ESTUDIO 5 DIRECCIÓN CREATIVA – SECCIÓN 2 / 2015-2

February 10th, 2016 by Karen Aune

ESTUDIO 5 DIRECCIÓN CREATIVA – SECCIÓN 2 / 2015-2

DISE 2122-2 / Estudio 5 2015-2

Hora y Lugar

Miércoles y Viernes de 9:00 am. a 10:50 am Salón S1-105

Profesoras

Karen Aune & Susana Botero

Intensidad

4 Horas en Clase + 8 Horas individuales por fuera – 4 Créditos

Dirigido a

Estudiantes Diseño

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Moebius

Descripción del Curso:

El programa parte del concepto de Diseño Estratégico y establece puentes entre los ámbitos de la creatividad y los aparatos productivos. En otras palabras, se promueven las competencias de un diseñador estratega de modo que pueda enfrentar diversos contextos, aportando soluciones que son ideaciones estéticas que se articulan con un mercado. A lo largo del curso los estudiantes reconocen el valor, el contenido y la trayectoria cultural de un autor o de una manifestación estética desde la perspectiva de la dirección de arte, sintetizando sus conceptos visuales y produciendo estados del arte. Luego, a través de estudios de caso, construyen su pensamiento estratégico, formulando y ejecutando oportunidades de diseño traducibles a productos, servicios y/o experiencias con un lenguaje estético articulado y coherente, que tiene en cuenta las filiaciones estéticas de las audiencias.

Objetivos

La dirección creativa busca afinar en el alumno la capacidad de construir conceptos estéticos, estableciendo balances entre los deseos de las personas, los entornos culturales y las dinámicas del mercado. El diseño aparece como generador de valor, como detonante de mecanismos de identidad, filiación y consumo, generando vínculos perceptuales que van más allá de la simple funcionalidad de un producto. Para tal efecto, junto a la capacidad de elaborar cartografías estéticas y visuales, es necesario que el alumno aprenda a conceptualizar estos procesos y a mirar las audiencias como receptoras y articuladoras de dinámicas culturales El curso busca formar un diseñador estratega que, con una mirada holística e interdisciplinaria, pueda interpretar, documentar, formular y ejecutar proyectos creativos en distintos ámbitos empresariales.

Metodología

El diseño es fuente de identificación, valor y filiación de audiencias, más allá de la funcionalidad de sus manifestaciones. La creatividad del diseñador se articula dentro del ámbito de fuerzas que actúan en un entorno de mercado. El director creativo articula estrategias, cataliza oportunidades, visualiza recursos culturales y proyecta estéticas que dialogan con audiencias específicas.

El programa tiene dos momentos fundamentales: en la primera fase, el alumno deconstruye productos culturales con una dirección de arte compleja, de modo tal que pueda entender los ejes culturales, perceptuales, visuales y sensibles que la subyacen. En otras palabras, aprende a hacer cartografías visuales y conceptuales, a producir referentes y estados del arte estéticos que, luego, aplica a un contexto de diseño articulado en torno a productos o servicios concretos. Una vez aprendidas estas herramientas, el alumno se concentra en estudios de caso reales: inmersos en un simulacro del mundo laboral, los estudiantes construyen propuestas que – con énfasis sus aspectos creativos y en la percepción de las audiencias – generan una estrategia sostenible en el mercado. Al final, la bocetación y prototipado de conceptos estéticos, su documentación y comunicación, las etnografías visuales, confluyen en un proyecto grupal de diseño que produce experiencias, servicios o productos conceptuales, entre otros.

EJERCÍCIO 1: IMAGEN Y CONCEPTO

El objetivo del primer ejercicio de Estudio 5 : Dirección Creativa es la comprensión y apropiación de los diferentes lenguajes que se amalgaman en una imagen fija, con miras a entender que los diferentes aspectos que se imbrican en la dirección de arte y aplicarlos en un ejercicio dado. Para lo anterior, los estudiantes se enfrentan a una serie limitada de la obra de un autor contemporáneo. A partir la serie, escogen una imagen en torno a la cual articularán su trabajo.

La serie aporta constantes temáticas, conceptuales y formales que tipifican la producción de un autor. Se busca que los estudiantes entiendan este contexto, que es cultural y formal a la vez, para que localicen intereses y soluciones del fotógrafo, y su diálogo con su momento histórico, su discurso y poética. Una vez estudiada la serie, los estudiantes abordan el análisis de una serie de imágenes específica de un autor. Aquí se enfrentan a lo que se denomina reversa, es decir, a deconstruir cada imagen y el concepto para indagar la poética del autor, ubicando sus referentes – visuales y conceptuales – y sus soluciones formales y de contenido.

Se trata de que logren hacer cartografías de referentes, de formas y de conceptos que les permitan entender cómo la dirección de arte se apoya en un núcleo de intenciones e ideas, cuya traducción pasa por una intención creativa explícita o implícita. Los estudiantes agrupan y subdividen sus cartografías en conjuntos más pequeños, buscando conceptos subyacentes que serán relevantes y pertinentes, con toda una serie de un autor.

Una vez terminada la reversa, los estudiantes pasan a una fase propositiva. Dicho en una analogía, es como si asumieran la piel del autor y tuvieran la intención de producir otra pieza de la serie. El sentido acá es subrayar la pertinencia de un encargo. Se busca que los estudiantes tengan la capacidad de conjugar un mosaico de herramientas estéticas y analíticas con un requerimiento dado. Esta nueva imagen debe tener un alto nivel de dirección de arte, debe resultar idónea y corresponder al objetivo del ejercicio que, en este caso, busca proponer otra pieza que pueda habitar la serie original.

No se trata de copiar al autor, o de replicar alguna de sus imágenes: los estudiantes construyen una imagen nueva en todas sus fases productivas a partir de referentes claros. Teniendo desagregados los diferentes ejes de la dirección de arte, están en capacidad de proponer una solución creativa diferente, que tiene una intención comunicativa cuyos lenguajes estéticos son elaborados y que, a la vez, se ajusta a los límites mismos del autor que la reversa estableció.

El cierre de la entrega es una imagen y un texto cuya dirección de arte se apoya en concepto claro, con una forma y una técnica idóneas, que proyecta un contenido pertinente respecto a los lineamientos que la gestaron.

(Ricardo Sarmiento)

Investigación

Realizar una investigación formal y conceptual desde los referentes de la series fotográficas seleccionadas por ustedes según el Autor asignado.

Definir y presentar los referentes directos e indirectos formales y conceptuales de la serie

Definir y presentar los elementos inspiración que componen la serie

Realizar un texto sobre el concepto y /o discurso del Autor asignado teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la serie investigada. (máximo 500 palabras)

Autores

David La Chapelle http://www.davidlachapelle.com

Janaina Tshape http://www.janainatschape.net

Mothmeister https://instagram.com/mothmeister/

Nick Knight http://nickknight.com

Yasumasa Morimura http://www.artnet.com/artists/yasumasa-morimura/artworks

Sandy Skoglund http://www.sandyskoglund.com

Eugenio Recuenco http://www.eugeniorecuenco.com

Chris Jordan http://www.chrisjordan.com/gallery/rtn2/#bees

Tod Baxter http://www.baxterphoto.com

Daniela Edburg http://www.danielaedburg.com

Nicholas Kahn & Richard Selesnick http://www.kahnselesnick.com

Planeación:

Realizar bocetos desde dibujos, fotografía, collage etc. que den cuenta de organizar y comunicar el proceso creativo y los elementos a ser usados para la reconstrucción del imaginario del autor a través de una nueva imagen que haga parte de la serie investigada.

Presentación:

Realizar una imagen fotográfica que se entienda como parte de la serie investigada y un texto que de cuenta del concepto elaborado en la imagen, siempre teniendo en cuenta lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la imagen realizada. (Máximo 500 palabras) (identificada con el nombre de los estudiantes)

Impresa:

  • Imprimir una imagen realizada por ustedes en formato A3 (297 x 420 mm) en papel fotográfico, identificada con el nombre de los integrantes del grupo en la parte de atrás (sin retablar).
  • Imprimir en una formato carta 4 imágenes representativas de la serie, identificada con el nombre de los integrantes del grupo en la parte de atrás (sin retablar).
  • Imprimir en formato carta el texto de concepto (máximo 500 palabras). En el hoja del texto debe ir: nombre de los estudiantes del grupo, titulo de la imagen creada por ustedes, nombre del autor original de la serie, titulo de la serie original y año.

 Dropbox

Dropbox: estudio5direccioncreativa@gmail.com //

Cargar en una carpeta identificada con el nombre de los estudiantes:

  • La Imagen realizada por ustedes en formato JPG (72 dpi 15 x 10 cm aprox./no más de 500KB)
  • Una imagen representativa de la serie original en formato JPG (72 dpi 15 x 10 cm aprox./no más de 500KB)
  • documento Word (máximo 500 palabras) con el texto de concepto. En el hoja del texto debe ir: nombre de los estudiantes del grupo, titulo de la imagen creada por ustedes, nombre del autor original de la serie, titulo de la serie original y año.

PROYECTOS: IMAGEN Y CONCEPTO:

Estefania Valles, Catalina Del Castillo, Natalia Alvarez

Gun Nation / Earth Laughs in Flowers (2008-2011) / David LaChapelle

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David LaChapelle

Gun Nation Lachapelle

Estefania Valles, Catalina Del Castillo, Natalia Alvarez

David LaChapelle es un fotógrafo y director norteamericano que se ha caracterizado por un estilo único, colmado de una mirada hiperrealista, cómica y crítica de la sociedad actual. Su trabajo se basa en la representación artística de temas que abundan en nuestra cotidianidad, tales como la desnaturalización del ser y la supremacía de lo intrascendente, conducido por una estética cautivadora pero a la vez escasa de un valor humano. Durante este trayecto se ha diferenciado por el manejo de la excentricidad del color y las formas, influenciado en gran parte por los artistas norteamericanos Andy Warhol, desde el pop art, y Jeff Koons, desde el estilo kitsch, introduciendo íconos populares o culturales en su trabajo, mostrando así un interés por la minucidad de los detalles con el fin de obtener un gran atractivo popular. De esta forma, LaChapelle ha generado un lenguaje visual propio que ataca amablemente la consciencia y explota distintos ámbitos de la condición humana.

“Earth laughs in flowers, to see her boastful boys, Earth-proud, proud of the earth which is not theirs; who steer the plough, but cannot steer their feet clear of the grave.” (EMERSON, 1904) Con base en este fragmento del poema Hamatreya del poeta norteamericano Ralph Waldo Emerson, nace la serie Earth Laughs in Flowers (2008-2011) compuesta por 10 fotografías que representan la ambivalencia entre la naturaleza de la vida, tan efímera y sólida a la vez, y la muerte, tan distante pero inherente del ser. La composición de cada imagen está basada en los bodegones de naturaleza muerta llamados vanitas del barroco holandés. Sin embargo, el artista le agrega un toque de sensualidad contemporánea a través de elementos como alimentos pre envasados y juguetes de plástico que juegan un papel determinante en cada obra. De esta forma, LaChapelle ambienta una crítica puntual a aquella mirada intrínseca en la cultura posmoderna americana, la cual se ha dirigido a un innecesario y excesivo consumo, colmado de vanidad y placeres mundanos que han permeado a toda la sociedad.

Influenciada por el aire de cuestionamiento hacia las incoherencias de la sociedad Americana, “Gun Nation” es una obra que parte del ideal cultural que gira en torno al uso de armas en Estados Unidos. Se presenta así el absurdo que existe entre la aceptación de éstas dentro de una sociedad que está en la constante búsqueda de la protección de los individuos que la conforman, versus la prohibición de elementos como lo son el huevo Kinder o acciones tan básicas como comerse un helado dentro de un establecimiento, con el alegato de que son este tipo de factores lo que atentan contra el bienestar de la sociedad misma. Estas contradicciones en la naturaleza ingenua del hombre norteamericano han superado la esencia del ser, influenciando la inocencia de los niños, los cuales están emprendiendo un nuevo camino en un mundo terrenal y mundano, regido por un ideal de violencia que se maquilla como un simple juego. Es así como a través de una hipérbole del arquetipo infantil femenino se refleja la dicotomía entre la vida y la muerte, la prohibición y la aceptación, donde hasta el mismo Santa Claus es quién trae una escopeta .410 para navidad.[1]

[1] “I got a .410 shotgun from Santa Claus last year.” – Sarah Read, 10, at her Father’s Gun Store. Serie fotográfica de Zed Nelson.

Referentes:

1) LaChapelle, David.. (2008-2011). Earth Laughs In Flowers. [Serie Fotográfica]

2) Emerson, Ralph W. (1904). Hamatreya. Archivo en línea. Recuperado de internet desde: http://www.poetryfoundation.org/poem/184627 [13-08.2015]

 

Isabel Pulido, Daniela Espitia, María José Guzmán, María Alejandra Navarrete

Mothmeister Wounderland: surreal world of imagination nightmares and taxidermy

 Mothmeister foto original

Mothmeister

Imprimir entrega

Isabel Pulido, Daniela Espitia, María José Guzmán, María Alejandra Navarrete

Realidad sin parámetros

Mothmeister nace de la unión de una pareja belga que crea un universo surrealista como crítica a la sociedad basada en el egocentrismo, donde las personas se engrandecen por medio de las realidades ficticias que arman, para cumplir con los estándares de belleza impuestos. Del universo “Wounderland” hacen parte diferentes personajes salidos de la imaginación, que muestran la posibilidad de encontrar armonía en características que distorsionan dichos parámetros para crear una nueva realidad. La composición de cada obra muestra la dualidad entre la vida y la muerte, donde un ser lleno de vida se acompaña de un animal en estado taxidérmico en un presente que pretende congelar la vida junto a la muerte para hacer del instante algo eterno.

El anonimato es el protagonista detrás de la máscara que se apropia de escenarios naturales captados, que son expuestos a las redes sociales mediante las cuales la sociedad busca exhibir los aspectos mayormente aceptados. Dicha masificación de imágenes en redes es la contraposición entre lo que debería ser, pero Mothmeister moldea para darle un nuevo significado que tiene un mensaje de trasfondo lleno de valor.

La existencia de una sociedad superficial que no trasciende a la esencia de la representación de cada ser, se guía dentro de los parámetros considerados como belleza para hacer juicios de valor sobre lo que es aceptado. La caracterización de personajes irreales que rompen los esquemas por medio de su presencia incómoda y extraña, que anónimamente y por medio de una máscara se encuentran en una zona de confort, para crear un nuevo mundo de excentricidad cuyo propósito no se acerca al ideal de belleza establecido, sino que por el contrario le da valor a la imperfección de una realidad paralela donde no se busca crear escenarios de felicidad.

La composición, de la que hace parte un personaje burlesco que transmite la sensación de tranquilidad y conformidad, frente a lo que es y no pretende cambiar, demuestra la existencia de una plena seguridad que conforma una imagen que rompe los ideales de belleza estandarizados. No existe la necesidad de aparentar y construir una escena socialmente aceptada para ser parte de un mundo que exige seguir ciertos parámetros para pertenecer. El animal, que no distingue ni juzga las condiciones de su contexto, hace parte de la crítica de la expectativa del tipo de dueño que lo posea. Sin embargo, el ser que es ajeno a su naturaleza, se muestra con el animal como un complemento que va más allá de prototipos comunes y muestra la cara diferente a la realidad conocida.

Mothmeister (2014) Wounderland: surreal world of imagination nightmares and taxidermy

Encontrado en: http://www.boredpanda.com/wounderland-fairy-tales-weird-surrealistic-photography-mothmeister/

 

Isabella Williams, Daniela Amaya, Maria Alejandra Astralaga, Maria Paula Mera

Nick Knight

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Nick Knight

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Isabella Williams, Daniela Amaya, Maria Alejandra Astralaga, Maria Paula Mera

Destello de Tiempo

Nick Knight es un fotógrafo Británico que por medio de su obra, desafía estereotipos y revoluciona los conceptos de belleza y moda. En cada una de sus fotografías, muestra una postura y hace evidente la belleza anti-estética. Knight aprovecha los efectos de luz y movimiento para mostrar su propia realidad paralela; donde el concepto de tiempo adquiere un nuevo significado. Intenta reflejar poses naturales y espontaneas, donde se resalta la naturalidad del cuerpo y su sensibilidad, alejándose de la superficialidad y banalidad actual del medio, para crear lo que el percibe como belleza. No es un concepto estático con una solución, en cada una de sus series buscar resaltar diferentes aspectos de la mujer.

En la serie Hauteur Space publicada en Enero de 2012, Knight presenta una serie de fotografías de moda en blanco y negro con las cuales buscaba seducirrnos con el eterno lenguaje de la elegancia y de la alta costura. Su estética futurística a primera vista debido a los efectos y el uso de brillos y sombras, contrasta con el vestuario antiguo el cual nos transporta a diferentes épocas. Sin embargo una foto es estática, es un fragmento congelado que Knight logra modificar y hacernos sentir como si cada una de sus fotografías fuese un viaje en el tiempo.

El ser humano siempre ha sentido la necesidad de ubicarse en el tiempo, pues esto lo ayuda a definirse como persona. Knight busca confundirnos, ya que la foto no esta en un solo tiempo sino en la transición de uno a otro. El tiempo pasa, pero sin darnos cuenta y en el momento menos esperado, vuelve a nosotros. Todo tiempo pasado influye nuestro presente y nuestro futuro y muchas veces estos se entrelazan entre si. Unir dos tiempos en una foto parece imposible pero Knight lo logra con un excelente manejo de luz y movimiento. Se plasma una incandescencia efímera inmortalizada en una imagen.

Es una invitación a viajar en el tiempo, a través de una serie de fotografías que logran mostrar la rapidez con la que va y viene la luz, lo efímera que esta es y lo extraordinario que es capturar aquel momento. Con el movimiento y la distorsión del cuerpo, captura este salto de tiempo muy orgánicamente, resaltando el cuerpo femenino como ente de transición. La elegancia y la moda se convierten en características que a pesar de cambiar con los años, logran trascender y perdurar.

La rapidez de la luz y como esta logra trascender y viajar en el tiempo, igual que la moda, donde todo viene y va, crean este destello de tiempo. La incandescencia efímera es la magia de lograr que en una sola imagen se capturen dos momentos, se vea la transición del pasado al futuro y como estos dos se unen, mostrándonos la eternidad en una sola foto. Gracias a esta incandescencia, en un abrir y cerrar de ojos, logramos transpórtanos a un espacio atemporal donde la moda toma un papel crucial.

 

Laura Avila/ Andrea Galindo/ Natalia González/ Juan Camilo Suarez

Janaina Tschäpe

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Janaina Tschäpe

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Laura Avila/ Andrea Galindo/ Natalia González/ Juan Camilo Suarez

Janaina Tschäpe, artista germano-brasileña toma como musa el cuerpo femenino para explorarlo junto con el paisaje. Ella navega a través de los universos subtropicales, transformando y renovando las formas para fusionar personajes fantásticos con la exótica vida botánica. En su obra no retrata un mundo irreal pero intenta plasmar la sensación de estar en uno. Un entorno botánico “intrigante” en el que se yuxtaponen formas transformadas con la vida vegetal, destacando las extensiones curiosas y artificiales del cuerpo femenino, las cuales evocan criaturas imaginarias. Los seres fabricados y la vegetación logran realzar los ambientes existentes llevándolos al reino de los sueños y de la fantasía. Tschäpe articula una narrativa comprendida por la melancolía, proponiendo un escenario inusual, que transmite “saudade”, un sentimiento próximo a la melancolía, estimulado por la distancia temporal o espacial a algo amado y que implica el deseo de resolver esa distancia” creando tensión entre lo natural y lo artificial.

En este mundo mágico de Janaina Tschäpe, Melantropics, criaturas fantásticas habitan la naturaleza exuberante del paisaje de los sueños. Las féminas sufren una metamorfosis, convirtiendo sus cuerpos en organismos surreales que se hibridan con la botánica del subconsciente, creando seres infrahumanos en un espacio donde se fusiona lo real con lo onírico. A pesar de la mimesis existente en esta atmósfera imaginaria, la melancolía impregna todo en este nuevo mundo, esta “saudade” es generada por cierto distanciamiento que existe entre la esencia de las criaturas y de la naturaleza. De esta manera, se produce una sensación agridulce al permanecer atado al recuerdo que hizo parte de una naturaleza. Una de las cualidades más importantes del espacio y personajes subconscientes es la aparente falta de delimitación entre todos los elementos de este mundo. Es a partir de la unión de dos mundos opuestos que se crea un nuevo paisaje: el de los sueños.

Nuestra fotografía, Chrysallis, está compuesta por un ecosistema intervenido donde la inmersión permanente de los seres ha creado una simbiosis profunda entre ellos y los objetos botánicos del entorno. Este ser del bosque se encuentra en la fase intermedia de su desarrollo para convertirse en un criatura misteriosa que será parte de la naturaleza. Así, el nuevo universo biológico nos hace cuestionar la delimitación entre lo real y lo ficticio produciendo un ambiente enigmático.

Bibliografía:

Green, A. (2015). Melantropics | Andrea Green. [online] Janainatschape.net. Available at: http://www.janainatschape.net/jt-to06/green.html [Accessed 10 Aug. 2015].

Janainatschape.net, (2015). About. [online] Available at: http://www.janainatschape.net/about.html [Accessed 10 Aug. 2015].

Real Academia Española, (2015). Melancolía. [online] Available at: http://lema.rae.es/drae/srv/search?key=melancol%C3%ADa [Accessed 10 Aug. 2015].

 

María Conchita Rozo – Camila Parra – María Paula Barrera

Todd Baxter: Project Astoria

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Todd Baxter: Project Astoria

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María Conchita Rozo – Camila Parra – María Paula Barrera

Todd Baxter es un fotógrafo, diseñador, escultor y pintor de origen estadounidense que crea historias a partir de la imaginación con elementos realistas. En sus proyectos, suele utilizar elementos futuristas, de naturaleza y animales creando fotografías con aires retro futuristas que a su vez tienen una historia de trasfondo.  Estas historias hacen alusión a una realidad que en verdad no existe y son contadas de manera estática, logrando reunir una serie de elementos que convergen en una misma idea gracias al detalle que el autor pone en ellas. Por otro lado, tiene un gusto marcado por el cine de ciencia ficción de los años 70’s -como star wars y star trek- ya que le recuerdan a su niñez y debido a esto,  sus obras están influenciadas por diferentes elementos estéticos -vestuarios, colores y texturas- de dichas películas. Con motivo de esto, su trabajo muchas veces es comparado con el estilo del director Wes Anderson.

La serie escogida se titula Project Astoria (2013) Esta, es una compilación de muchos años de fotografías tomadas en diversos viajes y en estudio y, está conformada por 12 fotografías que mezclan elementos entre los que se destacan los paisajes naturales y fríos, las ruinas, la niebla, los animales y varios elementos de la vida cotidiana.

La serie está basada en una historia que se encuentra en proceso de desarrollo escrita por su esposa, por lo tanto está inconclusa y sin final concreto. Por otro lado, toma como influencia narrativa a la fotógrafa Cindy Sherman y a su serie “The Untitled Films Stills”, en la cual la interpretación de los elementos en el hilo narrativo de la historia narrada en las fotografías son de libre interpretación por parte del espectador. Basándose en esto y a la breve explicación que el autor da, en la serie de imágenes se presenta una sociedad retro-futurista distópica, que está siendo colonizada para ser convertida en una sociedad utópica.

En “Project Astoria 2.0”, se propuso una historia más concreta pero no lineal en la cual se exploró una narrativa inclinada hacia la ciencia ficción, con el fin de encajar en la estética e idea de libre interpretación del espectador, ya propuestas por el autor.

Astoria es una sociedad que alguna vez nació bajo la idea de sociedad ideal, sociedad utópica, pero ahora se encuentra en decadencia desde los espacios físicos hasta su propia esencia, terminando convertida en una distopía. Debido a esto, unos personajes idealizados, casi robóticos -en forma de adolescentes-, son enviados para rescatarla, colonizarla y transformarla. Estos adolescentes casi perfectos, son la representación de lo utópico, del renacer, la salvación  y de la esperanza. El encuentro entre estas dos sociedades, se da cuando la nueva adolescente  aparece en este mundo en declive y se encuentra con el caos -representado en los pequeños detalles-, que se está viviendo en Astoria.

[1] On the job wiith Todd Baxter. 2014. Consultado el 30 de mayo de 2015 en http://www.americanphotomag.com/job-todd-baxter.

2 Project Astoria. Consultado el 29 de mayo de 2015 en http://www.baxterphoto.com/index.php#mi=2&pt=1&pi=10000&s=6&p=1&a=0&at=0.

3Project Astoria: Dystopian Photos by Todd Baxter. 2015. Consultado el 30 de mayo de 2015 en http://theinspirationgrid.com/project-astoria-dystopian-photos-by-todd-baxter/.

4 Todd Baxter: Project Astoria. 2014. Colsultado el 30 de mayo de 2015 en http://bleek-magazine.com/stories/todd-baxter/.

5 The Complete Unittled Films, Cindy Sherman. 1997.  Consultado el 7 de Agosto de 2015 en  http://www.moma.org/interactives/exhibitions/1997/sherman/.

6 Cindy Sherman. Consultado el 7 de Agosto de 2015 en https://en.wikipedia.org/wiki/Cindy_Sherman.

 

Michelle Ospina, Esteban Jaime, Catalina Guiot

Yasumasa Morimura – Actresses

 Black Marilyn 

 Yasumasa Morimura

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Michelle Ospina, Esteban Jaime, Catalina Guiot

 Fotografías que la retina podría confundir con pinturas, nuevos originales de las imágenes más emblemáticas de la historia del Siglo XX, reencarnaciones de personajes grabados en la memoria colectiva en forma de autorretratos de un hombre de rasgos asiáticos. El trabajo del artista japonés Yasumasa Morimura confunde y reta al espectador a romper sus paradigmas sobre el género, la tradición, los íconos y la posible visión oriental de la cultura de occidente. El montaje plástico, el disfraz y el retoque digital son algunas de las herramientas que identifican su fórmula. Sin embargo, la esencia de su obra es la ambigüedad y dualidad reflejada a través de su propio cuerpo.

Tres ejes conceptuales se entrecruzan para dar forma a cada una de las piezas que componen la colección de poco más de tres décadas de trabajo. La historia del arte, la mujer y la cultura visual occidental son los pilares de sus reapropiaciones y reflexiones. Más allá, Morimura es “conceptos en disputa”: oriente-occidente, masculino-femenino, pasado-presente, original-copia. Una idea central en los diálogos con las obras del autor es su conflicto con la superioridad del arte occidental y sus íconos, frente a la tradición artística propiamente japonesa. Partiendo de ese descontento, desde su propio ser, contexto y memoria, crea imágenes significativas que más que generar controversia o hacer una crítica, pretenden poner en juego los preconceptos que pueda tener el espectador sobre sus temas principales.

Puntualmente, en el dilema de género presente en todos sus autorretratos donde personifica mujeres, es necesario entender su posición desde su propia cultura: en la tradición teatral japonesa, en el Kabuki todos los roles femeninos son interpretados por los onnagata, actores masculinos. En la serie “Actresses”, Morimura juega el rol del onnagata representando personalidades femeninas de la mass-media americana de diferentes décadas del siglo XX como Liza Minelli, Marilyn Monroe y Audrey Hepburn. Como base compositiva usa piezas fotográficas pero también imágenes del cine, por ser el medio trascendental de la época que se proyecta Lo más característico es cómo al tomar la esencia del personaje se reduce su contexto icónico a un espacio u objeto y la foto es creada en torno a la presencia de la mujer.

Britney Spears no se encuentra incluida en la serie pero sin duda es una de las mujeres de final de siglo que mejor encaja en ella. Fue el ícono pop juvenil más importante de los noventa y principios del Siglo XXI. El video musical de su canción “…Baby one more time” fue la pieza que la lanzó a la fama, convertida en la encarnación de la dualidad entre la inocencia escolar y el símbolo sexual femenino. Entonces, su fama como celebridad femenina de belleza universal no es lo único que la pone a nivel con las grandes actrices reinterpretadas en “Actresses”: es la esencia del papel que jugó en la cultura occidental, los atributos y estereotipos sobre la femineidad que se vieron reflejados en ella como figura pública. Así como Jodie Foster en Taxi Driver, uno de los referentes de la serie, Britney fue la niña cuya ternura fue su mayor atractivo y fue convertida en mujer por su sensualidad.

  1. Yoon, J. (2001). SEEING HIS OWN ABSENCE: Culture and Gender in Yasumasa Morimura’s Photographic Self-Portraits. Journal of Visual Art Practice., 1(3), P. 164, 8p. Consultado en Julio-Agosto, 2015, de Biblioteca Universidad de Los Andes.
  2. Bryson, N. (1995). Appropriated imagery of Yasumasa Morimura. Art & Text, (52), 74-79. Consultado en Julio-Agosto, 2015, de Biblioteca Universidad de Los Andes.
  3. Lagunes Castillo., A. (n.d.). Reflexiones desde el género en la mirada crítica de Yasumasa Morimura a la cultura occidental: Las series Psychoborg y Actress. Consultado en Agosto 1, 2015.

EJERCÍCIO 2: REVERSA DE VIDEO Y APLICACIÓN

El ejercicio 2 de Estudio 5: Dirección Creativa, tiene como objetivo que los estudiantes a partir de la deconstrucción conceptual y formal de un video (Video Clip, Corto, Fashion Film, Video Experimental, etc.) de un autor específico entiendan los elementos comunicacionales de una imagen en movimiento, sonido y narrativa que componen el concepto relacionado a las intenciones/decisiones formales y técnicas de los autores involucrados.

A partir de un análisis desde los referenciales involucrados en el video formalizados mediante un documento que de cuenta de los aspectos históricos, contextuales, conceptuales y formales que componen un universo estético en particular, los estudiantes deben realizar un montaje de 6m2 que de cuenta de los conceptos aprendidos materializados espacialmente a partir de una aplicación que se les proporciona al contenido analizado. Posterior al montaje deben realizar un segundo documento que de cuenta de los referentes relacionados al concepto y a los procesos de materialización aplicados a la dirección creativa del proyecto.

Video: BOMBA ESTÉREO – FIESTA

Aplicación: Techno Trópico

 

Video: BJORK – ALL IS FULL OF LOVE

Aplicación: Amor protésico

 

Video: DIE ANTWOORD – I FINK U FREEK

Aplicación: Banquete Upcycling

 

Video: ST.VINCENT – DIGITAL WITNESS

Aplicación: Limbo Virtual

 

Video: BEASTIE BOYS – INTERGALACTIC

Aplicación: Liga de la Injusticia

 

Video: FRANZ FERDINAND – TAKE ME OUT

Aplicación: Biblioteca Dadaísta

 

Reversa de video – Documento 1

El documento de reversa/ análisis del video debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso. Sin embargo, desde la portada, la gráfica y la composición visual, debe tener claramente los elementos estéticos del material analizado y un lenguaje de diseño coherente.

El documento deberá ir organizado de la siguiente manera:

Índice con número de páginas.

