta de organizar y comunicar el proceso creativo y los elementos a ser usados para la reconstrucción del imaginario del Autor a través de una nueva imagen que haga parte de la serie investigada.

 

Presentación:

Realizar una imagen fotográfica que se entienda como parte de la serie investigada y un texto que de cuenta del concepto elaborado en la imagen, siempre teniendo en cuenta lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la imagen realizada. (Máximo 500 palabras)

Foto (identificada con el nombre de los estudiantes)

Imprimir una fotografía realizada por ustedes en formato A3 (297 x 420 mm) en papel fotográfico.

Imprimir seis imágenes representativas de la serie distribuidas en un formato A4 (201 x 297 mm)

*No es necesario ponerle ningún soporte extra. (Recuerden refilar las fotografías)

Texto (identificado con el nombre de los estudiantes)

Imprimir en papel formato A4

Nombre de los estudiantes

Nombre del fotógrafo

Título de la serie

Título de la fotografía creada por ustedes

Concepto (máximo 500 palabras)

*Recuerden las reglas de ortografía dadas la primera clase.

CD (identificado con el nombre de los estudiantes)

Fotografía de los Estudiantes en formato jpg (72 dpi 15 x 10 cm aprox.)

Una fotografía representativa de la serie en formato jpg (72 dpi 15 x 10 cm aprox.)

Texto en un documento Word (máximo 500 palabras

PROGRAMA