Introducción. Esta introduce qué video/autor/director(es) investigó y las preguntas claves que se planteó para analizarlo. Qué herramientas metodológicas utilizó, esperando encontrar qué. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. A partir de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos (narrativa, espacio, temáticas, vestuario, utilería, iluminación, música) seleccionen y articulen unos mapas visuales y conceptuales que, según usted articulan los elementos clave del video. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético. (Recuerden citar la bibliografía consultada en pié de página, según cada caso, citen también las imágenes al pié de cada imagen)

Referentes. Desde lo conceptual, formal hasta lo técnico en todas sus combinaciones. (No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen. Cómo afectan la intención del video estudiado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos. (Recuerden citar cada imagen.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el video y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por el autor. Soporten todo lo que menciona en palabras con imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del video que contribuyen con la narrativa/ poética del autor.

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el material estudiado, identifiquen intenciones del autor que, en principio, no parecían evidentes y dejen en claro lo que aprendieron con la investigación.

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página a la Bibliografía ó referencias web en general)

Aplicación y montaje – Documento 2

El documento sobre la aplicación y el montaje a partir del video debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso. Sin embargo, desde la portada, la gráfica y la composición visual, debe tener claramente los elementos estéticos del material analizado y un lenguaje de diseño coherente.

Recuerden citar la bibliografía consultada en pié de página, según cada caso, citen también las imágenes al pié de cada imagen

El documento deberá ir organizado de la siguiente manera:

Índice con número de páginas.

Introducción. Esta introduce qué video/autor/director(es) investigó relacionándolos el análisis a la aplicación y la elaboración de su concepto para el montaje. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. A partir de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos (narrativa, espacio, temáticas, vestuario, utilería, iluminación, música) desarrollen sobre el concepto elaborado por ustedes según la aplicación. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético.

Referentes. A partir de la aplicación citar los referentes más importantes analizados así como los nuevos referentes que sean pertinentes y su relación con el concepto elaborado para el montaje. Los referentes debe tener en cuenta los aspectos conceptuales (sobre la idea), formales (cómo y con qué elementos se comunican esta ideas) y técnicos (de que forma se resuelve esta comunicación de ideas) en todas sus combinaciones. No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen y como afectan la intención del concepto elaborado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el montaje y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por ustedes. Soporten y justifiquen todo lo que mencionan desde imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un nuevo moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del video que contribuyen con la narrativa/ poética del concepto del montaje.

Procesos. Muestren paso a paso a través de la documentación de su proceso (fotos de los materiales, maquetas, pototipos, bocetos etc.) como elaboraron el montaje y la relación de cada uno de los elementos que lo componen explicando los recursos usados que responden al análisis realizado y con que elementos. Dejando en evidencia cómo responden técnicamente la elaboración de los elementos formales que son coherentes con el concepto elaborado.

Photoshoot y video. Muestren las imágenes de su entrega final de la mejor manera posible, con cuantas imágenes sean necesarias, de preferencia grandes y desde muchos ángulos, distancias y detalles de su proyecto. Poner en el documento un link del video realizado ya cargado a Youtube o Vimeo (con todos los créditos necesarios, sobretodo si ponen música de algún autor)

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el proceso elaboración del montaje y su relación con el video analizado. Identifiquen los aciertos y errores, que cambiarían con el fin de mejorar la experiencia y coherencia de su montaje según su concepto ( lo que quieren comunicar)

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página a la Bibliografía ó referencias web en general)

PROYECTOS: REVERSA DE VIDEO

 Maria Catalina Guiot / Andres Esteban Jaime /Katherine Gaviria / Angie Henriquez / Maria Angelica Caviedes

BOMBA ESTÉREO – FIESTA

Techno Trópico

Lo techno y lo tropical, dos universos con diversas y distintas características. El techno denota el sentido de libertad y rebeldía de la juventud, caracterizado por sonidos sintéticos y electrónicos, manifestaciones audiovisuales de luces intensas, colores vivos y escenarios vibrantes el cual impregna el escenario global y se puede entender como un ritmo mundial. El trópico se entiende como el universo étnico, nativo y natural. Es la conexión con lo terrenal y orgánico que exalta la belleza desde la formas y sonidos provenientes de las regiones sudamericanas y en especial de Colombia.

Es asi que el Techno Trópico se entiende como dos universos con características particulares, que comparten un punto de unión o fusión. Estos dos mundos, sin embargo, poseen una similitud, que alude a el hecho de tomar partes de lo otro para recrearse en sí. Toman lo ajeno, lo traducen y sintetizan para redefinirse desde esto. Recalcando que ningún universo afecta al otro, ninguno es mejor que el otro, solamente existe un beneficio mutuo en donde ambos se moldean y reconstruyen recíprocamente.

Comprendiendo este fenómeno se crea la metáfora y el concepto de Simbiosis cultural. Simbiosis se interpreta como la estrecha relación que genera beneficio para estos dos universos, en donde el beneficio no se da en una sola dirección sino en múltiples direcciones. Por otro lado, lo cultural parte de la definición antropológica de una forma particular de vida o de un grupo humano, enfatizando en los valores, cosmología, creencias, costumbres, normas, objetos y comportamiento.

Es por esto que la simbiosis cultural es decir esta relación de doble beneficio, es el resultante de la interacción entre estos dos mundos, es la apropiación y traducción cultural, visual, sonora e ideológica de ambos universos, de los cuales surgen mezclas únicas que componen de a pedazos la realidad mundial.

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 Manual de análisis

http://issuu.com/katherinegaviria/docs/manual_bomba_esterreo

Manual de aplicación

http://issuu.com/katherinegaviria/docs/manual_final_

Link Pinterest

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Link Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=K4ztHzOJV-o

 

Estefanía Valles / Catalina del Castillo / Natalia Álvarez / Camila Parra

BJORK – ALL IS FULL OF LOVE

Amor protésico

La codificación del amor

El hombre, inmerso en la inmediatez del presente y en la rapidez de la vida misma, ha empezado a buscar la optimización de su naturaleza, trascendiendo los límites humanos instaurados en sus capacidades cotidianas. Bajo este contexto, y gracias al desarrollo tecnológico que lo acompaña, a través de la robótica se ha generado aquel puente de mecanización de la vivencia del ser. Como resultado, la máquina se ha convertido en un ente humanizado que vive a través de la recreación del sentimiento del amor. El amor como fuerza de cohesión y coexistencia del ser en el mundo, construye el puente de conexión entre un cuerpo robótico y un “alma” cibernética.

En este punto radica la importancia de las prótesis tecnológicas. En primera medida, se debe entender el término prótesis bajo la idea de canal o plataforma. Plataforma mediante la cual es posible replicar el significado emocional de los sentimientos y vivirlos a través de la tecnología. A pesar de que el universo cibernético es una red externa a la naturaleza del humano, esta se fusiona con el sentir del hombre en el momento en que le permite experimentar sensaciones a través de la codificación de las mismas, sin necesidad de vivirlas físicamente. De esta forma, la codificación del amor radica en la exploración del mismo a través del entramado de códigos tecnológicos que desglosan la sensación de enamoramiento, recreando un tipo de muleta afectiva. Así, se crea un soporte para el amor, y a pesar de la imposibilidad de un robot para sentir literalmente, es posible experimentar el enamoramiento desde la conceptualización y la decodificación de lo que sería amar a través de la red digital.

La red se convierte en aquella prótesis emocional, que potencia una relación simbiótica con la máquina, y le permite al robot conocer el amor a través de un lenguaje de códigos, entrando en una especie de universo vívido de la experiencia humana.

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Documentos

Análisis

Aplicación

Pinterest

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Isabel Pizano/ Isabella Williams/ Maria Paula Mera/Maria Alejandra Astralaga/Daniela Amaya

DIE ANTWOORD – I FINK U FREEKY

Banquete Upcycling

Escoria Apetitosa

Los cinco sentidos del ser humano (vista, audición, tacto, olfato y sabor) son más allá de simples características fisiológicas,  un mecanismo de relación e interacción con el entorno que nos rodea. Dicho conjunto cognitivo funciona como receptor de diferentes sensaciones, experiencias e impresiones, que alteran y definen la manera en la que el hombre se comprende, desarrolla y desenvuelve dentro de un espacio o contexto específico. Ahora, cada sentido asume una función distinta para lograr esta conexión entre hombre-entorno; pero ¿Qué ocurre entonces, cuando los sentidos colisionan y se oponen o contradicen entre sí? Más específicamente, ¿Qué ocurre cuando algo repugnante se yuxtapone con algo deseable?

El concepto de escoria apetitosa enreda en una misma unidad dos sensaciones totalmente opuestas en una sola dimensión. La escoria, el desecho, el escombro, lo abyecto, lo desagradable y repulsivo se combina y confunde con lo deseable, lo apetitoso, el deleite y lo placentero. Esta composición engaña y desafía los sentidos del hombre, contraponiendo conceptual y estéticamente elementos repugnantes con características suculentas. Dentro de ella nace una experiencia inigualable en la que estas dos naturalezas contradictorias se fusionan; generando una sensación de repugnancia e incomodidad, yuxtapuesta con deseo, lujuria y una pulsión intensa.

Ahora, ¿cómo generar dicho universo? Pues bien, al tener en cuenta la aplicación de “Banquete Upcycling”, se abre un camino directo a éste; en donde la característica principal de la comida y el manjar, se verá influenciada por aquello que identifica y define el proceso de upcycling.

La lujuria, la gula, la codicia y la voracidad son indudablemente los protagonistas de un típico escenario de banquete. Curiosamente, este espacio en el que se evidencian todos los pecados capitales, es a la vez lugar de celebración, disfrute y reunión fraternal. A partir de la contradicción de estos elementos conceptuales se hace evidente una sensación oscura y macabra, la que se plasma en el pensamiento de manera natural.

Parecido al reciclaje, upcycling es aquel proceso que se encarga de elevar, mejorar y optimizar la función y/o valor de un objeto. Es una creación creativa en donde el hombre intenta dar un nuevo uso, generar un nuevo atractivo o simplemente reutilizar un objeto que carece de utilidad. Esta técnica es bastante común en el mundo de las artes plásticas, en tecnologías medioambientales y en diferentes industrias de manufactura.

Siendo elogio abyecto el concepto que se formuló a partir del video “I Fink U Freeky”, se logró identificar un punto de entrelazamiento entre éste y la aplicación anteriormente definida. En un banquete donde la característica upcycling está presente y evidente en la estética de cada elemento formal, naturalmente empieza a brotar este elogio y admiración por lo abyecto, lo marginado, lo asqueroso etc. En el momento en el que una persona toma un objeto abyecto y lo convierte en alimento, se genera esta elevación de valor y/o función que comprende el proceso de upcycling, e inevitablemente nace una admiración y un enaltecimiento para dicho objeto. Lo curioso llega justo aquí, en aquel instante en el que éste manjar, en el que ésta comida, proviene de la escoria misma, de los escombros del mundo de Die Antwoord.  Sin embargo, al igual que la comida, el contexto y el entorno que envuelve cada elemento adquiere indudable protagonismo; es pertinente plantear una coherencia estética y conceptual entre el alimento y aquello que lo rodea. Las canecas metálicas, Las paredes sucias y los retazos de maderas y metales, hacen alusión a un escenario callejero, oscuro y misterioso, en donde el concepto de upcycling se ve integrado.

Nuestra propuesta yace en esta conmoción sensorial, en la que se altera y determina la interacción del observador con el ambiente propuesto; donde sus sentidos lógicos y racionales se verán retados en un cien por ciento. Resulta impactante encontrar dentro de un mismo entorno las sensaciones de repugnancia y deseo como una sola unidad, pero es esto mismo lo que escoria apetitosa representa y transmite. La conversión o transformación de un animal muerto o una fruta podrida, en un plato exquisito que genere en el hombre deseo, apetito y deleite, es aquel factor que comunica el concepto en su totalidad. Lo sucio, lo abyecto, lo desechable, se convierte en un manjar de lujuria, de exceso y despilfarro; el cual invita al observador a sumergirse en este universo. La comida que se presenta, seduce al espectador y lo induce en un estado de curiosidad, en donde el instinto natural lo impulsa a querer ver más, saber más, entender lo que se esconde tras cada elemento.

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Documentos:

Análisis

Aplicación

Video:

 

Isabel Pulido/ Daniela Espitia/ María Jose Guzmán/ María Alejandra Navarrete

ST.VINCENT – DIGITAL WITNESS

Limbo Virtual

 Limbo virtual es una experiencia subjetiva y transitoria, donde la conciencia reprimida se expresa y se generan vínculos artificiales. Se presenta una realidad aumentada que confunde los sentidos y posibilita una realidad efímera, donde reina la perfección de lo infinito. Existe una autonomía que se ejerce durante un momento controlado, donde hay un aparente libre actuar pero el resultado de los actos siempre es el esperado, ya que es una realidad construida que no distingue entre quién está en ella, sino que ve todo con igualdad.

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Documentos:

Análisis:

Aplicación:

Pinterest:

https://www.pinterest.com/mjguzmans/digital-witness/

Flickr:

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Video:

 

Jennifer Pinto Castellanos /Daniela Baena Vargas /Alejandra Leal Ruge/María Conchita Rozo/María Paula BarreraBEASTIE BOYS – INTERGALACTIC

Liga de la Injusticia

Distorsión Mutualista

La realidad que no es vista objetivamente, se acopla a quien la ve, se difumina dependiendo de quién la mire (y cómo la mire). La base de la dualidad de una sociedad está en la defensa de diferentes ideales, mayorías y minorías se pelean por ser reconocidas, deformando el panorama en el que se desarrolla esta lucha. Unos pelean por sus derechos, otros por oprimirlos; unos quieren hacer ver lo que no es, y otros declarar su realidad. Entender el concepto de distorsión es el punto de partida para comprender lo que realmente es la diversidad de los puntos  de vista y cómo éstos afectan la forma en la que se ven las cosas.

La percepción es el aspecto más dual del ser humano, puesto que este es el que determina bajo qué posición se ubica el observador y la manera en cómo una acción, declaración o movimiento va a ser interpretado. La idea del bien y el mal juega un papel determinante para establecer los parámetros morales que rigen una sociedad, es de esta forma que valores como: Oposición, justicia, libertad, legado, comunidad, son los aceptados y esperados. Por otra parte, el contrapeso necesario son las ideas que se oponen, que surgen en los espacios marginados y reprimidos, los valores de las minorías. Los ideales que terminan siendo iguales pero rescatados e interpretados desde mundos distintos; el espacio de la distorsión.

La idea de recrear un ambiente místico y clandestino, una muestra de los mundos paralelos y de ideales tangibilizados, que permitan un sin fin de interpretaciones y que remiten nuevamente a un juego de realidades alteradas.

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Documentos

Análisis:

Aplicación:

Pinterest:

https://es.pinterest.com/jenniferpinto10/liga-de-la-justicia/

Flickr:

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Youtube:

 

 

Michelle Ospina/Natalia González/Andrea Galindo/Laura Ávila/Juan Suárez

FRANZ FERDINAND – TAKE ME OUT

Biblioteca Dadaísta

Deconstrucción de una Colección de conocimiento universal tradicionalmente en forma de libros materializado, pero abstraída en objetos, aprovechando la expresividad y la simplicidad como novedad (porque la novedad es vida) de estos, que genera un no-espacio atemporal e instantáneo, cambiante a partir del azar de la interacción, e ingrávido -un entorno donde los sujetos, objetos y las formas parecen estar suspendidos- que no la contiene.

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Documentos:

Análisis:

Aplicación:

Pinterest:

https://www.pinterest.com/qotdavenger/franz-ferdinand-take-me-out/

https://www.pinterest.com/qotdavenger/biblioteca-dada%C3%ADsta/

Photoshoot:

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Video:

 

EJERCÍCIO 3: DIRECCIÓN CREATIVA APLICADA A CONTEXTO REAL

El ejercicio 3 de Estudio 5: Dirección Creativa, tiene como objetivo que los estudiantes a partir de la investigación de un contexto real en particular relacionado a productos y/o servicios específicos logren realizar análisis que den cuenta de los usuarios y sus universos tangibles e intangibles relacionados a un dominio específico y sus referentes. La profundidad del análisis les debe proporcionar elementos y datos importantes para la creación de un proyecto de Dirección Creativa que les de elementos cargados de profundidad, sensibilidad y experiencias memorables a los usuarios relacionadas a conceptos bien construidos que den cuenta de los aspectos comunicacionales, semióticos y perceptuales investigados.

Deben presentar un primer documento de análisis de audiencias y del dominio implícito apuntando a un brief del proyecto a ser propuesto. Posteriormente deben materializar la propuesta en un espacio de 6m2 que de cuenta del análisis realizado y de los conceptos creados reflejados experiencial y estéticamente. Posterior al montaje deben realizar un segundo documento que de cuenta de la relación del análisis inicial a los referentes relacionados al concepto y a los procesos de materialización aplicados a la dirección creativa del proyecto

 Análisis de Top Down y Bottom Up

Diseñar profesionalmente nos exige relevancia y sentido de oportunidad. El imperativo de innovar, activar las capacidades humanas y lograr un equilibrio sustentable. Así pues, un problema de diseño no solo debe ser resuelto (problem solving) , sino también definido (problem setting). Los presupuestos sobre una situación han de ser cuestionados y re-visitados de primera mano con una mirada creativa y atenta.

Las empresas y organizaciones no actúan en mercados abstraídos de su contexto social: Operan en un tiempo y territorio definidos, bajo el influjo de la cultura y las dinámicas creadas por actores e intereses diversos. Enfrentar la incertidumbre en un entorno exigente y competido demanda una estrategia sensible al contexto, creatividad que aúne talento y conocimiento, capacidad para crear valor.

En ese orden de ideas, las aplicaciones obedecen a un dominio. Es importante entender un dominio a partir de dos perspectivas que convergen –top down y bottom up- y complementan instrumentos de investigación. Es también una manera de poner en diálogo la dinámica social macro con la cotidianidad de sus actores. El diseño centrado en los seres humanos confía en la sensibilidad e ingenio de las personas. Pone por delante no solo su bienestar, sino el sentido e identidad con el que impregnan sus vidas. Es por ello que los métodos de diseño son ante todo, modos de involucrar creadores y audiencias en torno al proyecto, maneras de revelar a la luz potenciales en forma de ideas.

Para entender un dominio, hay que hacerlo inteligible sin sacrificar la riqueza y complejidad de la observación y la información disponible. Es por ello crucial la capacidad de organizar y sintetizar visualmente los datos de observación e indagación. El estudio debe hacerse con investigación de primera mano tanto como sea posible. Las fuentes secundarias deben ser validadas por el equipo de trabajo. El resultado debe ser una comprensión suficiente y estimulante de un dominio definido.

Top down: Las dinámicas que descienden de instituciones y acciones a nivel macro, e impactan la vida de las personas, frecuentemente de manera unidireccional o muy asimétrica. Así tenemos:

Tendencias: Tecnología / sociedad / entorno. Visión prospectiva de los futuros posibles y deseables. Los aspectos Culturales, estéticos y tecnológicos potencian este entorno. ¿Tienen las marcas de los competidores una estética y un discurso a nivel de branding claro y posicionado? ¿Qué los diferencia de los demás? ¿tienen sus productos/experiencias una estética definida? ¿Con qué referentes?

Mercado: Ofertas y relaciones de competencia en el espacio económico relevante al dominio. Qué ofrecen, para qué lo ofrecen, con qué atributos. ¿Tiene un diferencial estético importante?

Propuesta de valor: Es la forma característica en que la organización ofrece solución a las demandas de su clientela. Ésta forma es distintiva y permite sobresalir en el mercado. ¿Cómo es el panorama de propuestas de valor imperante en el dominio? ¿Cómo presenta esta propuesta? ¿Dónde sucede? ¿Se vincula a alguna tendencia macro? ¿Tiene ciclos? ¿Qué buscan a nivel de percepción? ¿Tiene alguna narrativa o no? ¿Qué referentes estéticos tiene? ¿Qué inspiraciones? ¿Dónde se resaltan más? ¿Dónde, en cambio, están ignorados o minimizados?

Bottom up: Las dinámicas que emergen de la agencia, -capacidad de las personas de actuar y provocar cambios en función de sus propios valores y objetivos, y movilización de las personas, frecuentemente de manera espontánea o por organización gradual. Así, tenemos:

¿Quiénes / dónde? Personas involucradas: roles y perfiles. Ecología social: Relaciones y acciones entre las personas y el entorno, mensajes y artefactos abarcados.

¿Qué? Necesidades y deseos, expectativas y percepciones de las personas, expresados tanto tácita como explícitamente.

¿Cómo? Experiencia existente, estudiada por medio de observación, inmersión y participación.

( David de Los Reyes)

Análisis Top Down/ Bottom – Documento 3

Recordar

El documento debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso.

Realizar una versión web en issuu.com del documento

El índice debe contener los números de las páginas de cada capítulo

La bibliografía consultada debe estar en orden alfabético al final del documento

Citar de forma organizada y correcta todas las fuentes consultadas y las imágenes mostradas.

Describir no es lo mismo que analizar.

 

Análisis Top Down

Deben demonstrar el análisis de forma completa y profunda de la institución en todas sus esferas (El museo como tal, Medio del Arte e instituciones aliadas y el ento

rno físico) con imágenes, explicaciones y sobretodo las conclusiones relacionadas a cada parte del análisis realizado. (recuerden que POINTS les puede servir para reforzar el análisis y las conclusiones relacionadas).

Bottom Up

Deben demonstrar el análisis de forma completa y profunda de la audiencia y sus perfiles en todas sus esferas con imágenes, explicaciones y sobretodo conclusiones relacionadas a cada parte del análisis realizado. (recuerden que POINTS les puede servir para reforzar el análisis y las conclusiones relacionadas).

Reversa estética

Introducir qué artista investigó y las preguntas claves que se planteó para analizarlo. A partir de los referentes, así como las inspiraciones definir el concepto de la obra teniendo en cuenta su lenguaje estético. Analizar a estos referentes, y precisar qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen con la obra y cómo afectan la intención del artista construyendo el lenguaje estético propuesto por el autor. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes relevantes que soporten sus argumentos de forma selectiva e sintética. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del artista que contribuyen con la narrativa/ poética del autor.Brief (s)

Recuerden que a partir de los análisis del dominio institucional y su audiencia directa e indirecta deben dejar en evidencia el análisis basado en los problemas y necesidades, los insigths y las oportunidades encontradas y el tema en el cual se enfocarán. Deben realizar un encargo coherente y basado en las conclusiones del análisis realizado de forma detallada lo suficiente para que lo puedan responder de manera eficiente con una propuesta de diseño desde la dirección creativa.

Propuesta(s)

A partir del encargo del brief(s) deben proponer la resolución del proyecto de la forma más detallada e ilustrada posible desde la dirección creativa creando una experiencia significativa con una propuesta de valor que responda al análisis del dominio de la institución y audiencia. La propuesta debe contener un marco conceptual definido basado en algún aspecto de la reversa del artista invitado. Se debe enriquecer la propuesta con los referentes estéticos (conceptuales, formales y técnicos) bocetos y moodboard que dejen en claro lo que piensan hacer.

Propuesta y Montaje – Documento 4

Recordar

El documento debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso.

Realizar una versión web en issuu.com del documento

El índice debe contener los números de las páginas de cada capítulo

La bibliografía consultada debe estar en orden alfabético al final del documento

Citar de forma organizada y correcta todas las fuentes consultadas y las imágenes mostradas.

Describir no es lo mismo que analizar.

Introducción. Esta introduce qué dominio investigó relacionando el análisis de dominio y audiencia al análisis estético (conceptual y formal) y la ejecución de un concepto claro en el montaje. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. Definan la propuesta final de forma clara y coherente con la investigación realizada de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos. Desarrollen sobre el concepto elaborado por ustedes según el análisis de top down y bottom up versus el universo estético del “Artista invitado”. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético coherente al dominio y audiencia.

Referentes. A partir de la propuesta citar los referentes más importantes analizados así como los nuevos referentes que sean pertinentes y su relación con el concepto elaborado para el montaje. Los referentes deben tener en cuenta los aspectos conceptuales (sobre la idea), formales (cómo y con qué elementos se comunican esta ideas) y técnicos (de que forma se resuelve esta comunicación de ideas) en todas sus combinaciones. No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen y como afectan la intención del concepto elaborado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el montaje y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por ustedes. Soporten y justifiquen todo lo que mencionan desde imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos que hacen parte de la propuesta que contribuyen con la narrativa/ poética del concepto del montaje.

Procesos. Muestren paso a paso a través de la documentación de su proceso (fotos de los materiales, maquetas, pototipos, bocetos etc.) como elaboraron el montaje y la relación de cada uno de los elementos que lo componen explicando los recursos usados que responden al análisis realizado y con que elementos. Dejando en evidencia cómo responden técnicamente la elaboración de los elementos formales que son coherentes con el concepto elaborado.

Photoshoot y video. Muestren las imágenes de su entrega final de la mejor manera posible, con cuantas imágenes sean necesarias, de preferencia grandes y desde muchos ángulos, distancias y detalles de su proyecto. Poner en el documento un link del video realizado ya cargado a Youtube o Vimeo (con todos los créditos necesarios, sobretodo si ponen música de algún autor)

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el proceso de conceptualización, formalización y elaboración técnica del montaje así como su relación con el dominio y la audiencia analizados. Identifiquen los aciertos y errores, que cambiarían con el fin de mejorar la experiencia y coherencia de su montaje según su concepto (lo que quieren comunicar)

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página a la Bibliografía ó referencias web en general, citen todas las imágenes utilizadas así como el sonido que hace parte de su montaje)

PROYECTO FINAL

COS

Catalina Del Castillo, Estefania Valles, Natalia Alvarez, Camila Parra

COS: La arquitectura del textil

El recorrido del hombre dentro de un entorno urbano esta dado por el diseño arquitectónico con que fue pensada la construcción de la ciudad. El concreto como material principal posibilita un constante descubrimiento de texturas, formas lineales y perspectivas nuevas que alimentan la experiencia a través de los detalles intrínsecos, descubiertos por quienes se detienen a observar.

Analógicamente, el cuerpo también es visto como un espacio dinámico en la construcción a través de la ropa. El textil se convierte en el material principal que potencia el juego de estructuras y la creación de un entorno en movimiento que envuelve el habitar cotidiano del hombre. Los pliegues definidos, las telas pesadas y el degrade en los colores genera una armonía particular, vista en quienes experimentan el vestir desde un enfoque minimalista en esencia y constructivista en forma.

La arquitectura del textil es la fusión analógica entre el concreto que edifica la ciudad, y los textiles que estructuran el cuerpo. Mapear el espacio permite una racionalización del mismo, lo cual potencia el recorrido a través de la abstracción de la esencia que lo compone. Ya sea en la ciudad, ya sea en el cuerpo, la arquitectura del textil experimenta el juego dinámico del ojo del espectador a través de pliegues lineales y el dinamismo de la perspectiva, lo cual genera una nueva experiencia de recorrido dentro de un marco estructural minimalista y perfecto.

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DOCUMENTOS

VIDEOS

PROCESO: https://www.youtube.com/watch?v=BffApZInhHQ

MONTAJE FINAL: https://www.youtube.com/watch?v=3Q–x9EvbSk

PINTEREST

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HENDRICK’S 

Daniela Baena Vargas, Maria Paula Barrera, Alejandra Leal Ruge, Jennifer Pinto Castellanos, Maria Conchita Rozo 

El té de las Curiosidades

Una experiencia donde la naturaleza y su abundancia se apoderan del espacio, la curiosidad es la guía de exploración para lograr que los sentidos se estimulen y perciban la riqueza de una expedición sensorial. La experiencia pretende dar al usuario sensaciones de intimidad, degustación y más que todo un viaje al mundo del té inusual. El catador logrará descubrir las infinitas posibilidades de elaborar un elixir  haciendo uso de su imaginación y de la versatilidad que ofrece Hendrick’s.

El montaje retoma la exclusividad y la importancia social presentes en la hora del té inglés; por otra parte, exalta los botánicos especialmente seleccionados para combinar Hendrick’s, los cuales  hacen de esta ginebra la fusión perfecta para acompañar la tarde y la noche. De esta manera, este espacio de inmersión establece una conexión a nivel estético y propositivo en el cual, El Catador Exquisito,  podrá apreciar la reveladora excentricidad de la inusual ginebra Hendrick’s.

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DOCUMENTOS

VIDEO

FLICKR

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LOMO
Laura Ávila, María Angélica Caviedes, Katherine Gaviria, Natalia González, Angie Henriquez

Surge a partir de la pregunta ¿Cómo materializar la huella que ha trascendido a través del tiempo en las colecciones de objetos heredados o adquiridos de otras épocas?. Pues tras la investigación a los diferentes usuarios de LOMO, se comprendió que la mayoría poseen gran apego por objetos del pasado los cuales han sido heredados y han generado la construcción de sus propios legados.
De allí surge El legado de la herencia; el legado se entiende como ese el valor simbólico que está presente en los usuarios LOMO debido al sentimiento de nostalgia hacia las épocas pasadas, que se ve reflejada en diferentes aspectos que permite apreciar el trasfondo histórico de cada individuo que luego trasciende y se transforma en un legado colectivo hasta ser universal. Por otra parte la herencia: es entendida como el hecho de haber heredado un objeto (o una colección) de una persona mayor, que fortalece memorias, lazos
y recuerdos que llevan a que el heredero apropie el legado adquirido y construya un nuevo legado a partir de aquello que recibe. Adicionalmente, esta permite la conexión y evolución entre generaciones y temporalidades que se plasman en la fotografía al momento de congelar un instante

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DOCUMENTOS

 

NEW BALANCE

María José Guzmán, Juan Camilo Suarez, Daniela Espitia, Isabel Pulido, Maria Alejandra Navarrete

El montaje pretende ser un pequeño espacio que promueva una actividad propia del perfil, al ser parte de la relación humano-perro. Una experiencia de compartir y descubrir cosas nuevas como un elemento fundamental para enriquecer la vida de la persona y traerle felicidad a la inocencia y disposición de realizar actividades del perro sin obtener nada a cambio. Fortalecer los vínculos entre el humano y su mascota, brindándole al sujeto la oportunidad de disfrutar un recorrido lúdico con el animal, el cual disfruta cualquier actividad promovida por su dueño quien le transmite confianza y felicidad. La diversión genera emociones que se dan de forma paralela al ser una relación recíproca y desinteresada, los sentidos del perro se ven estimulados para despertar su curiosidad innata y para que el recorrido sea agradable para ambos.

La posibilidad de disfrutar un recorrido juntos es la esencia que New Balance transmite a las personas, donde se promueve su Activewear y también hace parte de sus intereses como individuos que respetan y aman la vida animal. La participación futura de personas que han sido aconsejadas para que ellas también realicen esta actividad, es el valor agregado que poco a poco permitirá construir un estilo de vida sin problemas para el dueño y la mascota y así afianzará una relación agradable y duradera. Los colores como representación de la marca y como elementos que irradian alegría y diversión, al ser llamativos despiertan el interés del transeúnte del Parkway, y las llantas y pelotas reutilizadas, hacen parte del conjunto de objetos reciclados que permite aportar un grano de arena al medio ambiente y al respeto por la vida animal.

 

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DOCUMENTOS

 

PHOTOSHOOT

https://www.flickr.com/photos/137350973@N03/shares/BMf09Y

VIDEO

SÓNAR

María Paula Mera, Isabel Pizano, María Alejandra Astrálaga, Isabella Williams, Daniela Amaya

 

Existe un universo paralelo, en el que las realidades se fusionan y confunden entre sí. En este espacio-tiempo la concepción de lo material y lo etéreo se pierde, creando una dimensión surreal en donde estos estados se yuxtaponen entre si y se contemplan como uno mismo. Más allá del plano físico en el que el hombre se desarrolla, hay un espectro de realidades fuera de lo tangible, en donde la ironía y lo absurdo se apodera del ambiente. Este limbo de realidades es lo que Sónar intenta plasmar en su experiencia, brindándole al usuario un mundo flexible, en el que cada persona logra liberarse y mostrar su verdadera esencia. Esto, a través de un estímulo de sensaciones extrañas que juegan con los sentidos y proporciona una nueva esfera de interacción.

Dentro de la experiencia del festival Sónar, la persona entra a otra realidad, a otra dimensión donde su interacción con el entorno se ve afectada completamente; la música que suena a su alrededor, la escenografía de este nuevo universo, modifica la manera en la que sus sentidos deben comunicarse con el exterior. Las sensaciones que crecen dentro del hombre hacen que éste experimente sensorialmente, un nuevo cosmos interactivo que lo lleva a un estado de liberación nunca antes vivido.

Lo que hace de la dimensión Sónar una experiencia única e irrepetible, es este sentido de liberación que yace bajo sus estrambóticas luces y sonidos electrónicos. Este plano de tecnología avanzada, de innovación virtual y de saturación de estímulos intelectuales, identifica este evento y lo diferencia de cualquier otra experiencia musical.

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DOCUMENTOS

VIDEOS:

Proceso https://youtu.be/G3q5Q6WRdN8

Montaje: https://youtu.be/eqproQfu1gE

 

ESTUDIO 5 DIRECCIÓN CREATIVA – SECCIÓN 2 / 2015-1

January 21st, 2015 by Karen Aune

DISE 2122-2 / Estudio 5 2015-1

Hora y Lugar

Miércoles y Viernes de 9:00 am. a 10:50 am Salón S1-105

Profesor

Karen Aune: kaune@uniandes.edu.co

Intensidad

4 Horas en Clase + 8 Horas individuales por fuera – 4 Créditos

Dirigido a

Estudiantes Diseño.

 

ESTUDIO 5 DIRECCIÓN CREATIVA: SECCIÓN 2

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Moebius

Descripción del Curso:

El programa parte del concepto de Diseño Estratégico y establece puentes entre los ámbitos de la creatividad y los aparatos productivos. En otras palabras, se promueven las competencias de un diseñador estratega de modo que pueda enfrentar diversos contextos, aportando soluciones que son ideaciones estéticas que se articulan con un mercado. A lo largo del curso los estudiantes reconocen el valor, el contenido y la trayectoria cultural de un autor o de una manifestación estética desde la perspectiva de la dirección de arte, sintetizando sus conceptos visuales y produciendo estados del arte. Luego, a través de estudios de caso, construyen su pensamiento estratégico, formulando y ejecutando oportunidades de diseño traducibles a productos, servicios y/o experiencias con un lenguaje estético articulado y coherente, que tiene en cuenta las filiaciones estéticas de las audiencias.

Objetivos

La Dirección creativa busca afinar en el alumno la capacidad de construir conceptos estéticos, estableciendo balances entre los deseos de las personas, los entornos culturales y las dinámicas del mercado. El diseño aparece como generador de valor, como detonante de mecanismos de identidad, filiación y consumo, generando vínculos perceptuales que van más allá de la simple funcionalidad de un producto. Para tal efecto, junto a la capacidad de elaborar cartografías estéticas y visuales, es necesario que el alumno aprenda a conceptualizar estos procesos y a mirar las audiencias como receptoras y articuladoras de dinámicas culturales El curso busca formar un diseñador estratega que, con una mirada holística e interdisciplinaria, pueda interpretar, documentar, formular y ejecutar proyectos creativos en distintos ámbitos empresariales.

Metodología

El diseño es fuente de identificación, valor y filiación de audiencias, más allá de la funcionalidad de sus manifestaciones. La creatividad del diseñador se articula dentro del ámbito de fuerzas que actúan en un entorno de mercado. El director creativo articula estrategias, cataliza oportunidades, visualiza recursos culturales y proyecta estéticas que dialogan con audiencias específicas.

El programa tiene dos momentos fundamentales: en la primera fase, el alumno deconstruye productos culturales con una dirección de arte compleja, de modo tal que pueda entender los ejes culturales, perceptuales, visuales y sensibles que la subyacen. En otras palabras, aprende a hacer cartografías visuales y conceptuales, a producir referentes y estados del arte estéticos que, luego, aplica a un contexto de diseño articulado en torno a productos o servicios concretos. Una vez aprendidas estas herramientas, el alumno se concentra en estudios de caso reales: inmersos en un simulacro del mundo laboral, los estudiantes construyen propuestas que – con énfasis sus aspectos creativos y en la percepción de las audiencias – generan una estrategia sostenible en el mercado. Al final, la bocetación y prototipado de conceptos estéticos, su documentación y comunicación, las etnografías visuales, confluyen en un proyecto grupal de diseño que produce experiencias, servicios o productos conceptuales, entre otros.

PROGRAMA E5 2015-1

CRONOGRAMA 2015-1

 

EJERCICIO 1: IMAGEN Y CONCEPTO

El objetivo del primer ejercicio de Estudio 5 : Dirección Creativa es la comprensión y apropiación de los diferentes lenguajes que se amalgaman en una imagen fija, con miras a entender que los diferentes aspectos que se imbrican en la dirección de arte y aplicarlos en un ejercicio dado. Para lo anterior, los estudiantes se enfrentan a una serie limitada de la obra de un autor contemporáneo. A partir la serie, escogen una imagen en torno a la cual articularán su trabajo.

La serie aporta constantes temáticas, conceptuales y formales que tipifican la producción de un autor. Se busca que los estudiantes entiendan este contexto, que es cultural y formal a la vez, para que localicen intereses y soluciones del fotógrafo, y su diálogo con su momento histórico, su discurso y poética. Una vez estudiada la serie, los estudiantes abordan el análisis de una serie de imágenes específica de un autor. Aquí se enfrentan a lo que se denomina reversa, es decir, a deconstruir cada imagen y el concepto para indagar la poética del autor, ubicando sus referentes – visuales y conceptuales – y sus soluciones formales y de contenido.

Se trata de que logren hacer cartografías de referentes, de formas y de conceptos que les permitan entender cómo la dirección de arte se apoya en un núcleo de intenciones e ideas, cuya traducción pasa por una intención creativa explícita o implícita. Los estudiantes agrupan y subdividen sus cartografías en conjuntos más pequeños, buscando conceptos subyacentes que serán relevantes y pertinentes, con toda una serie de un autor.

Una vez terminada la reversa, los estudiantes pasan a una fase propositiva. Dicho en una analogía, es como si asumieran la piel del autor y tuvieran la intención de producir otra pieza de la serie. El sentido acá es subrayar la pertinencia de un encargo. Se busca que los estudiantes tengan la capacidad de conjugar un mosaico de herramientas estéticas y analíticas con un requerimiento dado. Esta nueva imagen debe tener un alto nivel de dirección de arte, debe resultar idónea y corresponder al objetivo del ejercicio que, en este caso, busca proponer otra pieza que pueda habitar la serie original.

No se trata de copiar al autor, o de replicar alguna de sus imágenes: los estudiantes construyen una imagen nueva en todas sus fases productivas a partir de referentes claros. Teniendo desagregados los diferentes ejes de la dirección de arte, están en capacidad de proponer una solución creativa diferente, que tiene una intención comunicativa cuyos lenguajes estéticos son elaborados y que, a la vez, se ajusta a los límites mismos del autor que la reversa estableció.

El cierre de la entrega es una imagen y un texto cuya dirección de arte se apoya en concepto claro, con una forma y una técnica idóneas, que proyecta un contenido pertinente respecto a los lineamientos que la gestaron.

(Ricardo Sarmiento)

Investigación:

Realizar una investigación formal y conceptual desde los referentes de la series fotográficas seleccionadas por ustedes según el Autor asignado.

Definir y presentar los referentes directos e indirectos formales y conceptuales de la serie

Definir y presentar los elementos inspiración que componen la serie

Realizar un texto sobre el concepto y /o discurso del Autor asignado teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la serie investigada. (máximo 500 palabras)

 Autores:

  1. Vik Muniz http://vikmuniz.net
  2. Tod Baxter http://www.baxterphoto.com
  3. Nicholas Kahn & Richard Selesnick http://www.kahnselesnick.com
  4. Joel Peter Witkin http://www.ethertongallery.com/html/artist_detail.php?recordID=10
  5. Pierre Et Gilles http://www.tumblr.com/tagged/pierre-et-gilles
  6. Phyllis Galembo http://www.galembo.com
  7. Marcos López http://www.marcoslopez.com
  8. David La Chapelle http://www.davidlachapelle.com
  9. Erwin Olaf http://www.erwinolaf.com

Planeación:

Realizar bocetos desde dibujos, fotografía, collage etc. que den cuenta de organizar y comunicar el proceso creativo y los elementos a ser usados para la reconstrucción del imaginario del autor a través de una nueva imagen que haga parte de la serie investigada.

Presentación:

Realizar una imagen fotográfica que se entienda como parte de la serie investigada y un texto que de cuenta del concepto elaborado en la imagen, siempre teniendo en cuenta lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la imagen realizada. (Máximo 500 palabras) (identificada con el nombre de los estudiantes)

Impresa:

  • Imprimir una imagen realizada por ustedes en formato A3 (297 x 420 mm) en papel fotográfico, identificada con el nombre de los integrantes del grupo en la parte de atrás (sin retablar).
  • Imprimir en una formato carta 4 imágenes representativas de la serie, identificada con el nombre de los integrantes del grupo en la parte de atrás (sin retablar).
  • Imprimir en formato carta el texto de concepto (máximo 500 palabras). En el hoja del texto debe ir: nombre de los estudiantes del grupo, titulo de la imagen creada por ustedes, nombre del autor original de la serie, titulo de la serie original y año.

 Dropbox

Dropbox: estudio5direccioncreativa@gmail.com

Cargar en una carpeta identificada con el nombre de los estudiantes:

  • La Imagen realizada por ustedes en formato JPG (72 dpi 15 x 10 cm aprox./no más de 500KB)
  • Una imagen representativa de la serie original en formato JPG (72 dpi 15 x 10 cm aprox./no más de 500KB)
  • documento Word (máximo 500 palabras) con el texto de concepto. En el hoja del texto debe ir: nombre de los estudiantes del grupo, titulo de la imagen creada por ustedes, nombre del autor original de la serie, titulo de la serie original y año

PROYECTOS: IMAGEN Y CONCEPTO:

Estudiantes: Camila Barrera y Carlos José Celis

Autores Originales: Kahn & Selesnick – Serie: Flight & Wartime

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Kahn & Selesnick

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Camila Barrera y Carlos José Celis

 Kahn & Selesnick son dos fotógrafos que han trabajado juntos desde 1987, a pesar de estudiar exactamente lo mismo, vivir en la misma ciudad (New York) e incluso nacer el mismo año, sus diferencias conceptuales hacen de su trabajo artistico una batalla de historias, anhelos, frustraciones y deseos. Esto no quiere decir que el resultado de sus experimentos conceptuales sea un popurri de ideas, todo lo contrario, de esta confrontación surgen historias fascinantes. ¿Historias? Si, todas las series fotográficas que han realizado, o por lo menos la mayoria, son foto novelas, que narran una historia, donde los principales elementos son la ficción, los viajes y la confrontación del hombre con la naturaleza, nada que envidiarle a Julio Verne.

De Kahn & Selesnick, hemos decidido enfocar nuestro trabajo en la serie Flight & Wartime. En esta foto-novela, la historia gira alrededor de una expedición de la Royal Excavation Corps, protagonizada por Peter Hesselbach, un ingeniero y fotógrafo alemán. La intervención de los artistas no se limita a las fotografías y la dirección de arte de las mismas, ambos se encargaron de construir la narrativa de la novela. Vale la pena aclarar que todos los personajes, instituciones e incluso lugares son completamente ficticios y en algunos momentos surreales.

A continuación, les presentaremos una fotografía que plantea un final alternativo a esta historia, un final que nos generó una ambigüedad de sentimientos, a causa de: -La satisfacción de un momento feliz, y el afán por el poco tiempo que se tiene para disfrutarlo- Elementos de Ficción, maquinas imposibles, paisajes inspirados en el romanticismo alemán, equipos de fotografía y diarios de una expedición, son los elementos, que ambientados en un contexto Post Primera Guerra Mundial componen las fotografías de esta serie. Nuestro final surge del encuentro entre la ficción y la realidad (representada con la Segunda Guerra Mundial)

El siguiente texto se compone de un resumen de la novela Flight & Wartime, junto a un supuesto texto escrito por el protagonista de la historia, en donde nosotros planteamos nuestro final de la historia.

Sobre la serie Flight and Wartime

Peter Hesselbach, de la provincia de Darmstadt (Alemania), es un ingeniero apasionado por los planeadores y la fotografía. En 1936 es invitado por la Royal Excavation Corps (R.E.C.) para emprender una expedición, junto a 30 personas más, con el objetivo de probar prototipos de planeadores por toda la costa oeste de Inglaterra, específicamente en la región de Wessex. A pesar del éxito de la expedición, reflejado en los grandes avances en altura y duración de vuelo, con los prototipos, el líder de la R.E.C. decide cambiar el rumbo de viaje y embarcarse en la búsqueda de ‘miel alucinógena’, motivado por mito de la existencia de dicha sustancia y sus poderosos efectos. Los resultados son fatales, a pesar de la grata sorpresa de encontrar la miel, sus efectos son más fuertes de los esperados. Finalmente la expedición se separa, a causa de la demencia que genera el consumo de la miel. Como resultado, muchos de los hombres se ven perdidos en la mitad de la basta región, entre esos, Peter.

Tomado del Foto-diario de Peter Hesselbach: Noviembre 1938, Wessex, Reino Unido

Esta es, inevitablemente, la ultima pagina de esta expedición. El clima nunca ha estado mejor. Llevo varios días a la espera del grupo de rescate. Es curioso (o preocupante) que no me interese el destino de McArthur y sus hombres, mi único pensamiento se centra en aprovechar el poco tiempo que me queda… para volar, es inevitable sentir la presencia de la guerra, ser llamado de vuelta a Alemania me hace ver todo con nostalgia. A pesar de que todos los planeadores se dañaron a causa de la maldita miel, logré adecuar mi viejo planeador, con esperanzas de lograr mi ultimo vuelo.

Referencias Bibliográficas:

1 http://kahnselesnick.biz/

2 http://www.kahnselesnick.com/

3 The Circular River, Monique Knowlton, New York The Circular River, Eli Marsh Gallery, Amherst College Bachelier Cardonsky Gallery, Kent, Connecticut Carrie Haddad Gallery, Hudson, New York The Circular River, Pepper Gallery Boston.

 

Estudiantes: Ana María Zuluaga y Ricardo Ladino

Autor Original: Phyllis Galembo

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Phyllis Galembo

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Ana María Zuluaga y Ricardo Ladino

Phyllis Galembo Es un fotógrafo neoyorquino, graduado de la universidad de Wisconsin- Madison, E.U- con un título de “maestría en Bellas Artes”. Durante su carrera, ha ocupado cargos de gran importancia, por ejemplo; se ha desempeñado cómo maestro en el Departamento de SUNY, Albany Bellas Artes desde el año de 1978, además ha realizado mas de veinte viajes por toda África y el Caribe. El motivo de sus expediciones no ha sido otro que el de capturar la esencia cultural de los lugares visitados, con el objetivo de “revivir” esas culturas, con las que es especialmente afín. (Steven kasher Gallery, 2015)

 Es importante destacar que, en la serie “Cross River- Nigeria” , Phyllis invita a redescubrir y reinterpretar la cultura africana, centrándose en sus creencias religiosas autóctonas, tales como “el Yoruba”. Así pues, recreando retratos de sus deidades, mostrando los elementos esenciales y de mayor significancia que las componen tales cómo, los estampados de los trajes, las muñecas empleadas en los famosos rituales de santería y las mascaras que protagonizan sus danzas y ritos fantásticos, el fotógrafo transmite de una ingeniosa manera la cultura africana e invita a los televidentes a redescubrirla y apreciar lo bello junto a él. (La presencia de ancestro Africano en América Latina, 2008).

Es pertinente señalar que, en su serie, Galembo maneja materiales naturales como; barro, paja y plantas, además de diversos estampados y telas africanas tradicionales, logrando que los vestidos cobren vida, que se tornen en un conjunto de elementos inertes que al fusionarse cobran vida. Los fuertes contrastes impresos por el artista dotan (como se señaló) de vida a sus personajes, dejando no menos que una sensación festiva y carnavalesca. Por otro lado, los retratos demandan más que respeto, idolatría hacia los seres supremos que rigen el mundo de la cultura que ahora nos atañe (africana); adicionalmente, los paisajes representan la contextualización de las condiciones culturales en las que viven los Africanos, puede afirmarse que las selvas son el ingrediente que afirma que su cosmovisión gira en torno a la naturaleza y a su conexión con ésta, el barro de las paredes, es la representación de sus viviendas, de su subsistencia . En lo que al entorno político se refiere, los personajes permiten evidenciar ampliamente cómo se entiende la jerarquía social que se maneja en sus tribus, su modelo para vivir armónicamente en su sociedad. (Umoya, 2000,Pg. 36)

No podemos dejar de lado el papel protagónico de la deidad Ossain dentro de la obra. Él controla a la naturaleza y es el dueño de la vegetación y las Hierbas, motivo por el cual ostenta el total conocimiento de la magia de las plantas para poder con éstas, sanar a las personas. Adicionalmente, su único ojo le permite focalizar sus poderes sobrenaturales , y su sola pierna izquierda y hombro izquierdos (los únicos que posee) reflejan la parte que habita dentro del ser humano, sus mayores adquisiciones son los montes y los palos. Es importante resaltar que su espíritu equilibrado y maduro, le genera al ser humano un estado de tranquilidad, tanto hombres como mujeres pueden recibirla, pero las segundas, solo lo logran al momento de su desarrollo. Los Africanos creen firmemente en que, al recibir a Ossain la percepción de sus vidas será mas realista y pragmática, haciendo que las decisiones que tomen no se vean influenciadas por las emociones sino que éstas sean producto de un juicio razonal y certero. (religión Yoruba (…) 2015)

En conclusión, el retrato “Ossain nature of god” señala la conexión de Ossain con la naturaleza, como toda se inclina hacia él, poniéndose a su disposición, su postura refleja el carácter que lo representa y la máscara es la representación de su apariencia física, el Yoruba es una religión de muchas deidades, empero Ossain es uno de los mas representativos y poderosos por su gran contacto con la naturaleza. Sin lugar a dudas, el trabajo de Galembo es excepcional y su objetivo de transmitir cultura a través de su trabajo está más que logrado.

Referencias Bibliográficas:

1 Del Cabral, Manuel. La presencia del ancestro africano en América Latína. (2008). WEB. Tomado del sitio Web bowdoing. Revuperado el 5 de Febero del 2015. Disponible en: http://www.bowdoin.edu/~eyepes/latam/africano.htm

2 Religión Yoruba; La santería o regla de Osha-Ifá: Ossain. (2015). WEB. Tomado del sitio web de Cuba Yoruba. Recuperado el 5 de febrero del 2015. Disponible en http://cubayoruba.blogspot.com/2007/01/ossain.html

3 Steven Kashen Gallery. (2015). Phillys Galembo; Biography. WEB. Tomado del sitio web de Steven Kashen Gallery. Recuperado el 5 de febrero del 2015. Disponible en: http://www.stevenkasher.com/artist/Phyllis_Galembo/biography/.

4 Umoya. (2000). África, continente rico, países empobrecidos. Bogotá: Kimpres Ltda.

 

Estudiantes: María Andrea González y Sebastián Cabal

Autor: Todd Baxter – Serie: Spoon

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Todd Baxter

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María Andrea González y Sebastián Cabal

Disappeared

Todd Baxter es un reconocido artista norteamericano destacado en el campo de la fotografía. Gracias a sus estudios en ilustración, pintura y escultura, ha podido explorar combinaciones de medios en sus series fotográficas. Apoyado en sus experiencias culturales en museos de historia natural y de aire y espacio, el diseño de mitad de siglo, los cuentos infantiles de los años 70’s y la influencia de diferentes personalidades, tales como Wes Anderson, Baxter logra en sus obras un resultado narrativo gráfico que autodenomina ‘modern day fairy tales’. [1]

Una de sus series más recientes es ‘Spoon’, la cual fue un trabajo que realizó para el grupo de rock del mismo nombre. Por medio de una narrativa lineal con un final abierto y el uso de simbologías y metáforas, recrea una interpretación de la transición entre la niñez y la adultez. Contada a través de la historia de una niña a quien su niñez fue arrebatada, Baxter va más allá del proceso de crecimiento físico, explorando el desarrollo emocional y espiritual en dicho proceso.

Presentada desde la naturalidad y pureza que identifica la inocencia, el personaje principal de la serie es una niña que se enfrenta a ciertos sucesos que la llevan a cuestionar su identidad y emprender una búsqueda de sí misma. Al crecer, la inocencia con la que la niña conoce el mundo se empieza a desvanecer. Más que físico, el crecimiento es tratado como un proceso de revelación en el cual la inocencia de la niña conoce una realidad desconocida.

Al igual que en la historia de ‘Alice in Wonderland’, la niña entra a explorar un mundo desconocido; el mundo de los adultos. Estos, vistos como una secta alienígena son para la niña una ventana a la existencia del peligro, el vicio, la presión de la sociedad, el control, la ley y el poder.En base a esta serie, creamos una fotografía llamada ‘Disappeared’. En esta está plasmado el sentimiento de la niña, que al iniciar la etapa de la adolescencia no encaja en la sociedad que la rodea, por lo que busca desaparecer de su mundo y huye del desesperado intento por ser aceptado y encajar dentro de la sociedad. La ubicamos en medio de un lugar íntimo, donde los miedos pierden la importancia reflejando metafóricamente el lugar emocional al que la adolescencia te transporta.

El uso de elementos repetitivos a lo largo de la serie, en ‘Disappeared’ no sólo nos permite vincular la fotografía visual y estéticamente con ‘Spoon’, sino que también puede permitir a la audiencia mantener la línea de narrativa ya planteada.

La esencia de ‘Disappeared’ es la desaparición y pérdida del alma, la búsqueda de la identidad y la soledad que esta búsqueda implica.

 

Estudiantes: Juliana Sánchez y Maria Magdalena Díaz

Autor: Marcos López – Serie: Pop Latino

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Marcos López

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Juliana Sánchez y Maria Magdalena Díaz

El churro

Marcos López es un fotógrafo que nació en Santa Fe, Argentina en 1958. Se identifica por sus fotografías de carácter popular en donde genera discusiones sociales y utiliza la fotografía como medio de expresión. Su principal enfoque es cuestionarse acerca de la identidad cultural, y al igual que algunas series de David LaChapelle busca mostrar la vida popular de su cultura. Para él son importantes sus raíces y el lugar de donde viene. “Estas escenas están en mí. Soy eso. Las marcas a fuego de las más íntimas emociones personales se conjugan con el devenir de un pueblo y así se forma lo que llamamos identidad cultural.” (López, 2008) Para él el lenguaje visual es la manera de unir dos contextos que no tienen relación aparente pero que conviven en un mismo espacio.

A lo largo de su carrera empezó a experimentar la fotografía en blanco y negro siempre capturando lo cotidiano de su pueblo. Luego comenzó a experimentar con el color y en el año 2000 publica la serie Pop latino y en el 2007 la serie Pop latino plus. Esta serie resalta la apropiación de lo extranjero por parte de los latinos. Se cuestiona “¿Cómo es una cultura con identidad propia?” haciendo referencia a esta apropiación. Con ésta muestra “el estridente mestizaje económico y cultural latinoamericano, despedazando los tabúes y estereotipos exóticos y paternalistas que tanto complacen a estadounidenses y europeos.” (Villarreal). Sus primeras fotografías fueron encontradas, en donde capturaba esta apropiación de aquellos ámbitos extranjeros, luego pasó a realizar fotografías planeadas en las cuales pensaba cada uno de los detalles, desde los personajes hasta el escenario.

Para dar continuidad a la serie, se produce El churro la cual es una fotografía encontrada en el centro de la ciudad de Bogotá, en donde se localiza un local con una estética totalmente americana. En esta se utiliza el arte pop y la idea del superhéroe: se puede observar el recorte de las imágenes de los cómics, de la misma manera que Roy Lichtenstein produce sus obras, tomando imágenes de los comics y adaptándolas a sus experimentos, de esta manera las imágenes del local se encuentran acompañadas de textos que promocionan el producto de este. Por otro lado el “churro” es una masa a base de harina de trigo cocinada en aceite y luego cubierta de azúcar, siendo una comida muy popular en las calles de las ciudades de Latinoamérica. Aparte de eso en el léxico popular colombiano “churro” se refiere a un hombre apuesto. De esta manera en esta fotografía se hace un uso irónico del nombre del local con el significado del churro popular.

Referencias Bibliográficas:

Lopez, M. (1998). Manifiesto de Caracas. Recuperado de http://www.marcoslopez.com/textos-manifiesto.php

Lopez, M. (2008). Blanco y negro. Recuperado de http://www.marcoslopez.com/textos-byn.php

Villarreal, R. (s.f.). La era del pop latino. Recuperado de http://www.marcoslopez.com/textos-acerca-villarreal.php

 

Estudiantes: Daniel Marin y Laura Lemus

Autores: Pierre et Gilles

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Pierre et Gilles

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Daniel Marin y Laura Lemus

Pierre et Gilles son dos artistas franceses cuyo su trabajo artístico es una expresión de su vida como pareja. En este se refleja la unidad de mundos opuestos, principalmente la belleza y fealdad, como las dos caras de la misma moneda. Para esto utilizan diferentes medios que unen a la fotografía (Pierre) y a la pintura (Gilles), que son sus principales áreas de competencia, para crear imágenes que hablan de género, amor, arte y religión de una manera “superficial” como ellos mismos la llaman. Hacen esto por medio de clichés y estereotipos pues buscan que su arte sea accesible a todos y consideran que desde ahí pueden comunicar de una manera más clara. Su trabajo muestra influencias del pop-art, pasando por Andy Warhol hasta poder entrever vestigios de la plasticidad de Jeff Koons, la conceptualización de lo kitsch y lo queeer desde su propia vivencia. Esto a su vez lo complementan con la historia del arte, principalmente de la pintura.

La serie de fotos de santos puede relacionarse a su vez con otras series realizadas por los fotógrafos sobre deidades hindús y egipcias. En el libro, Pierre et Gilles, de publicado por la editorial Taschen, una de las reseñas encontradas señala que su trabajo deja ver que son de los pocos artistas que siguen considerando al hombre una deidad. Existen diferentes series en las que muestran a los santos católicos de diferentes formas y con distintas apreciaciones. A grandes rasgos puede verse que los autores no pretenden criticar los santos que reproducen con su trabajo, al contrario aprovechan la estética tradicional de los mismos para explotarla con todos los elementos representativos de su trabajo artístico.

Entre las personas con credo católico el culto al niño Jesús es muy popular, ya que hacen sus peticiones “en nombre de los divinos méritos de su infancia” y, dicen, reciben maravillosos resultados. Hay distintas representaciones del niño Jesús, el divino niño de Bogotá representa la humildad de un dios y la inocencia de un niño. Por medio de las vestiduras de este niño reflejan su humildad, a la vez que su rostro inocente permite ver su grandeza. Gracias a la investigación previa que hicimos sobre los autores decidimos que, bajo nuestro criterio, la figura más apropiada para agregar a la serie de santos católicos era este divino niño. Su rostro refleja la calma de saber que es el rey de reyes y a su vez la expresión del mártir que requiere su misión. Gracias a la piel de porcelana, Pierre et Gilles, intentan mostrar la divinidad de los modelos que utilizan para sus fotos; el divino niño no podría ser diferente a esto ya que la porcelana no sólo refleja una idea de perfección sino que también tiene un halo de pureza al asociarse con la tez clara.

El recurso de las flores utilizado por los artistas para enmarcar a muchos de sus santos lo utilizamos para conectar al niño con la tierra y permitir al espectador entender que más allá de un Dios, también es un hombre. El género, es algo también explorado por los artistas, ya que en –no solo en esta sino en la mayoría de sus series- juegan con la interpretación de los estereotipos femenino y masculino, y aprovechan la exploración “queer” que hay alrededor de lo mismo. Es por esto que es divino niño es representado por una mujer en la foto, ya que tiene facciones similares al niño (no son facciones bruscas) y esto permite que se camufle mejor en la serie de santos de Pierre et Gilles.

 Estudiantes: Lina M. Avila, Sergio Cabrera y Juan A. Soto

Autor: David LaChapelle – Serie: Recollections In America

Double Date

David LaChapelle

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Lina M. Avila, Sergio Cabrera y Juan A. Soto

Christmas in Florida

David LaChapelle, es un fotógrafo y director, nacido en Estados Unidos en 1963. Sus obras se caracterizan por utilizar elementos grotescos, del glamour, y por el uso de referentes de la historia del Arte, con lo cual crea un estilo costumbrista con tintes idílicos, con bastante influencia por parte de Jeff Koons (Pinkhasov, 2014) y su primer mentor, Andy Warhol (Careaga, 2014). Muchos de sus trabajos son inspirados en su visión de la vida, en los contrastes de la cultura Americana y en su cercanía con el mundo de la moda.

Recollections in America, es una serie de fotografías, inspirados en los recuerdos de la infancia, visiones y la sensación de “ser tía tomando fotos” en las reuniones familiares. (LaChapelle, 2007). Aquí se evidencian los contrastes entre la decadencia y la ensoñación del cotidiano americano, de una forma muy costumbrista en la década de los 70. Por medio de la estructura familiar clásica y la intimidad en el hogar en celebración, David logra mostrar el cliché del American Dr­­­­eam, (Motion, 2011) y sus inconsistencias frente a los ideales como el patriotismo, libertad, el American Power, y un tenue fascismo y hedonismo. Estos son representados a través de ciertos elementos, como las armas, las banderas, el águila calva, y el alcohol. Todo esto encuadrado en unas fotografías instantáneas de eventos en la vida cotidiana haciendo de la obra, no sólo crítica frente a la naturaleza política, económica y moral, sino también nostálgica en su tonalidad. Esto hace que la serie sea una muy especial, dentro de la obra de Lachapelle, por la sutileza que maneja en un absurdo provocado por los choques entre, la realidad de la fotografía inicial y su intervención. Esta incoherencia, crea una discontinuidad temporal, entre el pasado y el presente, y muestra de forma continua, el deterioro de las personas dentro de una sutil ironía.

Nuestra fotografía pretende mostrar un elemento latente a lo largo de la serie: la degradación del individuo por perseguir el “American Dream”. Intentamos reproducir las técnicas de LaChapelle al intervenir fotografías de la época, añadiendo elementos como personas y objetos, con el objetivo de darle el tono y la continuidad a la serie. Sin embargo, utilizamos la extrema derecha del Ku Klux Klan, para comunicar los alcances que tiene la persecución del “American Dream. El encuadre muestra a una pareja en ropa interior posando alegremente para foto, símbolo de las promesas de estos ideales. Por otro lado, la decoración y la máscara del hombre, representa la degeneración del sujeto al querer alcanzarlos. Valores del clan, como el cristianismo extremo y el nacionalismo se ven contrapuestos con elementos como la vestimenta de los protagonistas, lo cual refleja la incoherencia en cuanto al respeto que esta comunidad tiene por estos valores y el claro contraste de los protagonistas.

Referencias Bibliográficas

Motion, A. (2011 29-Septiembre). Arrested Motion. Retrieved 2015 28-1 from http://arrestedmotion.com/2011/09/openings-david-lachapelle-negative-currency-recollections-in-america-prism/

Pinkhasov, M. (2014 22-12). Huffington Post. Retrieved 2015 30-01 from http://www.huffingtonpost.com/misha-pinkhasov/jeff-koons-degradation-of_b_6362410.html

Careaga, M. (2014 14-01). Cultura Colectiva. Retrieved 2015 31-01 from http://culturacolectiva.com/big-shots-andy-warhol-polaroids/

 Estudiantes: Andrés Saab y Gabriela Villar

Autor: Erwin Olaf – Serie: Paradise The Club

 Paradise 

Erwin Olaf

 Payaso

Andrés Saab y Gabriela Villar

 Erwin Olaf es un fotógrafo nacido en Hilversum, Holanda en 1959 cuyo trabajo se compone principalmente por fotografías. Ellas se caracterizan por el manejo de temáticas difíciles de documentar, tales como problemáticas sociales, tabúes y convenciones burguesas de una manera muy astuta y estilizada (Bernstein & Andriulli). Además, representan de manera impecable y perfecta distintas situaciones o personajes que aluden a sentimientos y eventos negativos, o que pueden llegar a ser grotescos.

Una de sus series se titula Paradise the Club (2001) que muestra un número de fiestas o “after parties” a la que asisten individuos inusuales como freaks o drag queens, que por lo general sólo se encuentran en lugares específicos como circos o establecimientos en los que hagan espectáculos y macabros por sus gestos siniestros que generan horror o rechazo. En ella se exaltan los lugares clandestinos cuyo ambiente se torna “alucinógeno” por lo que la percepción se ve alterada, los gestos son exagerados, hay mucho movimiento y se intenta reconstruir los recuerdos a partir de flashbacks. Del mismo modo, los personajes se liberan de la discriminación y las limitaciones que generan los estigmas sociales que señalan a quienes tengan determinados comportamientos o atributos físicos, como los hombres que se visten de mujer o las deformidades. Por esta razón, se visten y se expresan como les plazca, no censuran su sexualidad y actúan con desenfreno.

Nuestra fotografía Aislamiento como Alucinógeno (2015) desea seguir esta serie de Olaf. En ella, los personajes también se encuentran dentro de los parámetros de lo que es considerado como “normal” o incluso atractivo. Sin embargo, sus acciones desaforadas, gestos exagerados y vestuario hacen que se vean como seres grotescos. Por otro lado, se muestra una especie de carnaval o circo de freaks de alrededor del siglo XIX los cuales giran alrededor de los excesos, el festejo, la alegría (así sea artificial o exagerada), individualidad y en donde todos son tratados como iguales. Además, los espectadores pueden llegar a sentir horror y morbo por este espectáculo del tabú que se encuentra fuera de su alcance.

Por último, la imagen está centrada en la idea de la individualidad y la soledad. Por esta razón, se hace énfasis en el aislamiento de un sujeto que siente lo insoportable e incomodo que es estar atrapado en este ambiente. Ello genera que este tenga una actitud de desespero y angustia.

Referencias Bibliográficas

Bernestein & Andriulli. Photographes Erwin Olaf. Bernestein & Andriulli. http://www.ba-reps.com/photographers/erwin-olaf (consultada por última vez el 3 de Febrero de 2015)

 

EJERCÍCIO 2: REVERSA DE VIDEO

El ejercicio consiste en un análisis conceptual y estético de un medio audiovisual con el fin que el estudiante entienda el origen del concepto, su contexto y los aspectos estéticos comunicacionales imbricados en la complejidad de este medio.

A partir de la investigación deben aprender sobre los autores, músicos y colaboradores de la obra con el fin de detectar los posibles referentes, los autores u obras con una base estética similar, tanto en el discurso o poética como en los elementos formales que la componen.

Posteriormente crean mapas conceptuales y moodboards con el fin de reconstruir el imaginario del autor dentro de una aplicación asignada que tiene como fin poner en prueba la profundidad analítica alcanzada desde la investigación y la capacidad de re-conceptualizar dentro de otro contexto y fin desde un montaje en un espacio físico. Este montaje trae al estudiante al universo de la práctica, ejercitando su capacidad de la gestión material de las propuestas elaboradas utilizando y optimizando de forma recursiva técnicas de producción y montaje.

Video

The writing’s on the wall – Ok Go https://youtu.be/m86ae_e_ptU

Aplicación: Ilusionismo para Amantes

Video

Nostalgia For Nature – Hugo Arcier https://vimeo.com/60676069

Aplicación: Invernadero Biotecnológico

Video

Rainbow Narcosis- Jonathan Monaghan https://vimeo.com/58827100

Aplicación: Turismo multidimensional

 

Reversa de video – Documento 1

El documento de reversa/ análisis del video debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso. Sin embargo, desde la portada, la gráfica y la composición visual, debe tener claramente los elementos estéticos del material analizado y un lenguaje de diseño coherente.

El documento deberá ir organizado de la siguiente manera:

Índice con número de páginas.

Introducción. Esta introduce qué video/autor/director(es) investigó y las preguntas claves que se planteó para analizarlo. Qué herramientas metodológicas utilizó, esperando encontrar qué. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. A partir de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos (narrativa, espacio, temáticas, vestuario, utilería, iluminación, música) seleccionen y articulen unos mapas visuales y conceptuales que, según usted articulan los elementos clave del video. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético. (Recuerden citar la bibliografía consultada en pié de página, según cada caso, citen también las imágenes al pié de cada imagen)

Referentes. Desde lo conceptual, formal hasta lo técnico en todas sus combinaciones. (No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen. Cómo afectan la intención del video estudiado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos. (Recuerden citar cada imagen.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el video y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por el autor. Soporten todo lo que menciona en palabras con imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del video que contribuyen con la narrativa/ poética del autor.

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el material estudiado, identifiquen intenciones del autor que, en principio, no parecían evidentes y dejen en claro lo que aprendieron con la investigación.

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página a la Bibliografía ó referencias web en general)

Aplicación y montaje – Documento 2

El documento sobre la aplicación y el montaje a partir del video debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso. Sin embargo, desde la portada, la gráfica y la composición visual, debe tener claramente los elementos estéticos del material analizado y un lenguaje de diseño coherente.

Recuerden citar la bibliografía consultada en pié de página, según cada caso, citen también las imágenes al pié de cada imagen

El documento deberá ir organizado de la siguiente manera:

Índice con número de páginas.

Introducción. Esta introduce qué video/autor/director(es) investigó relacionándolos el análisis a la aplicación y la elaboración de su concepto para el montaje. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. A partir de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos (narrativa, espacio, temáticas, vestuario, utilería, iluminación, música) desarrollen sobre el concepto elaborado por ustedes según la aplicación. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético.

Referentes. A partir de la aplicación citar los referentes más importantes analizados así como los nuevos referentes que sean pertinentes y su relación con el concepto elaborado para el montaje. Los referentes debe tener en cuenta los aspectos conceptuales (sobre la idea), formales (cómo y con qué elementos se comunican esta ideas) y técnicos (de que forma se resuelve esta comunicación de ideas) en todas sus combinaciones. No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen y como afectan la intención del concepto elaborado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el montaje y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por ustedes. Soporten y justifiquen todo lo que mencionan desde imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un nuevo moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del video que contribuyen con la narrativa/ poética del concepto del montaje.

Procesos. Muestren paso a paso a través de la documentación de su proceso (fotos de los materiales, maquetas, pototipos, bocetos etc.) como elaboraron el montaje y la relación de cada uno de los elementos que lo componen explicando los recursos usados que responden al análisis realizado y con que elementos. Dejando en evidencia cómo responden técnicamente la elaboración de los elementos formales que son coherentes con el concepto elaborado.

Photoshoot y video. Muestren las imágenes de su entrega final de la mejor manera posible, con cuantas imágenes sean necesarias, de preferencia grandes y desde muchos ángulos, distancias y detalles de su proyecto. Poner en el documento un link del video realizado ya cargado a Youtube o Vimeo (con todos los créditos necesarios, sobretodo si ponen música de algún autor)

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el proceso elaboración del montaje y su relación con el video analizado. Identifiquen los aciertos y errores, que cambiarían con el fin de mejorar la experiencia y coherencia de su montaje según su concepto ( lo que quieren comunicar)

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página a la Bibliografía ó referencias web en general)

PROYECTOS: REVERSA DE VIDEO

Love is Blind

Lina María Avila / SebastiánCabal /Ma. Andrea González /Ricardo Ladino/ Ana María Zuluaga

Video: The writing´s on the wall, OK GO
Aplicación: Ilusionismo para amantes
¿Amor ciego?

Cuando el amor invade se ve lo bueno,

lo lindo, lo que enamora y lo que hechiza.

Cuando el amor se va, se ve el vacío, la monotonía, lo que desencanta y desilusiona.

Pero, ¿qué es el amor sino un encuentro

de miradas?

Un encuentro de miradas en donde se desencuentran los sentimientos y las personas…

De pronto el amor no sea ciego, ni conformista;

Tal vez el amor es selectivo, ya que sólo se ve desde el punto de donde se quiera ver…

Se ve todo impecable, sin mancha alguna cuando se ve desde la ceguera de la ilusión.

Se ve hasta la más mínima falla cuando el velo cae de la mirada del amante.

El amor es también lo que el amante quiera ver.

Por ejemplo, ¿qué importa más? ¿el físico o los sentimientos?

Para unos será indispensable cómo se ve, a qué huele, a qué sabe…

Para otros lo que piense, lo que dice, lo que calla…

Para otros muchos lo que importa es lo cercano que llegue a estar de todas las virtudes.

Todo depende de dónde decidas hacerte el ciego.

Si te paras en la esquina ves lo blanco;

El querer, el quedarte, el quererte quedar.

Lo hermoso,

Y al contrario: lo negro

de huir, de romper, de matarse.

Si te paras en el centro no ves nada,

O si bien ves urgencias.

Urgencias sin coherencia

De amar, pero no amarlo todo.

De irse, pero no irse lejos.

De olvidar, pero sólo a ratos.

De caminar, pero no a su lado.

De quitarlo todo, o sólo lo necesario.

De leer, pero sólo algunos párrafos.

De pronto al final el amor no sea ciego;

De pronto el amor sea sólo urgente.

Urgente cuando la urgencia misma nos llama

Nos enreda, nos enamora

Urgente cuando la urgencia misma nos engaña

Nos menoscaba, nos lleva a nada

Y nos hace dudar de ella misma.

Nos hace ciegos de la urgencia y nos deja igual que al principio

Sin nada y urgidos de saber

¿Cuándo hacer del amor

un sentimiento ciego?

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Video del proyecto: https://www.youtube.com/watch?v=3DqQZV8TxMo&feature=youtu.be

Reversa de video – Documento 1:

http://issuu.com/mariaandreagonzalez2/docs/manual_reversa1

Aplicación y montaje – Documento 2:

http://issuu.com/mariaandreagonzalez2/docs/manual_subir_issuu_3a218b1435203b

 

Carlos José Celis /Camila Barrera /Sergio Cabrera /Daniel Marin /Laura Lemus

Nostalgia For Nature – Hugo Arcier

Aplicación: Invernadero Biotecnológico

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Video del proyecto: https://www.youtube.com/watch?v=W3BgrSx5hGE

Flickr Fotos: https://www.flickr.com/gp/carlosjosecelis/szm86Z

Reversa de video – Documento 1:

http://issuu.com/carlosjosecelis/docs/nostalgia_for_nature

Aplicación y montaje – Documento 2:

http://issuu.com/carlosjosecelis/docs/issuuinvernadero

 

María Magdalena Díaz/ Andrés Felipe Saab /Juliana Sánchez/ Juan Antonio Soto/ Gabriela Villar

Video: Rainbow Narcosis – Jonathan Monaghan

Aplicación: Turismo Multidimensional

 Viaje multidimensional

El individuo, aburrido y desilusionado por la simplicidad de la vida moderna, decide convertirse en un viajero quien está en busca de estímulos que le ayuden a encontrarse a sí mismo. Al hacer uso del simulador, el viajero tiene la posibilidad de ver frente a sus ojos elementos que son extraídos directamente de su subconsciente, confrontándolo con las diferentes dimensiones que lo componen, deshaciéndose en la dicotomía de lo real y lo virtual. Sin poder predecirlo, el viajero visualiza su reflejo en los recuerdos abstraídos de forma idílica, esbozando la imagen que expone frente a otros sobre los elementos que componen quien es en realidad. Sin embargo, para realizar este tipo de viaje el viajero debe cumplir con ciertos requisitos impuestos por las mismas condiciones extremas que representa el proceso de catarsis que son: despojarse de su ancla a tierra (los zapatos) y poder así abrir un canal para poder portar el núcleo de conexión artificial (la corona).

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Vídeo del proyecto: https://www.youtube.com/watch?v=E531XQ2v2gM

Fotos en Flickr: https://www.flickr.com/photos/133608404@N04/sets/72157653454079056

Reversa de video – Documento 1:

Aplicación y montaje – Documento 2:

 

EJERCÍCIO 3: DIRECCIÓN CREATIVA APLICADA A CONTEXTO REAL

El ejercicio 3 de Estudio 5: Dirección Creativa, tiene como objetivo que los estudiantes a partir de la investigación de un contexto real en particular relacionado a productos y/o servicios específicos logren realizar análisis que den cuenta de los usuarios y sus universos tangibles e intangibles relacionados a un dominio específico y sus referentes. La profundidad del análisis les debe proporcionar elementos y datos importantes para la creación de un proyecto de Dirección Creativa que les de elementos cargados de profundidad, sensibilidad y experiencias memorables a los usuarios relacionadas a conceptos bien construidos que den cuenta de los aspectos comunicacionales, semióticos y perceptuales investigados.

Deben presentar un primer documento de análisis de audiencias y del dominio implícito apuntando a un brief del proyecto a ser propuesto. Posteriormente deben materializar la propuesta en un espacio de 6m2 que de cuenta del análisis realizado y de los conceptos creados reflejados experiencial y estéticamente. Posterior al montaje deben realizar un segundo documento que de cuenta de la relación del análisis inicial a los referentes relacionados al concepto y a los procesos de materialización aplicados a la dirección creativa del proyecto.

 Análisis de Top Down y Bottom Up

Diseñar profesionalmente nos exige relevancia y sentido de oportunidad. El imperativo de innovar, activar las capacidades humanas y lograr un equilibrio sustentable. Así pues, un problema de diseño no solo debe ser resuelto (problem solving) , sino también definido (problem setting). Los presupuestos sobre una situación han de ser cuestionados y re-visitados de primera mano con una mirada creativa y atenta.

Las empresas y organizaciones no actúan en mercados abstraídos de su contexto social: Operan en un tiempo y territorio definidos, bajo el influjo de la cultura y las dinámicas creadas por actores e intereses diversos. Enfrentar la incertidumbre en un entorno exigente y competido demanda una estrategia sensible al contexto, creatividad que aúne talento y conocimiento, capacidad para crear valor.

En ese orden de ideas, las aplicaciones obedecen a un dominio. Es importante entender un dominio a partir de dos perspectivas que convergen –top down y bottom up- y complementan instrumentos de investigación. Es también una manera de poner en diálogo la dinámica social macro con la cotidianidad de sus actores. El diseño centrado en los seres humanos confía en la sensibilidad e ingenio de las personas. Pone por delante no solo su bienestar, sino el sentido e identidad con el que impregnan sus vidas. Es por ello que los métodos de diseño son ante todo, modos de involucrar creadores y audiencias en torno al proyecto, maneras de revelar a la luz potenciales en forma de ideas.

Para entender un dominio, hay que hacerlo inteligible sin sacrificar la riqueza y complejidad de la observación y la información disponible. Es por ello crucial la capacidad de organizar y sintetizar visualmente los datos de observación e indagación. El estudio debe hacerse con investigación de primera mano tanto como sea posible. Las fuentes secundarias deben ser validadas por el equipo de trabajo. El resultado debe ser una comprensión suficiente y estimulante de un dominio definido.

Top down: Las dinámicas que descienden de instituciones y acciones a nivel macro, e impactan la vida de las personas, frecuentemente de manera unidireccional o muy asimétrica. Así tenemos:

Tendencias: Tecnología / sociedad / entorno. Visión prospectiva de los futuros posibles y deseables. Los aspectos Culturales, estéticos y tecnológicos potencian este entorno. ¿Tienen las marcas de los competidores una estética y un discurso a nivel de branding claro y posicionado? ¿Qué los diferencia de los demás? ¿tienen sus productos/experiencias una estética definida? ¿Con qué referentes?

Mercado: Ofertas y relaciones de competencia en el espacio económico relevante al dominio. Qué ofrecen, para qué lo ofrecen, con qué atributos. ¿Tiene un diferencial estético importante?

Propuesta de valor: Es la forma característica en que la organización ofrece solución a las demandas de su clientela. Ésta forma es distintiva y permite sobresalir en el mercado. ¿Cómo es el panorama de propuestas de valor imperante en el dominio? ¿Cómo presenta esta propuesta? ¿Dónde sucede? ¿Se vincula a alguna tendencia macro? ¿Tiene ciclos? ¿Qué buscan a nivel de percepción? ¿Tiene alguna narrativa o no? ¿Qué referentes estéticos tiene? ¿Qué inspiraciones? ¿Dónde se resaltan más? ¿Dónde, en cambio, están ignorados o minimizados?

Bottom up: Las dinámicas que emergen de la agencia, -capacidad de las personas de actuar y provocar cambios en función de sus propios valores y objetivos, y movilización de las personas, frecuentemente de manera espontánea o por organización gradual. Así, tenemos:

¿Quiénes / dónde? Personas involucradas: roles y perfiles. Ecología social: Relaciones y acciones entre las personas y el entorno, mensajes y artefactos abarcados.

¿Qué? Necesidades y deseos, expectativas y percepciones de las personas, expresados tanto tácita como explícitamente.

¿Cómo? Experiencia existente, estudiada por medio de observación, inmersión y participación.

(David De Los Reyes)

Análisis Top Down/ Bottom – Documento 3

Recordar

El documento debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso.

Realizar una versión web en issuu.com del documento

El índice debe contener los números de las páginas de cada capítulo

La bibliografía consultada debe estar en orden alfabético al final del documento

Citar de forma organizada y correcta todas las fuentes consultadas y las imágenes mostradas.

Describir no es lo mismo que analizar.

Análisis Top Down

Deben demonstrar el análisis de forma completa y profunda de la institución en todas sus esferas (El museo como tal, Medio del Arte e instituciones aliadas y el entorno físico) con imágenes, explicaciones y sobretodo las conclusiones relacionadas a cada parte del análisis realizado. (recuerden que POINTS les puede servir para reforzar el análisis y las conclusiones relacionadas).

Bottom Up

Deben demonstrar el análisis de forma completa y profunda de la audiencia y sus perfiles en todas sus esferas con imágenes, explicaciones y sobretodo conclusiones relacionadas a cada parte del análisis realizado. (recuerden que POINTS les puede servir para reforzar el análisis y las conclusiones relacionadas).

Reversa estética

Introducir qué artista investigó y las preguntas claves que se planteó para analizarlo. A partir de los referentes, así como las inspiraciones definir el concepto de la obra teniendo en cuenta su lenguaje estético. Analizar a estos referentes, y precisar qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen con la obra y cómo afectan la intención del artista construyendo el lenguaje estético propuesto por el autor. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes relevantes que soporten sus argumentos de forma selectiva e sintética. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del artista que contribuyen con la narrativa/ poética del autor.

Brief (s)

Recuerden que a partir de los análisis del dominio institucional y su audiencia directa e indirecta deben dejar en evidencia el análisis basado en los problemas y necesidades, los insigths y las oportunidades encontradas y el tema en el cual se enfocarán. Deben realizar un encargo coherente y basado en las conclusiones del análisis realizado de forma detallada lo suficiente para que lo puedan responder de manera eficiente con una propuesta de diseño desde la dirección creativa.

Propuesta(s)

A partir del encargo del brief(s) deben proponer la resolución del proyecto de la forma más detallada e ilustrada posible desde la dirección creativa creando una experiencia significativa con una propuesta de valor que responda al análisis del dominio de la institución y audiencia. La propuesta debe contener un marco conceptual definido basado en algún aspecto de la reversa del artista invitado. Se debe enriquecer la propuesta con los referentes estéticos (conceptuales, formales y técnicos) bocetos y moodboard que dejen en claro lo que piensan hacer.

Propuesta y Montaje – Documento 4

Recordar

El documento debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso.

Realizar una versión web en issuu.com del documento

El índice debe contener los números de las páginas de cada capítulo

La bibliografía consultada debe estar en orden alfabético al final del documento

Citar de forma organizada y correcta todas las fuentes consultadas y las imágenes mostradas.

Describir no es lo mismo que analizar.

Introducción. Esta introduce qué dominio investigó relacionando el análisis de dominio y audiencia al análisis estético (conceptual y formal) y la ejecución de un concepto claro en el montaje. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. Definan la propuesta final de forma clara y coherente con la investigación realizada de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos. Desarrollen sobre el concepto elaborado por ustedes según el análisis de top down y bottom up versus el universo estético del “Artista invitado”. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético coherente al dominio y audiencia.

Referentes. A partir de la propuesta citar los referentes más importantes analizados así como los nuevos referentes que sean pertinentes y su relación con el concepto elaborado para el montaje. Los referentes deben tener en cuenta los aspectos conceptuales (sobre la idea), formales (cómo y con qué elementos se comunican esta ideas) y técnicos (de que forma se resuelve esta comunicación de ideas) en todas sus combinaciones. No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen y como afectan la intención del concepto elaborado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el montaje y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por ustedes. Soporten y justifiquen todo lo que mencionan desde imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos que hacen parte de la propuesta que contribuyen con la narrativa/ poética del concepto del montaje.

Procesos. Muestren paso a paso a través de la documentación de su proceso (fotos de los materiales, maquetas, pototipos, bocetos etc.) como elaboraron el montaje y la relación de cada uno de los elementos que lo componen explicando los recursos usados que responden al análisis realizado y con que elementos. Dejando en evidencia cómo responden técnicamente la elaboración de los elementos formales que son coherentes con el concepto elaborado.

Photoshoot y video. Muestren las imágenes de su entrega final de la mejor manera posible, con cuantas imágenes sean necesarias, de preferencia grandes y desde muchos ángulos, distancias y detalles de su proyecto. Poner en el documento un link del video realizado ya cargado a Youtube o Vimeo (con todos los créditos necesarios, sobretodo si ponen música de algún autor)

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el proceso de conceptualización, formalización y elaboración técnica del montaje así como su relación con el dominio y la audiencia analizados. Identifiquen los aciertos y errores, que cambiarían con el fin de mejorar la experiencia y coherencia de su montaje según su concepto (lo que quieren comunicar)

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página a la Bibliografía ó referencias web en general, citen todas las imágenes utilizadas así como el sonido que hace parte de su montaje)

PROYECTO FINAL

 Camper

Sebastián Cabal/María Magdalena Díaz/Juliana Sánchez/Gabriela Villar

 Camper: ¿a dónde quieres ir?

Viajar, más que una acción es un arte que va más allá del simple desplazamiento resultante en un cambio de ubicación. Incluso no resulta indispensable realizar movimiento físico alguno, para resultar inmerso en el más profundo de los viajes. Emprender un viaje mental alrededor de nuestro propio universo puede resultar igual de emocionante a recorrer el mundo que habitamos. Nuestras ideas, ilusiones, sueños, planes y expectativas se mueven a la par de nuestros pies al recorrer nuestras ciudades, campos, montañas, valles y playas.

El hombre es un ser inquieto. Ya sea un ser intelectual y pensante, estudioso y de mente inquieta, o un aventurero, activo y atrevido, este está en búsqueda de un constante movimiento que lo hace cada vez más curioso. La curiosidad nos mueve y el querer conocer lo aún desconocido nos lleva a pensar en recorrer el mundo. Llegar a lugares al otro lado del globo se convierte en una meta y al cumplirla surgen nuevos destinos con los que soñamos alcanzar.

CAMPER utiliza elementos que invitan al hombre a mantenerse en constante movimiento y en el descubrir de experiencias por medio de sus restaurantes, hoteles y en principio, de sus zapatos. La marca propone que al abrir una caja de zapatos CAMPER, no sólo se está descubriendo un producto; se está abriendo un universo de experiencias que el poseedor de los zapatos podrá vivir. A partir de este momento, los zapatos se convierten en el fiel compañero de rutinas y aventuras de a quien pertenecen.

Una caja de CAMPER al ser concebida como un universo, abierta es también la fuente de sueños, representados en aviones, que alzan su vuelo en diferentes direcciones alrededor del mundo. Muchos aviones representan muchas posibilidades, diferentes destinos y en cada uno de ellos una nueva experiencia. Para lograr un resultado interactivo del concepto se invitó a la audiencia a plasmar gráficamente su sueño en un papel, construir con él un avión y lanzarlo hacia un mapa del mundo, el cual tiene el mismo efecto que una fuente de los deseos bajo las creencias en donde la audiencia deposita el suyo propio. Bajo las creencias populares, los deseos manifestados ante una fuente son concevidos, pero junto a CAMPER la audiencia podrá proyectarse con ayuda de la suerte, el destino y la probabilidad en un lugar soñado o un nuevo destino maravilloso por conocer, así que… ¿A DÓNDE QUIERES IR?

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 Video del Proyecto: https://www.youtube.com/watch?v=WJfJM0EKrnw&feature=youtu.be

Documento Analisis Top Down/Bottom Up:

http://issuu.com/juliana90/docs/manual_camper_copia

Documento Dirección creativa:

http://issuu.com/gabbsvillarm/docs/camper

 

Jack Daniel’s Honey

Carlos José Celis /Sergio Cabrera /Daniel Marin /Ricardo Ladino/Laura Lemus /Camila Barrera

 Endulza tus Ideas.

Empezaba el nuevo siglo, una era llena de cambios pasaba y se avecinaba otra con muchos más. La pasión por el whiskey había traído a muchos extranjeros a Louisiana, en busca de la fórmula que los llevaría al cielo y los bajaría al mismo infierno de un sorbo.

Jack estaba orgulloso de su whiskey, jamás le faltó nada. Lleno de premios y trayendo prosperidad a su pueblo caminaba con el pecho ancho inflado a causa del famoso Old. No 7, la fórmula del éxito.

En una de sus caminatas por la fábrica, la vio. Era una hermosa mujer de color, estaba ayudando a lijar los barriles en los que se añejaría el whiskey. No pudo despegar su mirada de ella, a pesar de su color era atractiva y tenía la fuerza y la clase de una buena mujer blanca. Al terminar la jornada, no pudo evitar seguirla. Vivía lejos del pueblo, a las afueras, en un pequeño rancho rodeado de flores y pastos altos.

Al llegar a casa, esta mujer se volteó y le preguntó qué quería, al ver que lo enfrentaba, él quedó atónito. Bromhilda lo invitó a seguir a su rancho y le alcanzó un agua endulzada con miel. Al probarla, Jack volvió en sí. No era una miel cualquiera, sabía distinto. Después de esto, Jack se obsesionó por conocer el origen de ésta miel. Bromhilda le contó que tenía un panal de abejas cerca y en su familia habían usado por años la miel para diferentes usos: como endulzante, como cerrador de heridas, como alimento esencial en las papillas de los niños, también hacían tortas y les echaban miel por encima, incluso en sus baños usaban miel y a ella le atribuían su hermosa piel.

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Video del Proyecto:

https://www.youtube.com/watch?v=Xs19kPd0_aQ

Fotos en Flikr

https://www.flickr.com/photos/133397656@N03/

https://www.flickr.com/gp/carlosjosecelis/Bf6576

Documento Analisis Top Down/Bottom Up:

http://issuu.com/carlosjosecelis/docs/issuu_0668300db30e0f

http://issuu.com/carlosjosecelis/docs/issuu2

Documento Dirección creativa:

http://issuu.com/carlosjosecelis/docs/finalmanualweb

 

Apple: Collect Memories

La vida está llena de recuerdos, de emociones que vienen y van, que dejan marca en nosotros, de momentos que perduran en nuestro inconsciente, se los lleva el viento….pero un olor, una melodía, el sentir el calor del sol despiertan una reminiscencia y se viaja al pasado o el futuro, los sentidos enloquecen por verse enfrentados una vez más a aquellos momentos mágicos, inesperados o simplemente sucesos que se guardan como tesoros preciados en nuestro ser, flotan como sueños en forma de nube en el firmamento, en ese cielo azul o estrellado. Sin embargo esos recuerdos son efímeros, desaparecen en instantes, se disuelven como la espuma del océano, como tinta cristalina bajo un espejo de infinitud. Y así Apple se convierte en aquel vehículo capaz de realizar dicho viaje, de ser la llave detonante de aquel tesoro, capaz de liberar una explosión de emociones y recuerdos como fuegos artificiales tan solo con un click, sin importar el espacio o tiempo.

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Video del Proyecto:

https://www.youtube.com/watch?v=Fx1DTpkP8Aw

https://www.youtube.com/watch?v=CXLtmPbi53M&

Documento Analisis Top Down/Bottom Up:

http://issuu.com/andresfelipesaab/docs/manual_audiencia_apple/1

Documento Dirección creativa:

http://issuu.com/mariaandreagonzalez2/docs/manual_collect_memories_final

 

ESTUDIO 5 DIRECCIÓN CREATIVA – SECCIÓN 2 / 2014-2

December 2nd, 2014 by Karen Aune

DISE 2122-2 / Estudio 5 2014-2

Hora y Lugar

Miércoles y Viernes de 9:00 am. a 10:50 am Salón T-109

Profesor

Karen Aune: kaune@uniandes.edu.co

Intensidad

4 Horas en Clase + 8 Horas individuales por fuera – 4 Créditos

Dirigido a

Estudiantes Diseño.

 

ESTUDIO 5 DIRECCIÓN CREATIVA: SECCIÓN 2

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Moebius

 

Descripción del Curso:

El programa parte del concepto de Diseño Estratégico y establece puentes entre los ámbitos de la creatividad y los aparatos productivos. En otras palabras, se promueven las competencias de un diseñador estratega de modo que pueda enfrentar diversos contextos, aportando soluciones que son ideaciones estéticas que se articulan con un mercado. A lo largo del curso los estudiantes reconocen el valor, el contenido y la trayectoria cultural de un autor o de una manifestación estética desde la perspectiva de la dirección de arte, sintetizando sus conceptos visuales y produciendo estados del arte. Luego, a través de estudios de caso, construyen su pensamiento estratégico, formulando y ejecutando oportunidades de diseño traducibles a productos, servicios y/o experiencias con un lenguaje estético articulado y coherente, que tiene en cuenta las filiaciones estéticas de las audiencias.

 

Objetivos

La Dirección creativa busca afinar en el alumno la capacidad de construir conceptos estéticos, estableciendo balances entre los deseos de las personas, los entornos culturales y las dinámicas del mercado. El diseño aparece como generador de valor, como detonante de mecanismos de identidad, filiación y consumo, generando vínculos perceptuales que van más allá de la simple funcionalidad de un producto. Para tal efecto, junto a la capacidad de elaborar cartografías estéticas y visuales, es necesario que el alumno aprenda a conceptualizar estos procesos y a mirar las audiencias como receptoras y articuladoras de dinámicas culturales El curso busca formar un diseñador estratega que, con una mirada holística e interdisciplinaria, pueda interpretar, documentar, formular y ejecutar proyectos creativos en distintos ámbitos empresariales.

Metodología

El diseño es fuente de identificación, valor y filiación de audiencias, más allá de la funcionalidad de sus manifestaciones. La creatividad del diseñador se articula dentro del ámbito de fuerzas que actúan en un entorno de mercado. El director creativo articula estrategias, cataliza oportunidades, visualiza recursos culturales y proyecta estéticas que dialogan con audiencias específicas.

El programa tiene dos momentos fundamentales: en la primera fase, el alumno deconstruye productos culturales con una dirección de arte compleja, de modo tal que pueda entender los ejes culturales, perceptuales, visuales y sensibles que la subyacen. En otras palabras, aprende a hacer cartografías visuales y conceptuales, a producir referentes y estados del arte estéticos que, luego, aplica a un contexto de diseño articulado en torno a productos o servicios concretos. Una vez aprendidas estas herramientas, el alumno se concentra en estudios de caso reales: inmersos en un simulacro del mundo laboral, los estudiantes construyen propuestas que – con énfasis sus aspectos creativos y en la percepción de las audiencias – generan una estrategia sostenible en el mercado. Al final, la bocetación y prototipado de conceptos estéticos, su documentación y comunicación, las etnografías visuales, confluyen en un proyecto grupal de diseño que produce experiencias, servicios o productos conceptuales, entre otros.

 

PROGRAMA E5 2014-1

CRONOGRAMA

 

EJERCÍCIO 1: FOTO Y CONCEPTO

El objetivo del primer ejercicio de Estudio 5 : Dirección Creativa es la comprensión y apropiación de los diferentes lenguajes que se amalgaman en una imagen fija, con miras a entender que los diferentes aspectos que se imbrican en la dirección de arte y aplicarlos en un ejercicio dado. Para lo anterior, los estudiantes se enfrentan a una serie limitada de la obra de un autor contemporáneo. A partir la serie, escogen una imagen en torno a la cual articularán su trabajo.

La serie aporta constantes temáticas, conceptuales y formales que tipifican la producción de un autor. Se busca que los estudiantes entiendan este contexto, que es cultural y formal a la vez, para que localicen intereses y soluciones del fotógrafo, y su diálogo con su momento histórico, su discurso y poética. Una vez estudiada la serie, los estudiantes abordan el análisis de una serie de imágenes específica de un autor. Aquí se enfrentan a lo que se denomina reversa, es decir, a deconstruir cada imagen y el concepto para indagar la poética del autor, ubicando sus referentes – visuales y conceptuales – y sus soluciones formales y de contenido.

Se trata de que logren hacer cartografías de referentes, de formas y de conceptos que les permitan entender cómo la dirección de arte se apoya en un núcleo de intenciones e ideas, cuya traducción pasa por una intención creativa explícita o implícita. Los estudiantes agrupan y subdividen sus cartografías en conjuntos más pequeños, buscando conceptos subyacentes que serán relevantes y pertinentes, con toda una serie de un autor.

Una vez terminada la reversa, los estudiantes pasan a una fase propositiva. Dicho en una analogía, es como si asumieran la piel del autor y tuvieran la intención de producir otra pieza de la serie. El sentido acá es subrayar la pertinencia de un encargo. Se busca que los estudiantes tengan la capacidad de conjugar un mosaico de herramientas estéticas y analíticas con un requerimiento dado. Esta nueva imagen debe tener un alto nivel de dirección de arte, debe resultar idónea y corresponder al objetivo del ejercicio que, en este caso, busca proponer otra pieza que pueda habitar la serie original.

No se trata de copiar al autor, o de replicar alguna de sus imágenes: los estudiantes construyen una imagen nueva en todas sus fases productivas a partir de referentes claros. Teniendo desagregados los diferentes ejes de la dirección de arte, están en capacidad de proponer una solución creativa diferente, que tiene una intención comunicativa cuyos lenguajes estéticos son elaborados y que, a la vez, se ajusta a los límites mismos del autor que la reversa estableció.

El cierre de la entrega es una imagen y un texto cuya dirección de arte se apoya en concepto claro, con una forma y una técnica idóneas, que proyecta un contenido pertinente respecto a los lineamientos que la gestaron.

 

Investigación:

Realizar una investigación formal y conceptual desde los referentes de la series fotográficas seleccionadas por ustedes según el Autor asignado.

Definir y presentar los referentes directos e indirectos formales y conceptuales de la serie

Definir y presentar los elementos inspiración que componen la serie

 

Realizar un texto sobre el concepto y /o discurso del Autor asignado teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la serie investigada. (máximo 500 palabras)

 

Fotógrafos:

Eugenio Recuenco

David La Chapelle

Greg Crewdson

Erwin Olaf

Daniela Edburg

Sandy Skoglund

Marcos López

Yasumasa Morimura

Pierre Et Gilles

 

Planeación:

Realizar bocetos desde dibujos, fotografía, collage etc. que den cuenta de organizar y comunicar el proceso creativo y los elementos a ser usados para la reconstrucción del imaginario del autor a través de una nueva imagen que haga parte de la serie investigada.

 

Presentación:

Realizar una imagen fotográfica que se entienda como parte de la serie investigada y un texto que de cuenta del concepto elaborado en la imagen, siempre teniendo en cuenta lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la imagen realizada. (Máximo 500 palabras) (identificada con el nombre de los estudiantes)

 

Impresa:

  • Imprimir una imagen realizada por ustedes en formato A3 (297 x 420 mm) en papel fotográfico, identificada con el nombre de los integrantes del grupo en la parte de atrás (sin retablar).
  • Imprimir en una formato carta 4 imágenes representativas de la serie, identificada con el nombre de los integrantes del grupo en la parte de atrás (sin retablar).
  • Imprimir en formato carta el texto de concepto (máximo 500 palabras). En el hoja del texto debe ir: nombre de los estudiantes del grupo, titulo de la imagen creada por ustedes, nombre del autor original de la serie, titulo de la serie original y año.

 

Dropbox

Cargar en una carpeta identificada con el nombre de los estudiantes:

  • La Imagen realizada por ustedes en formato JPG (72 dpi 15 x 10 cm aprox./no más de 500KB)
  • Una imagen representativa de la serie original en formato JPG (72 dpi 15 x 10 cm aprox./no más de 500KB)
  • documento Word (máximo 500 palabras) con el texto de concepto. En el hoja del texto debe ir: nombre de los estudiantes del grupo, titulo de la imagen creada por ustedes, nombre del autor original de la serie, titulo de la serie original y año.

 

PROYECTOS: FOTO Y CONCEPTO:

 

Elena Etter y Verónica Posada – Imagen creada: One strawberry jam cookie

Autor: Sandy Skoglund – Serie original food series ‘78

Peas and carrots on a plate

Sandy Skoglund

One strawberry jam cookie

Elena Etter y Verónica Posada

 

En de una exploración que gira constantemente alrededor de la línea que divide realidad/ficción y natural/artificial, la artista norteamericana Sandy Skoglund (1946) ha ido construyendo el cuerpo fotográfico que compone su obra. Desde sus primeros trabajos, Skoglund ha buscado criticar la cultura norteamericana, llevada por el consumismo y la superficialidad. Luego de un acercamiento al medio de la fotografía en 1974, cuatro años después empieza una serie que trata sobre comida con el fin de poder crear un vínculo con el público, siendo éste un lenguaje común a todos. Así, Skoglund elabora meticulosamente puestas en escena en donde entran en juego elementos comestibles y superficies artificiales, sugiriendo una mímesis entre éstos. Según la artista, la comida se ha convertido en algo perteneciente al dominio de lo artificial, siendo manipulada por los humanos para su transporte, exhibición y venta. De esta manera indaga en el tema de las apariencias, haciendo que el espectador reflexione en cuanto a lo que cree que ve y lo que en realidad está viendo. Paralelamente, Skoglund está hablando implícitamente del ritual de comer, entendiéndolo de dos maneras: como una necesidad básica o como un ritual. Éste último implica una ceremonia y celebración del acto de comer y por lo tanto incluye diversos componentes además de la comida, elementos que la fotográfa ha incorporado en sus fotos, como platos y manteles.

 

En “One strawberry jam cookie” buscamos resaltar esta línea difusa entre lo artificial y natural, continuando además con la crítica de Skoglund hacia el inmediatismo de los alimentos. Por un lado, la galleta, a pesar de ser un alimento elaborado con ingredientes “naturales”, denota manipulación por su apariencia física. De esta manera, toca la línea de lo artificial. Por el otro, el fondo, aludiendo a las servilletas, presenta un patrón gráfico que se asemeja al del plato y a su vez al de la galleta. Así, se sugiere la artificialidad por medio de la similitud entre el alimento y la superficie, y la pérdida que ha tenido el acto de comer como ritual a causa del inmediatismo y no preparación previa de los alimentos. Se crea una composición de colores, patrones y texturas que hace que estos tres elementos parezcan uno sólo. Entran en juego dos realidades con la intención de llevar al espectador al límite y reflexionar acerca la naturaleza del alimento. Qué tan natural es un alimento que se integra de tal manera con un fondo enteramente superficial y qué puede significar dicha mímesis en un producto tan cotidiano son las dos líneas principales que se exploran.

 

Alejandra Díaz y Camila Durán – Imagen creada: Referee

Autor: Erwin Olaf – Serie original: Rouge (2005)

 

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Erwin Olaf

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Alejandra Díaz y Camila Durán

 

Erwin Olaf, fotógrafo nacido en Hilversum, Holanda en 1959. Desde sus inicios en el mundo de la fotografía, Olaf ha generado polémica por el contenido atrevido de sus imágenes, tanto a nivel estético como por su contenido simbólico. En sus series se ve reflejada una alta influencia del mundo de la pintura, y el cine, especialmente de los años 70; tanto en su uso preciso de los colores como en la composición meticulosa de cada escenario. Esto ha llevado a que Olaf se convierta en el director de sus fotografías, instalaciones y cortometrajes que acompañan a cada serie, convirtiéndolas así en una experiencia completa para el espectador. “You should make your own story as a viewer even if you don’t know me at all”.

 

La serie seleccionada para trabajar fue Rouge (2005) la cual está compuesta por cuatro fotografías y un cortometraje. Estos transmiten un mensaje fuerte y algo ambiguo pues no se consigue captar una narrativa tan clara como en otras de sus series, sin embargo por esta misma razón lleva al espectador a volar en su propia fantasía. Está marcada por una estética “queer” mezclada con algunos elementos del cliché sadomasoquista, esto llevado al mundo del fútbol, logrando así una unión entre estos imaginarios aparentemente tan lejanos. El caos, la confusión y las diferentes máscaras que tienen los seres humanos, especialmente en la comunidad gay, se materializan en las poses de los jugadores, sus vestuarios, forma de jugar fútbol, el hambre por succionar la esencia del personaje de la mujer y la constante oscilación entre la masculinidad y la feminidad.

 

En Rouge se ven varios referentes claros, tanto desde la perspectiva social como desde el arte. Escenas de la película Carrie (1976) y Clockwork Orange (1971) saltan a la mente a primera instancia, junto con la violencia, la vanidad y el narcisismo que existe en el mundo del fútbol. Trascendiendo de lo literal cuando verdaderamente se logra captar un esbozo de la crítica que hace Olaf a la sociedad, de un mundo de máscaras, las cuales destapa a medias en la serie.

 

Referee nació de la idea de agregar un personaje más a todo este juego, la posición de juez haciendo una analogía a la crítica social. Esta fotografía busca seguir la línea de los contrastes y las máscaras mostrando la crítica social, por medio de la transformación de un personaje que comúnmente tiene el poder, quien se encuentra sufriendo una represión tanto sexual como emocional. El maquillaje es brusco y hace alusión las pinturas que llevan los hinchas en los partidos de fútbol, el cual contrasta con los movimientos finos y definidos del modelo. El vestuario muestra por un lado el poder de la figura del arbitro y el látigo se utiliza para denotar el dominante en una relación sadomasoquista, sin embargo las medias de encaje y la pose nos transportan a una estética “queer”, chocando con la imagen de poder e invocando así la ironía de Olaf con un mensaje de ¿quién tiene realmente el poder?

 

Bibliografía

Olaf, Ewrin. “Photography without same.” Travel&Events. iFlytv KLM Royal Dutch Airlines . KLM, Amsterdam: 16 Apr. 2012. Television.

“STUDIO ERWIN OLAF.” STUDIO ERWIN OLAF. N.p., n.d. Web. 6 Aug. 2014. <http://www.erwinolaf.com/#/biography/>.

 

Isabella Domínguez y María Paula González – Imagen creada: Dony Donuts

Autor: Marcos López – Serie Original: Pop Latino (1996-2010)

 

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Marcos López

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Isabella Domínguez y María Paula González

 

Marcos López es un reconocido fotógrafo argentino. Su trabajo se basa en retratar la identidad latinoamericana, buscando resaltar su esencia por medio de lo que él llama “La textura del subdesarrollo”. En su serie “POP Latino”, lo vemos evidenciado a través de situaciones que reflejan el ideal de progreso de una cultura subdesarrollada, con el uso de sátira e ironía. López se autodenomina el “Andy Warhol criollo” , debido a su influencia del arte Pop Americano, del cual toma elementos como el consumismo. Junto a este utiliza el Kitsch, como crítica social, intentando exaltar la identidad latina frente al imperialismo americano.

 

Al observar la serie “POP Latino”, encontramos elementos de la vida social y paisajes urbanos, que nos transportan de inmediato a una Latinoamérica influenciada por la globalización y la cultura americana. El fotógrafo rescata situaciones en un contexto “natural”, que logran evidenciar el refinamiento de lo popular. Retrata así un mundo único, que es a la vez lúcido e inocente, y en cuyas “escenas las figuras y objetos más ejemplares siempre parecen estar tensos o ligeramente mal ubicados: incómodos.” Se podría decir que su trabajo tiene un carácter documental, pues fotografía las particularidades del pueblo, para poner sobre la mesa aquellos estereotipos que él llama “texturas del subdesarrollo”. En este contexto, una “textura” quiere decir: el punto delicadísimo en que lo social deja de ser una materia bruta, sólo digna de ser, y empieza en cambio a mirarse, a pensarse, a representarse con un incipiente, tímido, modesto espesor estético.”” . Así, López retrata la tristeza del no progreso. Sin embargo, lo hace de la mano de la alegría del pueblo latino, usando el humor y la parodia como herramientas claves para criticar y exaltar la belleza melancólica de una cultura que no conecta sus dolores e imperfecciones.

 

Dony Donuts es una fotografía creada a partir de la serie “POP Latino”, que busca comunicar lo mismo que los retratos de López. Para ello, decidimos recuperar elementos de la vida diaria del centro de Bogotá. Lugar en el que abundan situaciones que evidencian cómo la cultura latina ha buscado apropiar o reinterpretar la cultura popular americana, con el afán de conseguir ese tan anhelado “progreso”.

 

En este caso, el principal componente de la foto es la dona, símbolo importante de la cultura americana. Si bien en sus inicios comenzó como una dulce merienda, pasó a representar la industrialización y la producción en masa, gracias a empresas como Dunkin’ Donuts. En la foto se evidencia el deseo de moldear nuestra cultura a tal desarrollo, al falsificar una idea innovadora para esperar que funcione de la misma manera que la original. Al utilizar una fuente y colores similares a los de Dunkin’ Donuts, el colombiano “criollo” busca erróneamente alcanzar el “progreso”. Inocentemente cree que copiando lo norteamericano logrará dejar atrás el subdesarrollo que lo agobia. Es así cómo encontramos el concepto que gira alrededor del “Pop Latino” de López, en donde se busca rescatar estas situaciones de inocente ignorancia, para exaltar lo bello de ellas, esa “textura subdesarrollada” que las vuelve únicas.

 

Juan Sebastián Cortes y Harold Julián García – Imagen creada: Los Dementes

Autor: Yasumasa Morimura – Imagen Original: Los Nuevos Caprichos (2004)

 

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Juan Sebastián Cortes y Harold Julián García

 

Yasumasa Morimura es un artista y fotógrafo japonés postmodernista que se destaca por ser uno de los más importantes representantes del apropiacionismo en la actualidad. Morimura tiene una gran fijación por los autorretratos, por lo que la mayoría de sus obras son representaciones hechas por él mismo. Morimura crece durante la postguerra en Japón, caracterizada por la penetración e imposición de la cultura occidental, lo que influye fuertemente en su estilo pues apropia en sus obras iconos de la historia del arte, medios de comunicación y cultura popular que a menudo son importantes representaciones del mundo occidental. Sus obras, que giran en torno al entendimiento del concepto de identidad (muchas veces impuesto), tratan temas de trascendencia como género, nacionalidad y raza, al igual que su manejo dualista, logrando cuestionar constantemente al espectador.

Una de sus series más recientes es la reconocida Los Nuevos Caprichos en la que Morimura rinde un homenaje a uno de los pintores más celebres de la historia: Francisco de Goya. La serie de la que Morimura se apropia es la muy reconocida Los Caprichos, publicada en 1799. Esta serie de grabados representan una sátira a los problemas y dificultades presentes en la sociedad de la época. De esta manera Goya caricaturiza y detalla temas como abusos de la Iglesia Católica, pedofilia, prostitución, y juego de la superstición de la gente en una época de revolución y terror. La importancia y reconocimiento de estos grabados radica en que era la primera vez que un artista hacia uso de sus obras como un medio para comentar y criticar aspectos de la sociedad.

Morimura se basa en muchos de los grabados de esta serie y, reinterpretándolos, generan un contexto que combine la modernidad con el de otras épocas. De esta manera, Morimura busca hacer comentarios sobre la situación actual de la política, el asentamiento de las guerras, los problemas de género y las disparidades económicas, más fuertes que nunca, presentes en la aldea global. Como es habitual, Morimura satiriza en sus obras por lo que, haciendo uso de colores con tonos y contrastes fuertes, sus fotografías resultantes adquieren cierto tono caricaturesco.

Uno de los grabados sin reinterpretar fueron Las Chinchillas, mediante el cual Goya pretende mostrar literalmente cómo la ignorancia alimenta a la sociedad, y ésta se entrega a la holgazanería cerrando por completo su entendimiento. Bajo esta perspectiva, Los Dementes, una reinterpretación al estilo de Morimura, refleja centralmente a la superstición y como ésta, si no se detiene, transforma las creencias de la gente en algo tenebroso. En la foto predomina un aire de misterio y superstición, sensaciones que predominaron en el siglo XIV, una época donde la medicina moderna apenas iniciaba. Bajo una figura tangible, la superstición transforma a todos aquellos que, sumidos en su ignorancia, no presentan oposición alguna, llevándolos a la completa demencia. Todo se centra a un entorno que, lleno de tinieblas y desesperanza, vive lleno de caos.

 

Laura María Trujillo y María Emilia Uribe – Imagen creada: Death by Nuts

Autor:Daniela Edburg – Serie original Drop Dead Gorgeous (2005 – 2007)

 

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Daniela Edburg

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Laura María Trujillo y María Emilia Uribe

 

Daniela Edburg es una artista estadounidense con raíces mexicanas, nacida en el año 1975. Estudió licenciatura en artes visuales en la Academia San Carlos de la universidad UNAM en Ciudad de México. Edburg en un principio hace su énfasis en la parte de pintura, sin embargo, se dio cuenta que lo que no podía expresar através de la pintura, lo podía lograr por medio de la fotografía. Así empezó a realizar diversas series en las cuales toma situaciones cotidianas con elementos que hacen que estas fotografías se tornen en escenas perversas pero a la vez satíricas.

La serie Drop Dead Gorgeous fue realizada entre 2005 y 2007. En sus 17 fotografías, muestra la muerte (o los últimos instantes) de varias mujeres a causa de productos de consumo corriente que aparentan ser inofensivos, como Nutella o colorante para el cabello. Edburg pretende resaltar con esta serie, es la manera en que este tipo de productos suelen ser tan importantes en la sociedad de consumo, que solemos caer en su dependencia. Vale la pena aclarar que aunque la artista deja ver en algunas de sus fotografías una cierta crítica a la superficialidad del consumo, lo que quiere mostrar es una imagen con escenas sumamente trágicas combinadas con una ironía del consumo que se deja entrever todos los días. Este elemento es importante ya que además de darle un tono de sátira al mensaje, logra atraer la atención del público gracias a la recordación de los productos y referencias.

 

Según entrevistas, Edburg desde pequeña tuvo un interés particular por la muerte, y esto se convirtió con el tiempo en un referente visual y conceptual muy fuerte en la realización de sus obras. Ya fuera como las escenas retratadas acá, montajes con desastres premeditados (Killing Time) o una crudeza más poética (The Remains of the Day), se abarca el concepto desde un perspectiva cargada de una ironía mordaz y representación satírica.

 

“Death by Nuts” fue el título que le dimos a la fotografía que realizamos. Decidimos utilizar las nueces como elemento principal porque puede ser entendido desde múltiples significados. Primero, es la histeria y el drama femenino, el cual termina catalogando al género por locas. “Nuts” en inglés, es el slang que abarca una connotación sexual y finalmente, referencia a las alergias provenientes de las nueces. Para hacerlo más mordaz y atrayente al público, junto a una revista Playgirl, llenamos una bañera de maní salado corriente, en la cual la protagonista se sumerge para dar fin a su vida gracias a la alergia que posee a este producto, una acción de histeria y de locura.

Para continuar con el estilo de la artista, tomamos un referente para desarrollar la estética de nuestra protagonista. Escogimos a Margot Tenenbaum, una de las protagonista de The Royal Tenenbaums(2001) dirigida por Wes Anderson. Tomando su maquillaje, su peinado y su bañera, vinculamos nuestra fotografía a un director conocido por la ironía con la que llega a representar conceptos (tan serios como la muerte) en sus conocidos largometrajes.

 

Laura Zapata y Daniel Jiménez – Imagen creada: Reflex

Autor: David LaChapelle – Serie original: Vox Populai(2002)

 

Cell Phone Life

David LaChapelle

Reflex

Laura Zapata y Daniel Jiménez

 

“Lo visual es un idioma. Debemos hablar al mundo. Ser pop. Pop como en vox pópuli, la voz del pueblo y para el pueblo”

 

LaChapelle transmite a través de esta serie de fotografías diferentes maneras de ver y retratar la superficialidad como una especie de iconografía. Cristaliza referentes y objetos que van de la mano con la cultura popular y (mediante el carácter sexual de los modelos y la intensidad y brillo de los colores usados) los traduce en retratos explícitos de una sociedad hedonista y extravagante. Más que por una narrativa concreta, las imágenes en esta serie están unidas por un aspecto estético esencial: la plasticidad de su producción. LaChapelle logra poner en evidencia su estilo plástico y artificial haciendo que la imagen se asemeje a un collage de Richard Hamilton o de Jeff Koons y potencia estas características estallando el color y los brillos en las imágenes que componen esta serie.

La serie completa esta compuesta de once fotos y cada una lleva un título que hace referencia al aspecto formal o conceptual que condensa la idea de superficialidad: Cellphone Life, Celebrity Gleam y Secrets of the Bourgeoisie son algunos de los títulos que encabezan la serie.

El elemento común que genera una cohesión en la serie es un objeto que semánticamente va de la mano con el título de la misma: un celular. LaChapelle usa el celular como imagen retórica para hacer énfasis en el concepto de “voz popular”. Todas sus imágenes se comunican a través de este objeto y hacen referencia a él como en una especie de publicidad de alto contenido sexual que evidencia la mezcla entre estereotipos de belleza socialmente aprobados y elementos populares que resaltan la superficialidad y el consumismo.

 

La nueva pieza que creamos para esta serie se titula “Reflex”. Decidimos seguir jugando a crear un nuevo símbolo que contuviera formas de superficialidad en una imagen acorde con la estética plástica de LaChapelle, creando así una fotografía que integrara el referente popular e icónico de belleza plástica que representa el muñeco Ken y conjugándolo con el cuerpo de un hombre que se mantuviera dentro de los cánones de belleza masculina. Tomamos entonces la idea hedonista del reflejo (como un momento de vanidad y apreciación de la apariencia propia) con la intención de acentuar el concepto de superficialidad, y logramos contener todos estos aspectos recurriendo al “espejo” de mano que refleja la cara de Ken y al uso del fondo, que hace referencia literal al título de la imagen y ayuda a que la nueva pieza se incorpore visualmente a la serie.

 

Felipe Rojas Pérez y Laura Camila Vargas –Imagen creada: Blindless love

Autor: Eugenio Recuenco – Serie original: The house of trouble

 

The House Of Trouble

Eugenio Recuenco

FotoFinal

Felipe Rojas Pérez y Laura Camila Vargas

 

En 1968 nace en España Eugenio Recuenco, un reconocido fotógrafo que se destaca por su versartilidad y habilidad para transformar espacios en ambientes que cuentan historias; usa referencias de sus estudios en arte, escenografía y dirección con las que obtiene resultados que mezclan cine, literatura y pintura; su trabajo no solo materializa un pensamiento o una historia, sino que la enriquece y la adapta a las circunstancias con los elementos perceptuales y conceptuales, por esto cada foto permite articular narrativas y contar una historia por sí sola.

Como fotógrafo de moda, ha trabajado para marcas como Carolina Herrera, Nina Ricci y revistas como Madame Figaro y Vogue. Para esta última, realizó una serie de fotografias en la edición de Vogue Novias, donde realizó un homenaje a dos exponentes del cine mudo europeo: Louise Brooks y Buster Keaton, referenciando la película The Balloonatic co-dirigida por Keaton. La serie tomó el nombre de “The house of trouble” como analogía a una escena de la película y a la vida de ambos actores; las fotografías recrean escenas icónicas del cine mudo en donde se resalta la atracción que el protagonista siente hacia la mujer, la femme fatale, encarnada por Jennifer Pugh.

Blindless love surge de la narrativa creada a partir de la serie, si bien las fotografías no tienen un orden, por medio de elementos técnicos y connotacionales se puede articular una historia y encontrar el momento que falta por retratar: el instante en el que los personajes se conocen. A partir de esto se crea una nueva fotografía teniendo como objetivo el primer encuentro de estos personajes, el inicio de su historia.

La fotografía se compone de dos personajes, la femme fatale y el enamorado; ella es consciente de su belleza y sabe que no debe esforzarse por demostrarlo, él por el contrario es un intelectual en busca de inspiración, la mujer; para él, la atracción es instantánea, y cuando sucede se vuelve sumiso. Los elementos formales de los personajes son objetos que recrean la época de los 20’s, el sombrero es la marca característica del hombre, el elemento que se ve presente durante la serie y lo identifica; el color del vestido connota cierta inocencia perversa que es realzada por los accesorios de la mujer.

La disposición de la luz busca darle protagonismo a la mujer, el claroscuro pretende hacer que los personajes se vean iluminados desde un punto superior, haciendo énfasis en el elemento trágico de la escena y permitiendo que resalte la belleza, las facciones, los gestos llamativos y provocativos y la teatralidad que ambos personajes evocan. En cuanto a la conexión de los personajes la femme fatale controla la escena mientras que el hombre busca ofrecerle fuego para sus cigarros, ella le resta importancia y muestra aires de diva haciendo que el hombre se interese cada vez más en ser aceptado, evento que finalmente se da y por el cual ocurren los sucesos que Recuenco presenta en la serie original, siendo Blindless love la pieza final del rompecabezas.

 

Maria Alejandra Amaya y Maria Paula Rodríguez – Imagen creada: Le plaisir de l’ouest

Autores: Pierre et Gilles – Serie original: Les plaisirs de la forêt (1996)

 

Les plaisirs de la foret

Pierre et Gilles

Le plaisir de l'ouest

Maria Alejandra Amaya y Maria Paula Rodríguez

Pierre et Gilles son dos franceses que trabajan juntos y tienen una relación amorosa desde 1976. Pierre es un fotógrafo y representa la idealización, mientras que Gilles es pintor y brinda el toque realístico a las fotos, logrando que sea difícil diferenciar lo real de lo ficticio en sus obras. Para ellos, no existe la jerarquía de género sin embargo, perciben de manera diferente la belleza de los hombres y las mujeres; mientras que uno es una belleza terrenal, capaz de despertar lujuria la otra es una belleza inalcanzable, abstracta. Su trabajo, junto con el de Robert Mapplethorpe y Robert Gober, claros referentes de sus fotografías, hacen parte de las expresiones gays, que varias veces han sido tildadas como pornográficas y obscenas.

Su trabajo se caracteriza por escenarios oníricos, escenas homoeróticas, y el deseo de resaltar los modelos con características del mundo “queer”; exaltando los atributos de belleza masculina. Los escenarios que los rodean crean imágenes típicas de la cultura popular gay y clichés, mostrando una nueva cara de ellas para transformar el imaginario colectivo que se tiene construido. En varias de sus fotos, se observa un aire kitsch ya que se juntan distintas influencias, estéticas y temáticas como los ornamentos del barroco, imágenes religiosas, y representaciones mitológicas. Los modelos, la parte central de sus fotos, aunque no pertenecen a ningún estereotipo racial, si responden a un cánon de belleza de cuerpos delgados y tonificados, mostrándolos como dioses que existen para ser admirados y enaltecidos.

La ambigüedad y los contrastes son características importantes, pues Pierre et Gilles son conscientes de la dualidad del mundo, como lo santo y lo profano, lo fantástico y lo real, el dolor y el placer. Éstas se contraponen en sus fotos, creando una atmósfera incierta en donde el espectador puede darle su interpretación propia.

Se escogió la serie “Les Plaisirs de la forêt” (1996) pues hay una tensión fuerte entre distintos contrastes. La ambigüedad está presente en el lugar mismo, pues el bosque representa la naturaleza pero se asocia con lo mágico, inspira miedo pero también confianza para guardar secretos. Es un lugar que invita a los personajes a desatar sus placeres y hacerlos realidad en un ambiente incierto y misterioso que alberga distintas historias. En la serie, distintos actores personifican los placeres de manera provocativa y reveladora, haciéndose cuestionar si realmente se quieren ocultar o no dentro del bosque.

En “Le plaisir de l’ouest” se escogió como figura central a un vaquero, un ícono y cliché de la cultura americana y de la cultura gay. De esta manera, los espectadores lo perciben como algo conocido, sintiéndose cómodos al apreciarlo y de crear una historia a partir de sus propios pensamientos. Se conserva el escenario natural del bosque pero con un toque fantástico característico de la serie, para crear un ambiente divino, reforzando la imagen de deidad que tiene el modelo. Este vaquero es otro de los placeres del bosque porque su presencia, valiente y fuerte, le permite sentirse cómodo y estar inmerso en él, dispuesto a despertar deseos y aceptar cualquier situación que su entorno le propicie.

 

EJERCÍCIO 2: REVERSA DE VIDEO

El ejercicio consiste en un análisis conceptual y estético de un medio audiovisual con el fin que el estudiante entienda el origen del concepto, su contexto y los aspectos estéticos comunicacionales imbricados en la complejidad de este medio.

A partir de la investigación deben aprender sobre los autores, músicos y colaboradores de la obra con el fin de detectar los posibles referentes, los autores u obras con una base estética similar, tanto en el discurso o poética como en los elementos formales que la componen.

Posteriormente crean mapas conceptuales y moodboards con el fin de reconstruir el imaginario del autor dentro de una aplicación asignada que tiene como fin poner en prueba la profundidad analítica alcanzada desde la investigación y la capacidad de re-conceptualizar dentro de otro contexto y fin desde un montaje en un espacio físico. Este montaje trae al estudiante al universo de la práctica, ejercitando su capacidad de la gestión material de las propuestas elaboradas utilizando y optimizando de forma recursiva técnicas de producción y montaje.

 

Videos

 

Dye: She’s Bad – Dent de Cuir

Aplicación: Esencia salvaje

 

Make Your Maker – Lucy McRae

Aplicación: Bio cosmética nuclear

 

Aspire – Strictua (Madrid Fashion Film Festival)

Aplicación: Ego-reciclaje

 

Bjӧrk: Mutual Core – Andrew Thomas Huang

Aplicación: Joyería Tectónica

 

Reversa de video – Documento 1

El documento de reversa/ análisis del video debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero  se aceptan variaciones según cada caso. Sin embargo, desde la portada, la gráfica y la composición visual, debe tener claramente los elementos estéticos del material analizado y un lenguaje de diseño coherente.

El documento deberá ir organizado de la siguiente manera:

 

Índice con número de páginas.

 

Introducción. Esta introduce qué video/autor/director(es) investigó y las preguntas claves que se planteó para analizarlo. Qué herramientas metodológicas utilizó, esperando encontrar qué. Cuál es el objetivo de su documento.

 

Concepto.

A partir de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos (narrativa, espacio, temáticas, vestuario, utilería, iluminación, música) seleccionen y articulen unos mapas visuales y conceptuales que, según usted articulan los elementos clave del video. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético. (Recuerden citar la bibliografía consultada en pié de página, según cada caso, citen también las imágenes al pié de cada imagen)

 

Referentes.

Desde lo conceptual, formal hasta lo técnico en todas sus combinaciones. (No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen. Cómo afectan la intención del video estudiado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos. (Recuerden citar cada imagen.

 

Inspiraciones y/o elementos formales.

Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el video y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por el autor. Soporten todo lo que menciona en palabras con imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

 

Moodboard.

Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del video que contribuyen con la narrativa/ poética del autor.

 

Conclusiones.

Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el material estudiado, identifiquen intenciones del autor que, en principio, no parecían evidentes y dejen en claro lo que aprendieron con la investigación.

 

Referencias bibliográficas y filmográficas.

Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página  a la Bibliografía ó referencias web en general)

 

Aplicación y montaje – Documento 2

El documento sobre la aplicación y el montaje a partir del video debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso. Sin embargo, desde la portada, la gráfica y la composición visual, debe tener claramente los elementos estéticos del material analizado y un lenguaje de diseño coherente. Recuerden citar la bibliografía consultada en pié de página, según cada caso, citen también las imágenes al pié de cada imagen

El documento deberá ir organizado de la siguiente manera:

Índice con número de páginas.

Introducción. Esta introduce qué video/autor/director(es) investigó relacionándolos el análisis a la aplicación y la elaboración de su concepto para el montaje. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto.

A partir de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos (narrativa, espacio, temáticas, vestuario, utilería, iluminación, música) desarrollen sobre el concepto elaborado por ustedes según la aplicación. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético.

Referentes.

A partir de la aplicación citar los referentes más importantes analizados así como los nuevos referentes que sean pertinentes y su relación con el concepto elaborado para el montaje. Los referentes debe tener en cuenta los aspectos conceptuales (sobre la idea), formales (cómo y con qué elementos se comunican esta ideas) y técnicos (de que forma se resuelve esta comunicación de ideas) en todas sus combinaciones. No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen y como afectan la intención del concepto elaborado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos.

Inspiraciones y/o elementos formales.

Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el montaje y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por ustedes. Soporten y justifiquen todo lo que mencionan desde imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard.

Realicen un nuevo moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del video que contribuyen con la narrativa/ poética del concepto del montaje.

Procesos.

Muestren paso a paso a través de la documentación de su proceso (fotos de los materiales, maquetas, pototipos, bocetos etc.) como elaboraron el montaje y la relación de cada uno de los elementos que lo componen explicando los recursos usados que responden al análisis realizado y con que elementos. Dejando en evidencia cómo responden técnicamente la elaboración de los elementos formales que son coherentes con el concepto elaborado.

Photoshoot y video.

Muestren las imágenes de su entrega final de la mejor manera posible, con cuantas imágenes sean necesarias, de preferencia grandes y desde muchos ángulos, distancias y detalles de su proyecto. Poner en el documento un link del video realizado ya cargado a Youtube o Vimeo (con todos los créditos necesarios, sobretodo si ponen música de algún autor

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el proceso elaboración del montaje y su relación con el video analizado. Identifiquen los aciertos y errores, que cambiarían con el fin de mejorar la experiencia y coherencia de su montaje según su concepto ( lo que quieren comunicar)

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página a la Bibliografía ó referencias web en general)

 

PROYECTOS: REVERSA DE VIDEO

 

Laura María Trujillo – María Alejandra Amaya -María Emilia Uribe – María Paula Rodríguez – J. Sebastian Cortés

Biocosmética Nuclear / A partir de: Make your Maker de Lucy McRae

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La cosmética constantemente está buscando redefinir los límites del cuerpo, busca prolongar la etapa más bella pero efímera del ser: la juventud; luchando así con la vejez de la humanidad, que envuelve y consume lentamente a las personas desde el exterior hacia su interior, para dejar una carcasa marchita a la cual solo le espera la muerte. Entonces, es lógico buscar por algún medio escapar de este nefasto destino. La mayoría de seres se rinden y esperan lo inevitable, pero hay algunos bastante obstinados que están dispuestos a desafiarlo.

En esta lucha siempre se está buscando el cuerpo perfecto, mientras se fortalece y se complementa con la tecnología, con una especie de aparato que lo acerque cada vez más a lograr su cometido.

El núcleo de las plantas, de la materia experimental, de todas las cosas vivas ofrecen alternativas poco convencionales que podrían funcionar en esta batalla mientras se extraen de ellos todos sus beneficios y poderes que nutren el alma del humano. Estos procedimientos, que parecen imposibles de replicar no requieren de un lugar muy sofisticado, es una tecnología que cualquier valiente podría apropiar, pero a la vez es misteriosa y prohibida, pues la vejez es inminente e invade sin excepciones.

Por esto todos los procesos están ocultos, pues son tan preciados que se tornan íntimos, ahora son una extensión y una nueva parte de la vida de cada ser. Así por medio de la experimentación y la extracción nuclear se crea una síntesis cuyo resultado es El Elixir que es capaz de desafiar los procesos biológicos que parecen ser invencibles. ¿Cómo crearlo? Muy simple: volviendo a lo esencial, a lo natural, al hombre, a la célula y al núcleo. La vejez engañada actuará en un nuevo cuerpo, siempre hay otros, otros que no poseen la fórmula para combatirla. Ahora no hay nada que le recuerde al hombre que sus días están contados y podrá llegar a la hora de su muerte habiendo prolongado su estado más bello y puro del ser.

 

Manual reversa video:

http://issuu.com/j.sebastiancortes/docs/make_yor_maker_final_part_eins

http://issuu.com/j.sebastiancortes/docs/make_yor_maker_final_part_deux

 

Manual Aplicación:

http://issuu.com/j.sebastiancortes/docs/biocosmetica_nuclear/0

 

Video del montaje:

https://www.youtube.com/watch?v=YdlgCu8q9Xs&feature=youtu.be 

 

Isabella Domínguez – Maria Paula González- Verónica Posada – Elena Etter

Joyería Tectónica/Núcleo Precioso/ A partir de: Mutual Core, Björk

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El movimiento de las placas tectónicas, su cohesión y su unión no son muy diferentes a la interacción de dos individuos. El ir y venir de las placas moldea, distorsiona y modifica el territorio, haciendo que esté en constante cambio. Teniendo un carácter imprevisible, trae resultandos sorprendentes y que en poco tiempo logran llegar a su grado máximo de plenitud. De la misma manera, una relación es inesperada pero fructífera. Las relaciones humanas son también cambiantes y sin pensarlo generan elementos, además de poderosos, preciosos para sus poseedores. Siempre al final se habrá formado un núcleo común difícil de romper.

Una joya no es más que el resultado de una interacción. En la joya podemos encontrar algo preciado, con un significado, y cuya creación no fue fortuita, que de una u otra manera genera sentimientos en el individuo que la posee. Las geodas, piedras formadas por la lava volcánica, contienen en su morfología misma eso que podemos asociar a la concepción de joya. Son unas piedras que, si bien aparecen como rocas común y corrientes por fuera, al ser diseccionadas descubren un mundo completamente nuevo, poblado de cristales y formaciones geométricas. De esta manera, podemos afirmar que la ‘joyería’ la encontramos más allá de un objeto de valor. Es algo que, sin la necesidad de serle atribuido el valor de precioso, lo tiene. Al igual que las relaciones, las geodas son inesperadas y ponderosas.

Así, en /núcleo precioso/ quisimos representar la unión de estos elementos. El movimiento, el ir y venir que paulatinamente genera éste núcleo. Al llegar a éste, nace la joya, elemento preciado, inesperado y eterno. La joya como resultado de una explosión pero de una oposición al mismo tiempo. La instalación se presenta como un elemento que transporta al espectador, conectándolo con sus joyas personales.

 

Manual reversa video:

http://issuu.com/mpaulag/docs/b_j____r_k_issuu

 

Manual Aplicación:

http://issuu.com/elenaetter/docs/manual_n__cleo_precioso/0

 

Video del montaje:

https://www.youtube.com/watch?v=0gP-wOJFRc0&list=UUJbAvXYGsetFWzkCZK4cX0Q

 

 

Alejandra Díaz – Camila Duran – Laura Vargas – Felipe Rojas

Ego-reciclaje/ A partir de: Aspire, Strictua

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La mente humana, alberga la complejidad del ser con sus facultades, deseos y normas, estos son los fragmentos del ser que rigen la conducta y la manera en que un individuo reacciona ante ciertas situaciones.

La fusión armónica de estos fragmentos, dan como resultado la forma en que se constituye nuestra identidad. Más allá de ese equilibrio que rige, se despliega un mundo desconocido lleno de misterio en donde existen pulsiones e instintos que fundamentan las decisiones que nos hacen ser quienes somos. Cuando se decide entender de dónde proviene la armonía que permite este equilibrio, se comienza un acto introspectivo, una travesía en la que se conoce a sí mismo y a través de este auto reconocimiento se logra renacer.

Entonces el ser brilla por sí mismo y llega a entender por lo que realmente es, reconociéndose a través de su descomposición, donde un sin fin de elementos yuxtapuestos se unen para funcionar como parte de un todo. Se logra aspirar a ser algo más, a destacarse por lo que se es realmente y a partir de esto influenciar a los demás.

 

Manual reversa video:

http://issuu.com/c.duran1889/docs/manual_montaje2/0

 

Manual Aplicación:

http://issuu.com/c.duran1889/docs/aspire

 

Video del montaje:

https://www.youtube.com/watch?v=RXORqQh-_V8

 

 

Laura zapata – Melisa Plata – Juliana Gaviria – Daniel Jiménez – Harold García

Esencias salvajes / A partir de Dye: She’s Bad – Dent de Cuir

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“El poder de la seducción y la brutalidad propia de una mente calculadora y fría se conjugan en una sintonía violenta para crear el medio con el cual justifican el acto salvaje de asesinar: esencias extraídas de hombres. La mujer en su papel de venus atrae y fija a sus presas para arrebatarles su elemento mas puro y reafirmar su ego, construyendo una taxonomía macabra que justifique y enaltezca el esplendor de la belleza física. Aquí el fin justifica los medios.”

 

Manual reversa video:

http://issuu.com/laurazapata6/docs/digital

 

Manual Aplicación:

http://issuu.com/laurazapata6/docs/manual_aplicaci__n

 

Video del montaje:

http://youtu.be/tD3aS2ZvWFo

 

EJERCICIO 3: FINAL

 

El Dominio a ser analizado durante este semestre será el de las Artes Plásticas, teniendo como campo de estudio los espacios institucionales de gran importancia en la Ciudad de Bogotá como el complejo Cultural del Banco de la República y el Museo Nacional. A ambos espacios se dará una exposición (ficticia) de un Artista Invitado: Olafur Eliasson en el Banco de la República y El Bosco en el Museo Nacional, los “invitados” funcionan como una restricción al proyecto con el fin de direccionar los análisis estéticos con relación al evento conectándolos a los análisis de top down y bottom up.

A partir de esta investigación, el estudiante debe realizar un brief que direccione la propuesta de forma coherente a lo investigado. El brief y la propuesta se entregarán en el marco de la licitación y el análisis completo de dominio, audiencia y del universo estético del “Artista invitado” se entregará en un documento.

La segunda etapa del proyecto consiste en poner en práctica la propuesta como tal, elaborando su resultado a ser presentado en un espacio físico dando cuenta de los aspectos conceptuales y formales y técnicos de la propuesta como un todo, elaborado de forma coherente al análisis del dominio y de la audiencia.

En esta etapa, se realizará un segundo documento que de cuenta de toda la investigación estética realizada conectada al primer análisis así como todo el proceso de conceptualización, formalización, elaboración técnica del montajey su documentación final.

 

Análisis de Top Down y Bottom Up

Diseñar profesionalmente nos exige relevancia y sentido de oportunidad. El imperativo de innovar, activar las capacidades humanas y lograr un equilibrio sustentable. Así pues, un problema de diseño no solo debe ser resuelto (problem solving) , sino también definido (problem setting). Los presupuestos sobre una situación han de ser cuestionados y re-visitados de primera mano con una mirada creativa y atenta.

Las empresas y organizaciones no actúan en mercados abstraídos de su contexto social: Operan en un tiempo y territorio definidos, bajo el influjo de la cultura y las dinámicas creadas por actores e intereses diversos. Enfrentar la incertidumbre en un entorno exigente y competido demanda una estrategia sensible al contexto, creatividad que aúne talento y conocimiento, capacidad para crear valor.

En ese orden de ideas, las aplicaciones obedecen a un dominio. Es importante entender un dominio a partir de dos perspectivas que convergen –top down y bottom up- y complementan instrumentos de investigación. Es también una manera de poner en diálogo la dinámica social macro con la cotidianidad de sus actores. El diseño centrado en los seres humanos confía en la sensibilidad e ingenio de las personas. Pone por delante no solo su bienestar, sino el sentido e identidad con el que impregnan sus vidas. Es por ello que los métodos de diseño son ante todo, modos de involucrar creadores y audiencias en torno al proyecto, maneras de revelar a la luz potenciales en forma de ideas.

Para entender un dominio, hay que hacerlo inteligible sin sacrificar la riqueza y complejidad de la observación y la información disponible. Es por ello crucial la capacidad de organizar y sintetizar visualmente los datos de observación e indagación. El estudio debe hacerse con investigación de primera mano tanto como sea posible. Las fuentes secundarias deben ser validadas por el equipo de trabajo. El resultado debe ser una comprensión suficiente y estimulante de un dominio definido.

Top down: Las dinámicas que descienden de instituciones y acciones a nivel macro, e impactan la vida de las personas, frecuentemente de manera unidireccional o muy asimétrica. Así tenemos:

Tendencias: Tecnología / sociedad / entorno. Visión prospectiva de los futuros posibles y deseables. Los aspectos Culturales, estéticos y tecnológicos potencian este entorno. ¿Tienen las marcas de los competidores una estética y un discurso a nivel de branding claro y posicionado? ¿Qué los diferencia de los demás? ¿tienen sus productos/experiencias una estética definida? ¿Con qué referentes?

 

Mercado: Ofertas y relaciones de competencia en el espacio económico relevante al dominio. Qué ofrecen, para qué lo ofrecen, con qué atributos. ¿Tiene un diferencial estético importante?

 

Propuesta de valor: Es la forma característica en que la organización ofrece solución a las demandas de su clientela. Ésta forma es distintiva y permite sobresalir en el mercado. ¿Cómo es el panorama de propuestas de valor imperante en el dominio? ¿Cómo presenta esta propuesta? ¿Dónde sucede? ¿Se vincula a alguna tendencia macro? ¿Tiene ciclos? ¿Qué buscan a nivel de percepción? ¿Tiene alguna narrativa o no? ¿Qué referentes estéticos tiene? ¿Qué inspiraciones? ¿Dónde se resaltan más? ¿Dónde, en cambio, están ignorados o minimizados?

Bottom up: Las dinámicas que emergen de la agencia, -capacidad de las personas de actuar y provocar cambios en función de sus propios valores y objetivos, y movilización de las personas, frecuentemente de manera espontánea o por organización gradual. Así, tenemos:

¿Quiénes / dónde? Personas involucradas: roles y perfiles. Ecología social: Relaciones y acciones entre las personas y el entorno, mensajes y artefactos abarcados.

¿Qué? Necesidades y deseos, expectativas y percepciones de las personas, expresados tanto tácita como explícitamente.

¿Cómo? Experiencia existente, estudiada por medio de observación, inmersión y participación.

 

Análisis Top Down/ Bottom – Documento 3

Recordar

El documento debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso.

Realizar una versión web en issuu.com del documento

El índice debe contener los números de las páginas de cada capítulo

La bibliografía consultada debe estar en orden alfabético al final del documento

Citar de forma organizada y correcta todas las fuentes consultadas y las imágenes mostradas.

Describir no es lo mismo que analizar.

 

Análisis Top Down

Deben demonstrar el análisis de forma completa y profunda de la institución en todas sus esferas (El museo como tal, Medio del Arte e instituciones aliadas y el entorno físico) con imágenes, explicaciones y sobretodo las conclusiones relacionadas a cada parte del análisis realizado. (recuerden que POINTS les puede servir para reforzar el análisis y las conclusiones relacionadas).

 

Bottom Up

Deben demonstrar el análisis de forma completa y profunda de la audiencia y sus perfiles en todas sus esferas con imágenes, explicaciones y sobretodo conclusiones relacionadas a cada parte del análisis realizado. (recuerden que POINTS les puede servir para reforzar el análisis y las conclusiones relacionadas).

 

Reversa estética

Introducir qué artista investigó y las preguntas claves que se planteó para analizarlo. A partir de los referentes, así como las inspiraciones definir el concepto de la obra teniendo en cuenta su lenguaje estético. Analizar a estos referentes, y precisar qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen con la obra y cómo afectan la intención del artista construyendo el lenguaje estético propuesto por el autor. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes relevantes que soporten sus argumentos de forma selectiva e sintética. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del artista que contribuyen con la narrativa/ poética del autor.

 

Brief (s)

Recuerden que a partir de los análisis del dominio institucional y su audiencia directa e indirecta deben dejar en evidencia el análisis basado en los problemas y necesidades, los insigths y las oportunidades encontradas y el tema en el cual se enfocarán. Deben realizar un encargo coherente y basado en las conclusiones del análisis realizado de forma detallada lo suficiente para que lo puedan responder de manera eficiente con una propuesta de diseño desde la dirección creativa.

 

Propuesta(s)

A partir del encargo del brief(s) deben proponer la resolución del proyecto de la forma más detallada e ilustrada posible desde la dirección creativa creando una experiencia significativa con una propuesta de valor que responda al análisis del dominio de la institución y audiencia. La propuesta debe contener un marco conceptual definido basado en algún aspecto de la reversa del artista invitado. Se debe enriquecer la propuesta con los referentes estéticos (conceptuales, formales y técnicos) bocetos y moodboard que dejen en claro lo que piensan hacer.

 

Propuesta y Montaje – Documento 4

Recordar

El documento debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero se aceptan variaciones según cada caso.

Realizar una versión web en issuu.com del documento

El índice debe contener los números de las páginas de cada capítulo

La bibliografía consultada debe estar en orden alfabético al final del documento

Citar de forma organizada y correcta todas las fuentes consultadas y las imágenes mostradas.

Describir no es lo mismo que analizar.

Introducción.

Esta introduce qué dominio investigó relacionando el análisis de dominio y audiencia al análisis estético (conceptual y formal) y la ejecución de un concepto claro en el montaje. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto.

Definan la propuesta final de forma clara y coherente con la investigación realizada de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos. Desarrollen sobre el concepto elaborado por ustedes según el análisis de top down y bottom up versus el universo estético del “Artista invitado”. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético coherente al dominio y audiencia.

Referentes.

A partir de la propuesta citar los referentes más importantes analizados así como los nuevos referentes que sean pertinentes y su relación con el concepto elaborado para el montaje. Los referentes deben tener en cuenta los aspectos conceptuales (sobre la idea), formales (cómo y con qué elementos se comunican esta ideas) y técnicos (de que forma se resuelve esta comunicación de ideas) en todas sus combinaciones. No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen y como afectan la intención del concepto elaborado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el montaje y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por ustedes. Soporten y justifiquen todo lo que mencionan desde imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard.

Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos que hacen parte de la propuesta que contribuyen con la narrativa/ poética del concepto del montaje.

Procesos. Muestren paso a paso a través de la documentación de su proceso (fotos de los materiales, maquetas, pototipos, bocetos etc.) como elaboraron el montaje y la relación de cada uno de los elementos que lo componen explicando los recursos usados que responden al análisis realizado y con que elementos. Dejando en evidencia cómo responden técnicamente la elaboración de los elementos formales que son coherentes con el concepto elaborado.

Photoshoot y video.

Muestren las imágenes de su entrega final de la mejor manera posible, con cuantas imágenes sean necesarias, de preferencia grandes y desde muchos ángulos, distancias y detalles de su proyecto. Poner en el documento un link del video realizado ya cargado a Youtube o Vimeo (con todos los créditos necesarios, sobretodo si ponen música de algún autor)

Conclusiones.

Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el proceso de conceptualización, formalización y elaboración técnica del montaje así como su relación con el dominio y la audiencia analizados. Identifiquen los aciertos y errores, que cambiarían con el fin de mejorar la experiencia y coherencia de su montaje según su concepto (lo que quieren comunicar)

Referencias bibliográficas y filmográficas.

Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página a la Bibliografía ó referencias web en general, citen todas las imágenes utilizadas así como el sonido que hace parte de su montaje)

 

PROYECTO FINAL

 

Harold García – Juliana Gaviria – Daniel Jimenez – Melisa Plata – Laura Zapata

Reyka

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Islandia es un país en el que el fuego volcánico y el hielo glaciar logran converger armónicamente dando lugar a un espacio único en riqueza geográfica, en el que sus cielos reflejan la magia de Escandinavia con su majestuosa Aurora Boreal y donde la noche puede ser tan fugaz como un respiro o tan extensa como el océano que la rodea.

 

En este pequeño paraíso natural, que renuncia a la penumbra tecnológica, emerge una sociedad a la que una recia piedra de volcán y un inmaculado brote de agua glaciar son suficientes elementos para crear obras dignas de la pureza de Odín y demás dioses Escandinavos. El espíritu del tesoro cultural vikingo innato de esta sociedad y la vasta geografía virginal de Islandia que los rodea, logrando relacionarse entorno y población de una manera simbiótica, han forjado al islandés como una persona única: inventiva, creativa y recursiva.

 

Grant & Sons, fieles a su gran repercusión en el mundo de las bebidas alcohólicas, ha logrado desde 2005 difundir por el mundo toda esa magia, unicidad y pureza innata de Islandia en un vodka Premium: Reyka. Esta bebida, hecha con agua proveniente de yacimientos glaciares -de las más puras del mundo-, tratada bajo un increíble proceso de filtración con piedra volcánica y mantenida bajo un sorprendente proceso de producción hecho con energía geotérmica es el reflejo de los legítimos valores del islandés.

 

Manual Top/Bottom:

http://issuu.com/laurazapata6/docs/reyka_reversa/0

 

Manual Dirección creativa/Montaje

http://issuu.com/julianagaviriabonilla/docs/manual_de_aplicaci__n_reyka

 

Video:

http://youtu.be/wWTytdVEWpI

 

Flickr

https://www.flickr.com/photos/129047971@N08/sets/72157649551394135/

 

 

Maria Paula González -Isabella Domínguez- Verónica Posada -Elena Etter

MUJI. Nothing, yet everything.

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La propuesta pretende dar al espectador sensaciones de ‘silencio’, ‘vacío’ y ‘nada’ a través del blanco. El blanco, como un no-color, se transforma en un símbolo de no-ser.

En la cultura japonesa el blanco se percibe como algo más que un color: es sólo el lenguaje que lo categoriza como esto. El blanco evoca la materialidad de los objetos, tiene un vínculo directo con palabras como silencio y vacío y también contiene en sí mismo valores espaciales y temporales.

Una hoja blanca de papel da sensaciones similares. Sin embargo, a la vez representa un mundo infinito de posibilidades de todo lo que ‘podría ser’. Todo empieza con una hoja blanca de papel: desde el diseño, hasta los materiales y el trasfondo de un objeto.

El montaje contiene los tres elementos básicos del arte zen representando el blanco y la forma: el proceso, por medio de la evidencia de un principio y un fin en la disposición del papel con relación al espacio; el gesto, por medio de la presencia del blanco y el gesto físico necesario para poder visualizar el horizonte que forman las hojas; y el silencio, mediante la simplicidad, el mono-tono y la minimización de texturas, además de la ausencia de sonido.

MUJI es a través de la propuesta en varios niveles. En primer lugar, en lo que representa ‘blanco’ como un color: sobriedad, limpieza y tranquilidad. En segundo lugar, el blanco, como símbolo de la ‘nada’, representa la simplicidad japonesa y esta ‘nada’ convertida en un ‘algo’ profundo, complejo y significativo. Y en último lugar en la hoja de papel está contenido el mundo infinito de productos MUJI.

 

Manual Top/Bottom:

http://issuu.com/elenaetter/docs/muji_imprimir_pdf

 

Manual Dirección creativa/Montaje

http://issuu.com/elenaetter/docs/muji_white

 

Video:

https://vimeo.com/112837803

 

 

Laura Camila Vargas – Alejandra Díaz- Camila Durán- Felipe Rojas

Glamour Oasis By Benefit cosmetics

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Evocando elementos del Miami de los años 50s-70s Glamour Oasis presenta un lugar aislado de la cotidianidad y monotonía que brilla ante los ojos de la mujer, la mujer Benefi¬t. Un lugar donde la excusa perfecta del cuidado personal se encuentra con el humor, la diversión y por supuesto el glamour. Brindando una vía de escape a la rutina diaria del contexto Bogotano, Benefi¬t muestra una experiencia de entretenimiento dónde la mujer es la protagonista. Es así como Glamour Oasis ofrece un evento multi vintage en el cual se presenta el maquillaje como una aliado para resaltar la belleza natural de la mujer y darle con esto un momento de relajación y placer.

 

Manual Top/Bottom:

http://issuu.com/feliperperez/docs/manualfinalbenefit1_667f3b46a1161f

http://issuu.com/feliperperez/docs/manualfinalbenefit2

 

Manual Dirección creativa/Montaje

http://issuu.com/camiladuransangiovanni/docs/benefitfinalr/0

 

Video:

https://www.youtube.com/watch?v=ucA8dfPx64M&feature=youtu.be

 

Flickr:

https://www.flickr.com/photos/129556884@N02/sets/72157649123364259/

 

 

 

 

ESTUDIO 5 DIRECCIÓN CREATIVA – SECCIÓN 3 / 2014-1

May 27th, 2014 by Karen Aune

DISE 2122-3 / Estudio 5 2014-1

Hora y Lugar

Miércoles y Viernes de 9:00 am. a 10:50 am Salón T-109

Profesor

Karen Aune: kaune@uniandes.edu.co

Intensidad

4 Horas en Clase – 8 Horas individuales por fuera – 4 Créditos

Dirigido a

Estudiantes Diseño.

 ESTUDIO 5 DIRECCIÓN CREATIVA – SECCIÓN 3

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Moebius

 Descripción del Curso:

El programa parte del concepto de Diseño Estratégico y establece puentes entre los ámbitos de la creatividad y los aparatos productivos. En otras palabras, se promueven las competencias de un diseñador estratega de modo que pueda enfrentar diversos contextos, aportando soluciones que son ideaciones estéticas que se articulan con un mercado. A lo largo del curso los estudiantes reconocen el valor, el contenido y la trayectoria cultural de un autor o de una manifestación estética desde la perspectiva de la dirección de arte, sintetizando sus conceptos visuales y produciendo estados del arte. Luego, a través de estudios de caso, construyen su pensamiento estratégico, formulando y ejecutando oportunidades de diseño traducibles a productos, servicios y/o experiencias con un lenguaje estético articulado y coherente, que tiene en cuenta las filiaciones estéticas de las audiencias.

Objetivos

La Dirección creativa busca afinar en el alumno la capacidad de construir conceptos estéticos, estableciendo balances entre los deseos de las personas, los entornos culturales y las dinámicas del mercado. El diseño aparece como generador de valor, como detonante de mecanismos de identidad, filiación y consumo, generando vínculos perceptuales que van más allá de la simple funcionalidad de un producto. Para tal efecto, junto a la capacidad de elaborar cartografías estéticas y visuales, es necesario que el alumno aprenda a conceptualizar estos procesos y a mirar las audiencias como receptoras y articuladoras de dinámicas culturales El curso busca formar un diseñador estratega que, con una mirada holística e interdisciplinaria, pueda interpretar, documentar, formular y ejecutar proyectos creativos en distintos ámbitos empresariales.

Metodología

El diseño es fuente de identificación, valor y filiación de audiencias, más allá de la funcionalidad de sus manifestaciones. La creatividad del diseñador se articula dentro del ámbito de fuerzas que actúan en un entorno de mercado. El director creativo articula estrategias, cataliza oportunidades, visualiza recursos culturales y proyecta estéticas que dialogan con audiencias específicas.

El programa tiene dos momentos fundamentales: en la primera fase, el alumno deconstruye productos culturales con una dirección de arte compleja, de modo tal que pueda entender los ejes culturales, perceptuales, visuales y sensibles que la subyacen. En otras palabras, aprende a hacer cartografías visuales y conceptuales, a producir referentes y estados del arte estéticos que, luego, aplica a un contexto de diseño articulado en torno a productos o servicios concretos. Una vez aprendidas estas herramientas, el alumno se concentra en estudios de caso reales: inmersos en un simulacro del mundo laboral, los estudiantes construyen propuestas que – con énfasis sus aspectos creativos y en la percepción de las audiencias – generan una estrategia sostenible en el mercado.  Al final, la bocetación y prototipado de conceptos estéticos, su documentación y comunicación, las etnografías visuales, confluyen en un proyecto grupal de diseño que produce experiencias, servicios o productos conceptuales, entre otros.

PROGRAMA E5 2014-1

CRONOGRAMA ESTUDIO5

 

EJERCÍCIO 1:  FOTO Y CONCEPTO

Investigación:

Realizar una investigación formal y conceptual desde los referentes de la series fotográficas seleccionadas por ustedes según el Autor asignado.

Definir y presentar los referentes directos del mismo género (Estado del arte)

Definir y presentar los referentes indirectos desde otros géneros (Referentes generales)

Definir y presentar las inspiraciones

Realizar un texto sobre el concepto y /o discurso del Autor asignado teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la serie investigada. (máximo 500 palabras)

 Fotógrafos:

Eugenio Recuenco

David La Chapelle

Nicholas Kahn & Richard Selesnick

Greg Crewdson

Erwin Olaf

Planeación:

Realizar bocetos desde dibujos, fotografía, collage etc. que den cuenta de organizar y comunicar el proceso creativo y los elementos a ser usados para la reconstrucción del imaginario del Autor a través de una nueva imagen que haga parte de la serie investigada.

Presentación:

Realizar una imagen fotográfica que se entienda como parte de la serie investigada y un texto que de cuenta del concepto elaborado en la imagen, siempre teniendo en cuenta lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la imagen realizada. (Máximo 500 palabras)

Foto (identificada con el nombre de los estudiantes)

Imprimir una fotografía realizada por ustedes en formato A3 (297 x 420 mm) en papel fotográfico.

Imprimir seis imágenes representativas de la serie distribuidas en un formato A4 (201 x 297 mm)

*No es necesario ponerle ningún soporte extra. (Recuerden refilar las fotografías)

Texto (identificado con el nombre de los estudiantes)

Imprimir en papel formato A4

Nombre de los estudiantes

Nombre del fotógrafo

Título de la serie

Título de la fotografía creada por ustedes

Concepto (máximo 500 palabras) Recuerden las reglas de ortografía dadas la primera clase.

CD (identificado con el nombre de los estudiantes)

Fotografía de los Estudiantes en formato jpg (72 dpi 15 x 10 cm aprox.)

Una fotografía representativa de la serie en formato jpg (72 dpi 15 x 10 cm aprox.)

Texto en un documento Word (máximo 500 palabras)

PROYECTOS: FOTO Y CONCEPTO:

Natalia Duque

A partir de la serie “Mars: Adrift on the Hourglass Sea” de Nicholas Kahn y Richard Selesnik

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Nicholas Kahn y Richard Selesnik

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Natalia Duque

Elefante Rojo (Hellas Planitia)

La estética hoy en día, especialmente la juvenil, está sumergida en influencias dada y surrealistas; sin embargo Kahn y Selesnick logran ir un paso más allá de lo meramente onírico y abren un espacio que permite crear mundos y construir narrativas que penetran en tiempos inexistentes. Ellos son unos artistas integrales que han logrado crear un estilo propio en sus obras, haciendo que estas parezcan todo menos fotografía, ya que llevan todo un proceso de instalación previo al momento de la captura, lo que permite ese aire fantástico en su trabajo, además del proceso de edición de cada una de las imágenes, dando la impresión de  que podrían ser pinturas mas que  fotos.

Sumado a las influencias de la estética vanguardista de principios del siglo XIV, se reflejan las expediciones realizadas por la revista National Geographic  en los años 20 y 30 al Tíbet, Lahsa y Nepal;. que para la época, permitían a occidente maravillarse con lo desconocido de oriente. También guardan una cercana relación con el chamanismo y las prácticas místicas que conducen a lo atemporal. Lo cual puede dar razón a esa mescla entre lo antiguo y lo nuevo para la creación de nuevos mundos en momentos históricos totalmente salidos de la realidad.

Una de las series más representativas de estos artistas es Mars: Adrift on the Hourglass sea , hecha en 2011 por pedido de la Nasa. Para estas fotografías utilizaron información real sobre Marte, creando cada foto pensando en un lugar geográfico de ese planeta. La serie trata principalmente la historia de dos mujeres que llegan a marte, lugar en el que tiempo atrás hubo alguna civilización, de la cual aún quedan rastros. Sin embargo, cada imagen tiene un concepto diferente y sin orden narrativo. Aun así, mantienen unidad ya que todas sirven como documental, manejan una paleta con colores tierra, ocres y un poco de azul, además de elementos que bien pasan de ser un fetiche (como el látex) a una representación extraterrestre. Logran efectos de nostalgia, lejanía y cercanía todo tan humano en un paraje tan remoto a lo humano.

En el caso de la fotografía Elefante Rojo (Hellas Planitia) más allá de buscar representar la estética y motivos recurrentes de Mars: Adrift on the Hourglass sea, me gusta pensar en Hellas Planitia (que es el punto más hondo de Marte, y al parecer fue causado por el impacto de un asteroide) como la primera cuna de la antigua civilización, algo así como África para nosotros. Imaginar que en este sitio habitaban sabios y hechiceros que moldeaban el paisaje a su antojo, remembrando algo cercano al alma humana. La nueva civilización convierte este sitio en el paraje del más allá. Considerando lo anterior, la imagen busca dar cuenta de la majestuosidad de la geografía sobre la estructura hecha y el peso de lo sagrado sobre los hombros del individuo.  Es un lugar sagrado, para reflexionar y recordar el pasado.

Laura Montenegro y Karem García

A partir de la serie “Land Scape” de David LaChapelle

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David LaChapelle

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Laura Montenegro y Karem García

Green City

David LaChapelle es un fotógrafo estadounidense que por medio del arte logra una reflexión y severa crítica al retroceso y degeneración que se observa en los íconos más representativos y contemporáneos del mundo, así como las devastaciones causadas por el modelo de civilización predominante. Cada trabajo de LaChapelle, logra ser completamente único con una narrativa propia y un contexto definido. Este recurso impactante que es constante en sus series, provoca un doble sentido entre el anhelo y el conformismo, la realidad y la ficción, la verdad disfrazada de mentira, la contradicción y la ignorancia de la humanidad frente a su cotidianidad.

Así nace la serie LAND SCAPE, como una representación de la infraestructura industrial y arquitectónica a nivel global de las redes de producción y distribución de petróleo. Presentando una estética ‘retro-futurista’ por sus colores, formas y más que todo por el uso de los materiales, mostrando grandes paisajes industriales. Toma como protagonistas de estas ciudades o industrias futuristas, materiales reciclados y no reciclados, desde cartón corrugado, rulos de cabello, latas de gaseosas y cartón de huevos, pero la crítica no estaría completa sin la inclusión de materiales realizados a partir del petróleo.

Los principales referentes de esta serie, son la temática ambiental, la preocupación por la destrucción de la capa de ozono y el impacto que tiene el calentamiento global en el mundo. Su trasfondo está directamente relacionado con el ámbito político, donde se generan disputas territoriales entre los gobiernos por la apropiación de yacimientos de petróleo y económico donde la dependencia que se ha generado y la cual sigue en constante aumento por los derivados que salen del petróleo, especialmente la gasolina, logra manejar y alterar la economía de los países.

Para crear Green City, se construyó una nueva industria de petróleo, tomando los referentes más representativos de la serie, los materiales, el color y los referentes de las diferentes refinerías en el mundo: Francia, España, Japón, Estados Unidos, Venezuela y Colombia.  Se buscó crear una ilusión óptica para el espectador, tomar el color plateado como una atracción de brillo con una mezcla de futurismo y el verde que en la fotografía posee un doble sentido, por un lado la naturaleza y por el otro desechos tóxicos nucleares. La iluminación a partir de luces LED permite dar más connotación de ciudad futurista por los colores blancos y brillantes, por la fuerza que transmiten los colores contrastados con la luz. Entendiendo las formas, funciones, ubicación y alrededores de las refinerías de petróleo, se logró una propuesta que encaja perfectamente con la serie estudiada, una mirada diferente del entorno en el que nos encontramos día a día y el cual ignoramos, un espejo de la pérdida de valores, del desinterés por el bien común, la frivolidad ante los desastres naturales, el exhibicionismo, en contraste con el  deterioro de nuestro entorno y la ceguera adquirida por el individualismo, el cual impide dimensionar los riesgos y la destrucción de la  humanidad.

Mariana Joya Aparicio, Nathalia Vecino Tello y Maria Camila Restrepo

A partir de la serie  “Twilight” de Gregory Crewdson

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Gregory Crewdson

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Mariana Joya Aparicio, Nathalia Vecino Tello y Maria Camila Restrepo

The Past Recedes

A continuación, se presentará un breve análisis visual basado en una de las series fotográficas del artista estadounidense: Gregory Crewdson. El presente texto se direcciona hacia la comprensión de las composiciones escénicas del artista dentro de un marco determinado, seguido por una descripción de nuestro trabajo dándole prioridad al universo en el que se encuentra inscrito el concepto que manejamos.

Crewdson, crea nuevas modalidades de lo misterioso que no son posibles en el mundo real. Rompe con lo tradicional, emplea colores y escenificaciones que remiten a lo siniestro, beneficiando sus intenciones por medio de la horizontalidad; la cual le concede prioridad al espacio y los acontecimientos allí ocurridos. Por otra parte, su lenguaje abstracto, capta un momento irreversible sin un antes ni un después, dando paso a la subjetividad e interpretación del espectador para que este tome las sensaciones originadas y las organice según su configuración personal.  Los métodos empleados dentro de su trabajo fotográfico, se caracterizan por evocar la hibridación de la realidad y lo misterioso. Sus fotografías sitúan al espectador dentro de la realidad, la combina con lo ficticio y de esta manera se aleja de lo ordinario.

Es de esta manera, que hemos decidido tomar aquellos detalles espacio temporales que el artista utiliza en su emblemática serie “Twilight”; para así obtener una nueva configuración de espacios de ficción. Los elementos dispuestos dentro de nuestra imagen mantienen el concepto que se presenta dentro de la serie: un universo en el que lo cotidiano y lo hogareño se muestran natural y simultáneamente. Dentro de los rasgos perceptuales, cabe destacar que es el personaje quien causa la sensación de misterio, reflejando una conducta extraña, soledad, quietud, angustia, , espera, temor, evocando un momento congelado sin causa originaria y sin consecuencia posterior. Tal mujer, se encuentra en un espacio interior oscuro y sombrío, característico por su paleta de colores que contrasta con lo cálido hasta lo frío, sin embargo la composición toma un ángulo que le deja abierta la posibilidad al espectador de apropiarse del espacio según su perspectiva.

Los significantes que componen el espacio van desde el pocillo, el teléfono descolgado, la lámpara encendida que se encuentra sobre la mesa, el florero, los cuadros, las ventanas; tanto los objetos como los significados de estos son recurrentes dentro de la serie. De este modo, los anteriores elementos confabulan dentro del espacio para sugerir un hecho indeterminado, el cual queda abierto a la interpretación del espectador, delimitándolo al mismo tiempo. Todo este universo, compuesto por el conjunto del espacio, la situación, la ambientación, los elementos y el personaje, direccionan la imagen hacia una atmosfera misteriosa e inquietante, la cual crea presión narrativa y sensitiva. De la misma forma, la paleta de colores retiene la fragilidad del momento y sitúa al espectador dentro de una realidad distorsionada.  “Mis fotografías son un momento entre momentos”  (Gregory Crewdson)

Esteban Rincón y Valeria Concha

A partir de la serie “Polaroid” de Eugenio Recuenco

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Eugenio Recuenco

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Esteban Rincón y Valeria Concha

Nueve

Eugenio Recuenco nace en Madrid, España en 1968. Estudia Bellas Artes en su ciudad natal, para convertirse en un pintor de profesión. Aunque terminó su carrera, Recuenco, no se sintió del todo satisfecho con sus habilidades técnicas, razón por la cual decidió dedicarse al estudio de la fotografía. Aunque su estilo lo cataloga de pictórico y cinematográfico, estéticamente hablando, es muy versátil y cambiante, aunque logra con facilidad generar una narrativa coherente con lo que retrata. Recuenco se alimenta frecuentemente de referencias artísticas, literarias y cinematográficas, las cuales tienen una carga importante de contenidos recurrentes en épocas modernas y vanguardistas. En su serie de muertes en Polaroid,  combina sus habilidades como fotógrafo, escenógrafo y director parar crear un ambiente rodeado de intriga y de misterio, Pues en cada una de sus fotografías revela la muerte de distintas mujeres, dejando en evidencia cómo y con qué fueron asesinadas pero sin dejar rastro de quién lo hizo.

Para la ambientación del espacio y el vestuario de las mujeres, Recuenco decidió replicar la época de los ochentas, mostrando así, una mujer que seduce y se deja seducir sin atenerse a las consecuencias que pueda llegar a tener el entablar una conversación con un extraño. También se puede observar que los contextos de las fotografías son lugares reales y comunes como lo es un bar, una habitación, o un cine, donde se podría deducir que el asesino no le da importancia a la concurrencia del espacio para matar a sus víctimas, siempre utiliza la técnica que mejor se adecúa al ámbito donde ocurre el asesinato.

Las fotografías, podrían ser la representación de la represión a la mujer que no le teme a mostrarse atrevida u osada en situaciones que pueden involucrar la sexualidad o las relaciones con hombres que no necesariamente son su pareja estable. Las muertes pueden revelar el desprecio del hombre machista a las proyecciones de este tipo de mujeres. Con la fotografía introducida en la serie, se quiere obtener una continuidad del tono y estilo utilizado por Recuenco a través de las fotografías de su serie. Para esto, se pensó en recrear un nuevo asesinato de una mujer en un espacio similar al utilizado en las fotografías, sabiendo que debe ser un espacio cerrado donde la atención se dirija hacia esa mujer seductora que más tarde sería víctima de la ira de un extraño, quien la asesinaría.

 Juliana Fagua

A partir de la serie de Erwin Olaf

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Erwin Olaf

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Juliana Fagua

 Cleopatra

Erwin Olaf es un fotógrafo Holandés nacido en el año de 1959. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Amsterdam donde ubicó su estudio en una antigua iglesia. Su estilo fotográfico busca hacer una fuerte crítica a la hipocresía social, trabaja con tabúes, con la doble moral, el abuso consumista y, en general, con todo lo que la sociedad contemporánea tiende a esconder a pesar de que aquello sea de vital importancia para nuestras vidas. Todo esto resulta irónico una vez se sabe que Olaf ha hecho gran parte de su trabajo profesional en el área de la publicidad.

La serie que escogí para este trabajo se titula Royal Blood (2000). Aquí se recopilan una serie de asesinatos a la realeza y se muestran estos personajes con un aire un tanto vengativo, dejando ver un lado oscuro y macabro de una realeza que en apariencia es siempre inmaculada y pura. Así, Olaf hace un recorrido a través de la historia e incluye en su serie a personajes que van desde Julio Cesar y Popea Sabina, esposa de Nerón, pasando por Maria Antonieta e Isabel de Baviera, y terminando con figuras más familiares para nosotros como Jackie Kennedy y Lady Di.

Estéticamente hablando podríamos decir que Olaf utiliza, en primer lugar, una paleta de color que combina el blanco y el rojo. Usa el color blanco para simbolizar la pureza y el lado angelical y sublime de la realeza. Este color lo vemos recurrentemente en los trajes, la joyería, en el cabello, los ojos y tez claros. Ahora, usa el color rojo para mostrarnos la manera en que murieron, además de ser un color recurrente en los labios y alrededor de los ojos, contrarrestando así este lado impecable e inundando la atmósfera de la foto de un aire casi ominoso. El color rojo enfatiza además este lado vengativo y desafiante de los personajes que se acentúa también por la composición de la foto, en la cual todos salen mirando y enfrentando al espectador y en su mayoría son frontales. La cercanía del modelo a la cámara logra ser a veces un tanto abrumadora, siendo retratados a veces hasta el pecho o hasta la cadera pero muy pocas veces de cuerpo entero.

Es importante también mencionar el formato cuadrado que brinda más consistencia a la foto y cuyo objetivo parece ser que el espectador se concentre en el centro de la foto, chocando bruscamente con la mirada del personaje, y no desvíe su atención de allí. Por otro lado, Olaf utiliza elementos simbólicos importantes para ayudar al espectador a identificar al personaje retratado y contextualizarlo en una época, estos son básicamente la joyería, el vestuario y el peinado.

Para la foto del trabajo actual se buscó recolectar tantos elementos estéticos y conceptuales como era posible. La figura real con la que decidí trabajar fue Cleopatra ( 69 a.c-30 a.c), reina de Egipto conocida por su sensualidad y sus grandiosos atavíos que se suicidio huyendo de un asesinato por la picadura de una serpiente en el seno. La fotografía busca contraponer, como lo hace Olaf, la pureza del personaje con la oscuridad que implica una muerte o asesinato manteniendo elementos como la sangre en la herida, el fondo y la tez blanca del personaje, el minucioso detalle en las joyas y el peinado al igual que el color rojo en los ojos y los labios. Enfrentar entonces el bien y el mal que finalmente no se enfrentan separadamente, sino que viven dentro de todos y cada uno de nosotros luchando constantemente por ganar la batalla.

 

EJERCÍCIO 2:  REVERSA DE VIDEO

El ejercicio consiste en un análisis conceptual y estético de un medio audiovisual con el fin que el estudiante entienda el origen del concepto, su contexto y los aspectos estéticos comunicacionales imbricados en la complejidad de este medio.

A partir de la investigación deben aprender sobre los autores, músicos y colaboradores de la obra con el fin de detectar los posibles referentes, los autores u obras con una base estética similar, tanto en el discurso o poética como en los elementos formales que la componen.

Posteriormente crean mapas conceptuales y moodboards con el fin de reconstruir el imaginario del autor dentro de una aplicación asignada que tiene como fin poner en prueba la profundidad analítica alcanzada desde la investigación y la capacidad de re-conceptualizar dentro de otro contexto y fin desde un montaje en un espacio físico. Este montaje trae al estudiante al universo de la práctica, ejercitando su capacidad de la gestión material de las propuestas elaboradas utilizando y optimizando de forma recursiva técnicas de producción y montaje.

Video

The Hours – “See The Light”

Aplicación: Taxonomía del consumo

Video

Box

Aplicación: Sueño lucido robótico

Video

Metronomy – “I’m Aquarius”

Aplicación: Jugeteria para adultos

 Reversa de video – Documento 1

El documento de reversa/ análisis del video debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero  se aceptan variaciones según cada caso. Sin embargo, desde la portada, la gráfica y la composición visual, debe tener claramente los elementos estéticos del material analizado y un lenguaje de diseño coherente.

El documento deberá ir organizado de la siguiente manera:

Índice con número de páginas.

Introducción. Esta introduce qué video/autor/director(es) investigó y las preguntas claves que se planteó para analizarlo. Qué herramientas metodológicas utilizó, esperando encontrar qué. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. A partir de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos (narrativa, espacio, temáticas, vestuario, utilería, iluminación, música) seleccionen y articulen unos mapas visuales y conceptuales que, según usted articulan los elementos clave del video. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético. (Recuerden citar la bibliografía consultada en pié de página, según cada caso, citen también las imágenes al pié de cada imagen)

Referentes. Desde lo conceptual, formal hasta lo técnico en todas sus combinaciones. (No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen. Cómo afectan la intención del video estudiado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos. (Recuerden citar cada imagen.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el video y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por el autor. Soporten todo lo que menciona en palabras con imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del video que contribuyen con la narrativa/ poética del autor.

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el material estudiado, identifiquen intenciones del autor que, en principio, no parecían evidentes y dejen en claro lo que aprendieron con la investigación.

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página  a la Bibliografía ó referencias web en general)

Aplicación y montaje – Documento 2

El documento sobre la aplicación y el montaje a partir del video debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero  se aceptan variaciones según cada caso. Sin embargo, desde la portada, la gráfica y la composición visual, debe tener claramente los elementos estéticos del material analizado y un lenguaje de diseño coherente.

Recuerden citar la bibliografía consultada en pié de página, según cada caso, citen también las imágenes al pié de cada imagen

El documento deberá ir organizado de la siguiente manera:

Índice con número de páginas.

Introducción. Esta introduce qué video/autor/director(es) investigó relacionándolos el análisis a la aplicación y la elaboración de su concepto para el montaje. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. A partir de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos (narrativa, espacio, temáticas, vestuario, utilería, iluminación, música) desarrollen sobre el concepto elaborado por ustedes según la aplicación. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético.

Referentes. A partir de la aplicación citar los referentes más importantes analizados así como los nuevos referentes que sean pertinentes y su relación con el concepto elaborado para el montaje. Los referentes debe tener en cuenta los aspectos conceptuales (sobre la idea), formales (cómo y con qué elementos se comunican esta ideas) y técnicos (de que forma se resuelve esta comunicación de ideas) en todas sus combinaciones. No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen y como afectan la intención del concepto elaborado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el montaje y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por ustedes. Soporten y justifiquen todo lo que mencionan desde imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un nuevo moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del video que contribuyen con la narrativa/ poética del concepto del montaje.

Procesos. Muestren paso a paso a través de la documentación de su proceso (fotos de los materiales, maquetas, pototipos, bocetos etc.) como elaboraron el montaje y la relación de cada uno de los elementos que lo componen explicando los recursos usados que responden al análisis realizado y con que elementos. Dejando en evidencia cómo responden técnicamente la elaboración de los elementos formales que son coherentes con el concepto elaborado.

Photoshoot y video. Muestren las imágenes de su entrega final de la mejor manera posible, con cuantas imágenes sean necesarias, de preferencia grandes y desde muchos ángulos, distancias y detalles de su proyecto. Poner en el documento un link del video realizado ya cargado a Youtube o Vimeo (con todos los créditos necesarios, sobretodo si ponen música de algún autor)

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el proceso elaboración del montaje y su relación con el video analizado. Identifiquen los aciertos y errores, que cambiarían con el fin de mejorar la experiencia y coherencia de su montaje según su concepto ( lo que quieren comunicar)

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página  a la Bibliografía ó referencias web en general)

PROYECTOS: REVERSA DE VIDEO

Karem García, Natalia Duque, Mariana Joya y Nathalia Vecino

Video: Metronomy – “I’m Aquarius”

Aplicación: Juguetería para adultos

Reversa de video – Documento 1:

http://issuu.com/ktatianagarcia/docs/manual

Aplicación y montaje – Documento 2:

http://issuu.com/ktatianagarcia/docs/manualfinalissuu_smallpdf.com_

Video del montaje:

aquarius3

aquarius2

aquarius1

Juguetería para adultos

Con la intención de explorar la inmensidad de un universo seductor, generando un quiebre en la realidad, direccionando cada uno de los elementos hacia lo místico, enigmático y misterioso, la representación del vídeo “I’m aquarius” surge en torno al concepto del viaje, la aventura, el zodiaco, las rocas, la alquimia, el crepúsculo, el sol y la luna.

En primera instancia, Acuario hace referencia al hombre y simboliza el progreso, la tecnología, el ritmo, lo novedoso y la libertad por medio de su elemento correspondiente: el aire. Por el contrario, su antagonista Tauro representa la figura femenina, firme, fuerte, estable, resistente, estancada, de sentimientos duraderos representada a través de la tierra.

La aventura tiene como punto de partida el viaje que emprende el personaje en busca del descubrimiento y el cambio que subyace en el movimiento y la experiencia. Al mismo tiempo, la transición ocurre en el crepúsculo, este como símbolo del cruzar la línea divisoria que une y separa los opuestos:  de la tierra al espacio exterior, de lo caótico a lo tranquilo, del otro al ensimismamiento. Es el espacio exterior el escenario en el que se desarrollan tales acontecimientos, este como una zona intermedia entre el cosmos y el caos, lugar donde todo es posible y por ende se torna caótico.

Juliana Fagua y Laura Montenegro

Video: The Hours – “See The Light”

Aplicación: Taxonomía del consumo

Reversa de video – Documento 1:

http://issuu.com/estudio5.mf/docs/manual_1_copia

Aplicación y montaje – Documento 2:

http://issuu.com/estudio5.mf/docs/segundo_manual_completo_copia?e=10839327/7099517

3

2

1

Taxonomía del consumo

Tras realizar este proyecto llegamos a la conclusión fundamental de que hay muchos niveles de consecuencias en aquella dinámica llamada “consumismo”. No solamente existen diferentes tipos de victimas, sean animales, humanos, sea el medio ambiente, sino diferentes tipos de sacrificios en estas victimas, físicos o psicológicos. Se generan también otros resultados que, aunque no analizamos en el proyecto, es importante mencionar aquí. Las relaciones entre indi- viduos cambian así como la relación entre el individuo y su entorno, la vertiginosa aceleración del ritmo de vida que va de la mano de la triunfante industria capitalista crea enfermedades nunca antes vistas. La configuración de las ciudades se modifica de la mano de este fenómeno haciendo cada vez más abrumador el espacio público y luchando por entrar también gradual- mente a nuestra intimidad, nuestros hogares. La taxonomía nos permitió organizar toda esta información si bien decidimos enfocarnos en solo una parte ya que el proyecto no daba para abarcar la infinidad de secuelas de este fenómeno.

Nos dimos cuenta de que el ser humano se desenvuelve insconscientemente en el sistema del consumo creyéndose consumidor, creyendo que tiene todo bajo control y observando desde lejos el sacrificio de otras especies, cuando sin saberlo realmente es él la principal víctima. Nos hemos vuelto esclavos del sistema de mercado y al no saberlo perpetuamos este estado, damos el permiso de que nuestras necesidades y deseos sean construidos por agentes externos y llega- mos al punto de aprobar un genocidio animal y ambiental a costa de que se cumplan las prome- sas de felicidad que nos han hecho.

Hemos quedado ciegos y mudos ante la barbarie del sistema de consumo, incapaces de hablar y, peor aún, de ser escuchados, sin mencionar la cantidad de métodos que hemos generado para esconder y descartar los residuos de nuestro consumo para así mantener en la ignorancia a los principales perjudicados: nosotros mismos.

Esteban Rincón, Camila Restrepo y Valeria Concha

Video: Box

Aplicación: Sueño lucido robótico

Reversa de video – Documento 1:

http://issuu.com/valeriaconcha/docs/manual_e5._22box_22_

Aplicación y montaje – Documento 2:

http://issuu.com/valeriaconcha/docs/manual_e5_aplicaci__n

Video del montaje:

box2

box1

 Sueño lucido robótico

Partiendo de los cinco principios de la magia: transformación, levitación, intersección, tele portación y escape,  los cuales conforman el concepto general del video “BOX” se genera un nuevo concepto alrededor de la robótica y los sueños lúcidos. Por un lado, la robótica en nuestra aplicación parte de la idea de la creación de robots, androides y humanoides como una prolongación física y mental al servicio del hombre, sin embargo más allá de esta concepción tradicional sobre la robótica, decidimos crear una definición de este primer tema haciendo énfasis en la prolongación mental , siendo el cerebro y las imágenes creadas en los sueños el principal escenario para plasmar un sueño lúcido, este interpretado como un suceso donde hay  una  alteración de la realidad cotidiana percibida por el ser humano o codificada por un robot.

Situando  la representación del sueño lúcido robótico como una secuencia de imágenes alteradas en la mente de un robot, nos apoyamos de elementos y referentes formales tales como los fractales, las geometrías perfectas, los espacios infinitos, el código binario y  las voces de un robot, creando un pequeño espacio infinito el cual representa la mente de un robot en medio de un sueño lúcido, sin excluir los principios mágicos mencionados anteriormente puesto que la magia está al servicio de los sueños y abre la mente a conocer mundos alternos a la normalidad.

 

EJERCICIO 3: DIRECCIÓN CREATIVA

 El Dominio a ser analizado durante este semestre será el de las Artes Plásticas, teniendo como campo de estudio los espacios institucionales de gran importancia en la Ciudad de Bogotá como el complejo Cultural del Banco de la República y el Museo Nacional. A ambos espacios se dará una exposición (ficticia) de un Artista Invitado: Olafur Eliasson en el Banco de la República y El Bosco en el Museo Nacional, los “invitados” funcionan como una restricción al proyecto con el fin de direccionar los análisis estéticos con relación al evento conectándolos a los análisis de top down y bottom up.

A partir de esta investigación, el estudiante debe realizar un brief que direccione la propuesta de forma coherente a lo investigado. El brief y la propuesta se entregarán en el marco de la licitación y el análisis completo de dominio, audiencia y del universo estético del “Artista invitado” se entregará en un documento.

La segunda etapa del proyecto consiste en poner en práctica la propuesta como tal, elaborando su resultado a ser presentado en un espacio físico dando cuenta de los aspectos conceptuales y formales y técnicos de la propuesta como un todo, elaborado de forma coherente al análisis del dominio y de la audiencia.

En esta etapa, se realizará un segundo documento que de cuenta de toda la investigación estética realizada conectada al primer análisis así como todo el proceso de conceptualización, formalización, elaboración técnica del montajey su documentación final.

 Análisis de Top Down y Bottom Up

Diseñar profesionalmente nos exige relevancia y sentido de oportunidad. El imperativo de innovar, activar las capacidades humanas y lograr un equilibrio sustentable. Así pues, un problema de diseño no solo debe ser resuelto (problem solving) , sino también definido (problem setting). Los presupuestos sobre una situación han de ser cuestionados y re-visitados de primera mano con una mirada creativa y atenta.

Las empresas y organizaciones no actúan en mercados abstraídos de su contexto social: Operan en un tiempo y territorio definidos, bajo el influjo de la cultura y las dinámicas creadas por actores e intereses diversos. Enfrentar la incertidumbre en un entorno exigente y competido demanda una estrategia sensible al contexto, creatividad que aúne talento y conocimiento, capacidad para crear valor.

En ese orden de ideas, las aplicaciones obedecen a un dominio. Es importante entender un dominio a partir de dos perspectivas que convergen –top down y bottom up- y complementan instrumentos de investigación. Es también una manera de poner en diálogo la dinámica social macro con la cotidianidad de sus actores. El diseño centrado en los seres humanos confía en la sensibilidad e ingenio de las personas. Pone por delante no solo su bienestar, sino el sentido e identidad con el que impregnan sus vidas. Es por ello que los métodos de diseño son ante todo, modos de involucrar creadores y audiencias en torno al proyecto, maneras de revelar a la luz potenciales en forma de ideas.

Para entender un dominio, hay que hacerlo inteligible sin sacrificar la riqueza y complejidad de la observación y la información disponible. Es por ello crucial la capacidad de organizar y sintetizar visualmente los datos de observación e indagación. El estudio debe hacerse con investigación de primera mano tanto como sea posible. Las fuentes secundarias deben ser validadas por el equipo de trabajo. El resultado debe ser una comprensión suficiente y estimulante de un dominio definido.

Top down: Las dinámicas que descienden de instituciones y acciones a nivel macro, e impactan la vida de las personas, frecuentemente de manera unidireccional o muy asimétrica. Así tenemos:

Tendencias: Tecnología / sociedad / entorno. Visión prospectiva de los futuros posibles y deseables. Los aspectos Culturales, estéticos y tecnológicos potencian este entorno. ¿Tienen las marcas de los competidores una estética y un discurso a nivel de branding claro y posicionado? ¿Qué los diferencia de los demás? ¿tienen sus productos/experiencias una estética definida? ¿Con qué referentes?

Mercado: Ofertas y relaciones de competencia en el espacio económico relevante al dominio. Qué ofrecen, para qué lo ofrecen, con qué atributos. ¿Tiene un diferencial estético importante?

Propuesta de valor: Es la forma característica en que la organización ofrece solución a las demandas de su clientela. Ésta forma es distintiva y permite sobresalir en el mercado. ¿Cómo es el panorama de propuestas de valor imperante en el dominio? ¿Cómo presenta esta propuesta? ¿Dónde sucede? ¿Se vincula a alguna tendencia macro? ¿Tiene ciclos? ¿Qué buscan a nivel de percepción? ¿Tiene alguna narrativa o no? ¿Qué referentes estéticos tiene? ¿Qué inspiraciones? ¿Dónde se resaltan más? ¿Dónde, en cambio, están ignorados o minimizados?

Bottom up: Las dinámicas que emergen de la agencia, -capacidad de las personas de actuar y provocar cambios en función de sus propios valores y objetivos, y movilización de las personas, frecuentemente de manera espontánea o por organización gradual. Así, tenemos:

¿Quiénes / dónde? Personas involucradas: roles y perfiles. Ecología social: Relaciones y acciones entre las personas y el entorno, mensajes y artefactos abarcados.

¿Qué? Necesidades y deseos, expectativas y percepciones de las personas, expresados tanto tácita como explícitamente.

¿Cómo? Experiencia existente, estudiada por medio de observación, inmersión y participación.

 Análisis Top Down/ Bottom – Documento 3

Recordar

El documento debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero  se aceptan variaciones según cada caso.

Realizar una versión web en issuu.com del documento

El índice debe contener los números de las páginas de cada capítulo

La bibliografía consultada debe estar en orden alfabético al final del documento

Citar de forma organizada y correcta todas las fuentes consultadas y las imágenes mostradas.

Describir no es lo mismo que analizar.

Análisis Top Down

Deben demonstrar el análisis de forma completa y profunda de la institución en todas sus esferas (El museo como tal, Medio del Arte e instituciones aliadas y el entorno físico) con imágenes, explicaciones y sobretodo las conclusiones relacionadas a cada parte del análisis realizado. (recuerden que POINTS les puede servir para reforzar el análisis y las conclusiones relacionadas).

Bottom Up

Deben demonstrar el análisis de forma completa y profunda de la audiencia y sus perfiles en todas sus esferas con imágenes, explicaciones y sobretodo conclusiones relacionadas a cada parte del análisis realizado. (recuerden que POINTS les puede servir para reforzar el análisis y las conclusiones relacionadas).

Reversa estética

Introducir qué artista investigó y las preguntas claves que se planteó para analizarlo. A partir de los referentes, así como las inspiraciones definir el concepto de la obra teniendo en cuenta su lenguaje estético. Analizar a estos referentes, y precisar qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen con la obra y cómo afectan la intención del artista construyendo el lenguaje estético propuesto por el autor. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes relevantes que soporten sus argumentos de forma selectiva e sintética. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos del artista que contribuyen con la narrativa/ poética del autor.

Brief (s)

Recuerden que a partir de los análisis del dominio institucional y su audiencia directa e indirecta deben dejar en evidencia el análisis basado en los problemas y necesidades, los insigths y las oportunidades encontradas y el tema en el cual se enfocarán. Deben realizar un encargo coherente y basado en las conclusiones del análisis realizado de forma detallada lo suficiente para que lo puedan responder de manera eficiente con una propuesta de diseño desde la dirección creativa.

Propuesta(s)

A partir del encargo del brief(s) deben proponer la resolución del proyecto de la forma más detallada e ilustrada posible desde la dirección creativa creando una experiencia significativa con una propuesta de valor que responda al análisis del dominio de la institución y audiencia. La propuesta debe contener un marco conceptual definido basado en algún aspecto de la reversa del artista invitado. Se debe enriquecer la propuesta con los referentes estéticos (conceptuales, formales y técnicos) bocetos y moodboard que dejen en claro lo que piensan hacer.

Propuesta y Montaje – Documento 4

Recordar

El documento debe ser en formato de 20 x 20 cm, pero  se aceptan variaciones según cada caso.

Realizar una versión web en issuu.com del documento

El índice debe contener los números de las páginas de cada capítulo

La bibliografía consultada debe estar en orden alfabético al final del documento

Citar de forma organizada y correcta todas las fuentes consultadas y las imágenes mostradas.

Describir no es lo mismo que analizar.

Introducción. Esta introduce qué dominio investigó relacionando el análisis de dominio y audiencia al análisis estético (conceptual y formal) y la ejecución de un concepto claro en el montaje. Cuál es el objetivo de su documento.

Concepto. Definan la propuesta final de forma clara y coherente con la investigación realizada de los referentes conceptuales, formales y técnicos, así como las inspiraciones en los diferentes ámbitos. Desarrollen sobre el concepto elaborado por ustedes según el análisis de top down y bottom up versus el universo estético del “Artista invitado”. La definición del concepto es la médula que sostiene todo el proyecto, son las ideas que, a la vez, inspiran la poética de la propuesta y que, luego, se definen mediante un lenguaje estético coherente al dominio y audiencia.

Referentes. A partir de la propuesta citar los referentes más importantes analizados así como los nuevos referentes que sean pertinentes y su relación con el concepto elaborado para el montaje. Los referentes deben tener en cuenta los aspectos conceptuales (sobre la idea), formales (cómo y con qué elementos se comunican esta ideas) y técnicos (de que forma se resuelve esta comunicación de ideas) en todas sus combinaciones. No se queden sólo en nombrar a estos referentes, precisen qué tensiones formales y conceptuales y/o incluso técnicas establecen y como afectan la intención del concepto elaborado. Enriquezcan su explicación con grupos de imágenes que soporten sus argumentos.

Inspiraciones y/o elementos formales. Es importante que sea una aproximación crítica, es decir que no se limiten a describirlos. Hagan un análisis soportado visualmente los elementos formales que componen el montaje y como estos construyen el lenguaje estético propuesto por ustedes. Soporten y justifiquen todo lo que mencionan desde imágenes relevantes. Sean selectivos y sintéticos. Aquellas imágenes relevantes y pertinentes que explican/ilustran su proceso.

Moodboard. Realicen un moodboard con el fin de organizar de forma sensible los elementos estéticos que hacen parte de la propuesta que contribuyen con la narrativa/ poética del concepto del montaje.

Procesos. Muestren paso a paso a través de la documentación de su proceso (fotos de los materiales, maquetas, pototipos, bocetos etc.) como elaboraron el montaje y la relación de cada uno de los elementos que lo componen explicando los recursos usados que responden al análisis realizado y con que elementos. Dejando en evidencia cómo responden técnicamente la elaboración de los elementos formales que son coherentes con el concepto elaborado.

Photoshoot y video. Muestren las imágenes de su entrega final de la mejor manera posible, con cuantas imágenes sean necesarias, de preferencia grandes y desde muchos ángulos, distancias y detalles de su proyecto. Poner en el documento un link del video realizado ya cargado a Youtube o Vimeo (con todos los créditos necesarios, sobretodo si ponen música de algún autor)

Conclusiones. Resuman los aspectos relevantes que encontraron en el proceso de conceptualización, formalización y  elaboración técnica del montaje así como su relación con el dominio y la audiencia analizados. Identifiquen los aciertos y errores, que cambiarían con el fin de mejorar la experiencia y coherencia de su montaje según su concepto (lo que quieren comunicar)

Referencias bibliográficas y filmográficas. Utilizar el manual de Citas y Referencias Bibliográficas proporcionado por la Universidad. ( Recuerden que es diferente una cita al pié de página  a la Bibliografía ó referencias web en general, citen todas las imágenes utilizadas así como el sonido que hace parte de su montaje)

PROYECTO FINAL

 Karem García, Natalia Duque, Mariana Joya y Nathalia Vecino

Museo Nacional

Invitado: Hieronimus Bosch

Análisis Top Down/Bottom Up – Documento 3:

http://issuu.com/marianajoyaaparicio/docs/manual_entero_comprimido_smallpdf.c

Proyecto y Montaje – Documento 4:

http://issuu.com/ktatianagarcia/docs/manual_final

Video del montaje: 

bosco1

bosco3

Concepto de la Propuesta

Con la intención de introducir coherentemente la exposición del Hieronymus Bosch dentro del Museo Nacional elaboramos un espacio que configure un vinculo directo entre el espacio físico del Museo y el contenido formal y conceptual que se halla dentro del trabajo del artista. De esta manera, nuestro propósito se halla en que el Museo tome el espíritu del Bosco y se apropie de él, para de esta manera consolidar experiencias conformes a lo que el visitante observa dentro de la exposición temporal. Lo anterior, se lleva a cabo mediante la elaboración de un espacio propicio para que el misterio y la fantasía impregnada dentro de la obra del Bosco aflore dentro del jardín del museo, llevando la mitología a una expresión física que quede a disposición del visitante.

Nuestra intención es configurar un espacio imaginario que de paso a un sin fin de continuas restauraciones, a ciclos infinitos de cambios, al eterno devenir de las criaturas que allí dispusimos. Al mismo tiempo, hibridar el conocimiento, la ficción, el misterio y lo legendario para originar una experiencia única y coherente para quien se sumerge dentro de este jardín de las delicias terrenales. De esta manera, lograr que cada visitante tenga la posibilidad de configurar criaturas únicas, tomando como punto de partida la zoología y la botánica que tanto caracteriza  formalmente al Jardín de las delicias del artista.

En nuestro jardín de las delicias terrenales, es el hombre quien comanda cada una de las criaturas, quien les da sentido, les concede sobrenaturalidad y significado. Múltiples cadáveres exquisitos emergen de este escenario y se toman el Museo Nacional de Colombia para convertirlo en un cosmos mitológico apartado de la cotidianidad.”

Juliana Fagua, Laura Montenegro, Esteban Rincón, Camila Restrepo y Valeria Concha

Banco de la República

Invitado: Olafur Eliason

Análisis Top Down/Bottom Up – Documento 3:

http://issuu.com/camilarestrepo8/docs/manual_final/1

http://issuu.com/camilarestrepo8/docs/bibliograf__a_021a754f96d7aa

Proyecto y Montaje – Documento 4:

http://issuu.com/camilarestrepo8/docs/manual_montaje_issuu

Video del montaje:

olafur2

olafur1

olafur3

Concepto de la Propuesta

A partir de la investigación realizada en el Banco de la república y de las conclusiones obtenidas sobre el dominio observamos que una de las mayores oportunidades de diseño en este ámbito tiene que ver con la inclusión de otro tipo de usuarios al círculo artístico que comprende el Banco de la república. Los artistas urbanos, artesanos que trabajan en la candelaria e incluso los residentes del barrio y los dueños de los negocios circundantes perciben el Banco como un complejo hermético cuyas puertas estan abiertas únicamente a los perfiles pertenecientes al círculo académico del arte.

Como solución a este problema diseñamos una propuesta de involucramiento pensada especialmente para estos perfiles, que indirectamente se han dejado de lado, que culmina en el evento de inauguración del artista Olafur Eliasson. La propuesta consiste en dos partes, la primera: dos semanas antes del evento de inauguración se realizará un taller de gastronomía, dirigido especialmente a los dueños de negocios de este tipo en el barrio de La Candelaria, basado en el trabajo de Olafur Eliasson, cuyo objetivo es la creación de los pasabocas que se servirán en el evento. La segunda: el evento de inauguración en sí.

El evento

Este evento manejará como concepto principal la relación cultural, perceptual y emocional con la luz. Esta relación forma parte de una gran categoría que podríamos denominar “La exploración de los sentidos” y que Eliasson conoce y aplica constantemente en sus obras de arte. Con esta idea como punto de partida el evento y el taller tomarán como base la idea de “Las cuatro estaciones”.

Hablando de la relación con la luz llegamos a la conclusión de que cada una de las estaciones se relacionan cultural y socialmente con determinados colores y sensaciones específicas. El verano con colores rojos y amarillos que se asocian con el calor, la primavera con colores rosados y verdes por el nacimiento de las flores, el invierno con el frío y los colores azules y blancos relacionados con la nieve y el otoño asociado con colores marrones que hacen alusión a los troncos desnudos de los árboles y a la caída de las hojas. Todo este universo de sensaciones y percepciones ópticas nos brindan las pautas estéticas para la ubicación de las mesas y la dirección de las luces. Decidimos por lo tanto dividir el espacio del evento en cuatro secciones y adaptar el ambiente de cada una (las luces y los pasa bocas) a la estación correspondiente. Cada estación contaría con una mesa que tendría una fuente de luz dentro de ella y otra exterior que la apuntaría directamente. La parte superior de cada mesa estaría forrada con un espejo sobre el cual se ubicarían las bases para poner la comida. El uso de los espejos nos ayudarían a acentuar los efectos ópticos de la luz y crearía un juego perceptivo con el espectador. Por otra parte las bases de los pasa bocas estarían diseñadas según los patrones geométricos que maneja el artista.

El concepto de la sinestesia es muy importante también para el montaje del evento, ayudándonos a resolver la cuestión de cómo enseñar a los visitantes de la inauguración sobre Olafur Eliasson, cómo presentarles los conceptos básicos de su obra sin necesidad de recurrir a una presentación teórica o a un documento escrito. Volviendo así a la exploración de los sentidos la idea de usar comida para resumir a través de ella la obra de Eliasson nos pareció bastante congruente, es decir, aprovechar las propiedades táctiles y gustativas de la comida  de la misma manera en que aprovechamos las propiedades ópticas y sensoriales de las cuatro estaciones.

 

OMFG!!! 1.5

January 29th, 2014 by David de los Reyes

Clueless

Proyecto para la sección 2 con el profesor David de los Reyes.

Valor: 20% de la nota final del semestre.
Entregas: Fase 1 Reversa – miércoles 12 de febrero (10%)
Fase 2 Aplicación – sábado 29 de febrero (10%)
Duración: 6 semanas académicas
Modalidad: Grupos de 3 personas.
Evaluación: Cualitativa y numérica por docente.

Formulación:

Objetivo de diseño: Reconstruir de manera práctica los elementos de diseño de un caso emblemático. Documenta sus elementos y estructura en forma de manual, como si se tratara de una franquicia, es decir, una de propiedad intelectual susceptible de ser transada y explotada económicamente. El proyecto de diseño, entendido como activo intelectual, define artefactos y actividades que dan forma a experiencias valiosas de manera controlada y replicable, y se concretan como manifestaciones culturales. El conocimiento y reconocimiento logrados por un diseño exitoso son un capital que puede ser reinvertido en un nuevo proyecto: en particular, nos interesan las estrategias que configuran el lujo como experiencia memorable, propuesta estética y discurso social.

Fase 1 – Reversa: Reconstrucción de la trayectoria de un caso ejemplar vinculado al universo del lujo, tanto creativa como estratégica. Lectura e interpretación de sus valores socio culturales, inspiraciones, referentes y conceptos estéticos. Comprensión de su experiencia y propuesta de valor. Abstracción del modelo que articula los factores de éxito de un producto / servicio, contenido y/o caso, a través de la metodología de “constelaciones de valor”

Fase 2 – Aplicación: Extrapolación del modelo a una nueva aplicación, de brief cerrado, asignado por el profesor. Identificación de una audiencia sensible a los elementos identificados en la fase uno. Adaptación y actualización del modelo en una nueva constelación para definir la propuesta de valor, la estrategia y los conceptos. Diseño conceptual de la aplicación.

Fase 1: Reversa

1. Caracterización y atributos: delimitar el caso en el espacio y el tiempo, de forma representativa y fácil de documentar. Es un producto / servicio / contenido manifestado en un tiempo y lugar específico. Inventario taxonómico: elementos constitutivos del caso, tanto intrínsecos como contextuales.
a. Taxonomía y análisis de los elementos que componen el caso. Atributos de diseño, compositivos, perceptuales y semióticos.
b. Análisis de la experiencia generada.
c. Análisis de las narrativas.

2. Entorno:
a. Contexto espacio / temporal, circunstancia histórica y coyuntura que crea la circunstancia particular de la pieza. Espíritu de la época (zeitgeist), y espíritu del lugar (genius loci).
b. Contexto particular de implantación / implementación.
c. Partes interesadas (Stakeholders): conflictos e intereses. Promotores e inversionistas, competidores y adversarios, beneficiarios y perjudicados, audiencia, consumidores, usuarios. Etc.

3. Creación y desarrollo.
a. Autor / Diseñadores / Realizadores: biografía creativa, entrenamiento, Obra.
b. Inspiraciones / Influencias.
c. Estilo / género / cánon. Reglas y principios de diseño que perduran en el tiempo y dan un carácter singular a un conjunto de piezas, bien sea por época, etnia, escuela, tradición o sector.
d. Referentes. Fuentes (temáticas, generacionales, estilísticas, ideológicas), antecedentes culturales (con qué dialoga, a qué se enfrenta, cómo genera tendencia, bajo qué estrategias), antecedentes eficaces en otros contextos (estados del arte).

4. Audiencia. ¿Cuál es el grupo de personas que hizo suya esta experiencia? ¿Hay otros grupos que lo hayan hecho? ¿Por qué? ¿Cómo funciona esta dinámica en el tiempo? ¿Cómo se definen? ¿Por qué se unen? ¿De qué/quién se distinguen? ¿Cómo?

5. Premisas y condiciones que lo hacen emblemático:
a. Estructura: Cómo se articulan, sostienen y materializan las intenciones sobre las que se construye la propuesta.
b. Análisis de valor.
c. Estrategia de la organización productiva o ente promotor. Objetivos satisfechos y logros.
d. Marca / prestigio: Reglas y premisas de percepción y significado que modelan las expectativas de la audiencia y son asumidos por los autores y sus stakeholders como fuente de valor duradera.
e. Vínculos / rupturas con el contexto cultural.
f. Interpretaciones y apropiaciones de la audiencia: qué se conserva, qué se modifica y qué logra generar nuevos ciclos.

6. Conceptos: El todo es más que las partes. Síntesis que permite entender cómo se articula la propuesta para satisfacer o resonar con su respectiva audiencia.

7. Constelación de valor: Visualización de los procesos sociales de construcción de valor que convergen estratégicamente en el caso.

8. Conclusiones: “El secreto del éxito”, lecciones aprendidas.

La lista anterior es una referencia de los elementos que deben integrar en su investigación, no es un checklist ni está en orden de importancia. Es fundamental que definan como grupo cuál va a ser su aproximación al caso y organicen la investigación en función de esta decisión.

Entregables:

– Presentación de 6 minutos.
– Muestrario de al menos seis unidades, de materiales y técnicas compuestas para expresar los conceptos estéticos de la pieza. El muestrario debe ser elaborado en asocio con un trabajador experto cuyo oficio y destreza sea la máxima disponible para ejecutar la pieza. Donde el estudiante considere que su experticia es elevada, es deseable que contribuya ampliamente. Se debe acompañar por un manual técnico paso a paso de cada una, con fotos del proceso, y una reseña del proveedor (referencias, especificaciones, costos y contacto).
– Manual impreso por tema, diseño editorial según plantilla y procedimiento definido por el comité editorial del curso.
– Archivo digital ebook PDF, calidad web, subido a ISSUU.
– Originales PDF para impresión, presentación, archivos digitales relevantes, en disco anexo al manual.

Casos disponibles:

Leica m9-P ‘Edition Hermés’
Le Roi Danse / Gesaffelstein – Pursuit
The Bling Ring
My Fair Lady
Godiva
Autogermana
Mad Men / Lucky Strike campain

Fase 2: Aplicación

Brief se entregará en la tercera semana.

Reglas de juego:

– Retardo de 15 minutos cuenta como falla y trabajo no entregado. En caso de entrega, la nota será de cero.
– Al quinto error de ortografía (incluyendo tildes) en un trabajo, se reduce en una (1) unidad la nota total del trabajo.
– La incorrecta citación (normas APA) y referencia en la documentación cuesta dos (2) unidades de la nota final del trabajo. En caso de detectarse cualquier forma de fraude o falta a la integridad intelectual, se presentará el caso disciplinario ante el Departamento.
– Los grupos son armados al azar, su pertenencia es fija y no pueden disolverse. Toda queja por el incumplimiento de un miembro debe tener un soporte objetivo.

oM(ENU)fg!!

January 24th, 2014 by David de los Reyes

Leica m9-P ‘Edition Hermés’


Le Roi Danse

y


Making of


The Bling Ring


My Fair Lady


Godiva


Autogermana


Lucky Strike – It’s Toasted

Tesoros (v.1.5)

January 22nd, 2014 by David de los Reyes

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Foto: (c) Getty AFP. Fuente: Inside the Paris apartment untouched for 70 years: Treasure trove finally revealed after owner locked up and fled at outbreak of WWII

Ejercicio introductorio para la sección 2 con el profesor David de los Reyes.

Identificar y encontrar la posesión más preciada de su familia, a través de entrevistas en contexto con sus diferentes miembros; si bien no debe ser igual de valiosa para todos, busque el mayor consenso posible, especialmente entre los familiares con más experiencia. Tome en cuenta el efecto de sus vivencias y valores personales.

Para elegir la pieza, tenga en cuenta –flexiblemente- las siguientes restricciones:

– La pieza es apreciada por un valor intrínseco, no solamente por un valor sentimental atribuido por una historia de vida. (Por ejemplo, no el primer dibujo de un bebe)
– La pieza fue conseguida para algún fin, propósito o utilidad, que aún cumple (o es capaz de cumplir).
– En su criterio profesional, priorice una pieza que enriquezca el debate y la comprensión del salón de clase sobre el valor de la cultura material.

Utilice las lecturas de Boztepe (2003; 2007) para diseñar sus entrevistas, y recopile los testimonios e historias de sus familiares con relación a la pieza.

Escogida la pieza, proponga a su familia la búsqueda de un “reemplazo” en la oferta comercial vigente. Trate de lograr compromiso con el reto, aún si el entrevistado no lo considera factible. Tome nota de todas las observaciones y y comentarios que hagan durante el proceso. Busque un nuevo consenso, y escoja una nueva pieza y cotícela.

1. Realice un foto estudio de la pieza original cuyas características visuales (puesta en escena, ambientación, iluminación, técnica fotográfica, etc.) comunique el valor de la pieza según investigó con su familia. Es aceptable hacer retoque fotográfico básico, pero absténgase de intervenir la imagen con técnicas de ilustración u otras modificaciones. Titule su imagen de modo sugerente y apropiado al sentido del ejercicio. Contraponga la pieza nueva, “el reemplazo”, en un formato del mismo tamaño y caracteristicas, de modo que ambas queden en diálogo al ser expuestas. No es necesario adquirir el reemplazo: puede usar fotografías de origen comercial (citadas) o usar técnicas de ilustración y representación gráfica.

Formato: 300 mm x 450 mm, justificación libre, papel mate, montado sobre foamboard. Título y datos técnicos en tarjetas tamaño presentación adjunta.

2. Realice tres retratos de los familiares cuya opinión domina el avalúo de la pieza y su reemplazo. Controle las características visuales de cada retrato, para contribuir al efecto compositivo y comunicacional de todo el ejercicio. Acompañe cada foto con un fragmento significativo del testimonio entregado por su familiar, tanto de la pieza original como del reemplazo. Cuide la tipografía y diagramación.

Formato:150 mm x 200 mm, justificación libre, papel mate, montado sobre foamboard.

3. Analice los testimonios de sus familiares sobre la pieza, sus propias observaciones, y la controversia generada escogiendo la pieza y buscando el reemplazo acudiendo a los textos de Susan Boztepe ‘The Notion of Value and Design’ (2003) y ‘User Value: Competing Theories and Models’ (2007). Sintetice su análisis en una pieza infográfica, que combine de manera apropiada testimonios e ideas de las entrevistas, con conceptos abstractos y teóricos. Sea sintético, busque el predominio de lo visual sobre lo textual.

Formato: Papel doble carta, justificación horizontal.

4. Recopile todo lo anterior en un breve libro digital, acompañado por un texto de máximo 500 palabras que explique el ejercicio y presente sus hallazgos y conclusiones personales.

Formato: Libro digital subido a ISSUU, link por correo al profesor y el monitor.

Nota: Marque con su nombre su trabajo, pero cuídese de no parecer un colegial que ignora todo sobre el diseño.

Entrega: Viernes 31 de enero 9:00 a.m., Salón Z 209, montaje tipo museo.

Bibliografía.

Boztepe, S. 2003. The Notion of Value and Design. 6th Asian Design Conference. Tsukuba International Congress Center. Available
http://www.idemployee.id.tue.nl/g.w.m.rauterberg/conferences/CD_doNotOpen/ADC/final_paper/609.pdf

Boztepe, S. 2007 Aug 2. User Value: Competing Theories and Models. International Journal of Design [Online] 1:2. Available: http://www.ijdesign.org/ojs/index.php/IJDesign/article/view/61..

oM(ENU)fg!

August 4th, 2013 by David de los Reyes

Leica m9-P ‘Edition Hermés’


Adidas by Stella Macartney


Burberry


B.O.G. Hotel


Le Roi Danse


The Bling Ring


Funny Face / My Fair Lady / Breakfast at Tiffany’s


Duran Duran – Girl Panic!

OMFG!

August 2nd, 2013 by David de los Reyes

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Proyecto para la sección 2 con el profesor David de los Reyes.

Valor: 20% de la nota final del semestre.

Entregas: Fase 1 Reversa – viernes 23 de agosto (10%)
Fase 2 Aplicación – sábado 7 de septiembre (10%)

Duración: 6 semanas académicas

Modalidad: Grupos de 3 personas.

Evaluación: Cualitativa y numérica por docente.

Formulación:

Objetivo de diseño: Reconstruir de manera práctica los elementos de diseño de un caso emblemático, documentando su estructura tanto como franquicia como manual de arte, es decir, como formas de propiedad intelectual susceptibles de ser explotadas económicamente. El proyecto de diseño, entendido como activo intelectual, establece elementos y actividades que dan forma a experiencias valiosas de manera controlada y replicable, y se concretan como manifestaciones culturales. El conocimiento y reconocimiento logrados por un diseño exitoso son un capital que puede ser reinvertido en un nuevo proyecto: en particular, nos interesa el conocimiento que determina el lujo como experiencia, percepción y discurso social.

Fase 1: Reversa de la historia creativa y el modelo que articula los factores de éxito de un producto / servicio, contenido y/o caso del universo de lujo. Comprensión de su experiencia y propuesta de valor. Lectura de sus valores socio culturales, inspiraciones, referentes y conceptos estéticos.

Fase 2: Extrapolación del modelo a una nueva aplicación, de brief cerrado, asignado por el profesor. Identificación de una audiencia sensible a los elementos identificados en la fase uno. Adaptación y actualización del modelo para definir la propuesta de valor, la estrategia y los conceptos.

Fase 1: Reversa

  1. Caracterización y atributos: delimitar el caso en el espacio y el tiempo, de forma representativa y fácil de documentar. Es un producto / contenido / servicio manifestado en un tiempo y lugar específico. Inventario taxonómico: elementos constitutivos del caso, tanto intrínsecos como contextuales.
    a. Taxonomía y análisis de los elementos que componen el caso. Atributos de diseño, compositivos, perceptuales y semióticos.
    b. Análisis de la experiencia generada.
    c. Análisis de las narrativas del caso.
  2. Entorno:
    a. Contexto espacio / temporal, circunstancia histórica y coyuntura que crea la circunstancia particular de la pieza. Espíritu de la época (zeitgeist), y espíritu del lugar (genius loci).
    b. Contexto particular donde se implanta la pieza.
    c. Partes interesadas (Stakeholders): conflictos e intereses. Competidores y adversarios.

3. Creación y desarrollo.

a. Autor / Diseñadores / Realizadores: biografía creativa, entrenamiento, Obra.

b. Inspiraciones / Influencias.

c. Estilo / género / cánon. Reglas y principios de diseño que perduran en el tiempo y dan un carácter singular a un conjunto de piezas, bien sea por época, etnia, escuela, tradición o sector.

d. Referentes. Fuentes (temáticas, generacionales, estilísticas, ideológicas), antecedentes culturales (con qué dialoga, a qué se enfrenta, cómo genera tendencia, bajo qué estrategias), antecedentes eficaces en otros contextos (estados del arte).

4. Audiencia. ¿Cuál es el grupo de personas que hizo suya esta experiencia? ¿Hay otros grupos que lo hayan hecho? ¿Por qué? ¿Cómo funciona esta dinámica en el tiempo? ¿Cómo se definen? ¿Por qué se unen? ¿De qué/quién se distinguen? ¿Cómo?

5. Premisas y condiciones que lo hacen emblemático:

a. Estructura: Cómo se articulan, sostienen y materializan las intenciones sobre las que se construye la propuesta.
b. Análisis de valor.
c. Estrategia de la organización productiva o ente promotor. Objetivos satisfechos y logros.
d. Marca / prestigio: Reglas  y premisas de percepción y significado que modelan las expectativas de la audiencia y son asumidos por los autores y sus stakeholders como fuente de valor duradera.

e. Vínculos / rupturas con el contexto cultural.
f. Interpretaciones y apropiaciones de la audiencia: qué se conserva, qué se modifica y qué logra generar nuevos ciclos.

6. Conceptos: El todo es más que las partes. Síntesis que permite entender cómo se articula la propuesta para satisfacer o resonar con su respectiva audiencia.

7. Conclusiones: El secreto del éxito.

La lista anterior es una referencia de los elementos que deben integrar en su investigación, no es un checklist ni está en orden de importancia. Es fundamental que definan como grupo cuál va a ser su aproximación al caso y organicen la investigación en función de esta decisión.

Entregables:

– Presentación de 6 minutos.
– Muestrario de al menos seis unidades, de materiales y técnicas compuestas para expresar los conceptos estéticos de la pieza. El muestrario debe ser elaborado en asocio con un trabajador experto cuyo oficio y destreza sea la máxima disponible para ejecutar la pieza. Donde el estudiante considere que su experticia es elevada, es deseable que contribuya ampliamente. Se debe acompañar por un manual técnico paso a paso de cada una, con fotos del proceso, y una reseña del proveedor (referencias, especificaciones, costos y contacto).
– Manual impreso por tema, de alta calidad, cuyo contenido y diseño editorial resuelva el brief y exprese la estética del tema.
– Archivo digital ebook PDF calidad web subido a ISSUU, originales PDF para impresión, presentación, archivos digitales relevantes.

Casos disponibles:

Leica m9-P ‘Edition Hermés’
Adidas by Stella Macartney
Burberry
B.O.G. Hotel
Le Roi Danse
The Bling Ring
Funny Face / My Fair Lady / Breakfast at Tiffany’s
Duran Duran – Girl Panic!

Fase 2: Aplicación

Brief se entregará en la tercera semana.

Reglas de juego:

– Retardo de 15 minutos cuenta como falla y trabajo no entregado.
– Al quinto error de ortografía (incluyendo tildes) en un trabajo, se reduce en dos unidades la nota total del trabajo.
– La incorrecta citación (normas APA) y referencia en la documentación cuesta dos unidades de la nota final del trabajo. En caso de detectarse cualquier forma de fraude o falta a la integridad intelectual, se presentará el caso disciplinario ante el Departamento.
– Los grupos son fijos y no pueden disolverse.

 

Tesoros

July 31st, 2013 by David de los Reyes

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Foto: (c) Getty AFP. Fuente: Inside the Paris apartment untouched for 70 years: Treasure trove finally revealed after owner locked up and fled at outbreak of WWII

Ejercicio introductorio para la sección 2 con el profesor David de los Reyes.

Identificar y encontrar la posesión más preciada de la familia, a través de entrevistas en contexto con sus diferentes miembros; si bien no tiene que ser igual de valiosa para todos, busque el mayor consenso posible, especialmente entre los familiares con más experiencia. Tome en cuenta el efecto de sus vivencias y valores personales. Para elegir la pieza más valiosa, tenga en cuenta –flexiblemente- las siguientes restricciones:

– La pieza es apreciada por un valor intrínseco, no solamente por un valor sentimental atribuido por una historia de vida. (Por ejemplo, no el primer dibujo de un bebe)
– La pieza fue conseguida para algún fin, propósito o utilidad, que aún cumple (o es capaz de cumplir).
– En su criterio profesional, priorice una pieza que enriquezca el debate y la comprensión del salón de clase sobre el valor de la cultura material.

Utilice la lectura de Boztepe (2007) para diseñar sus entrevistas, y recopile los testimonios e historias de sus familiares con relación a la pieza.

1. Realice un foto estudio de la pieza cuyas características visuales (puesta en escena, ambientación, iluminación, técnica fotográfica, etc.) comunique el valor de la pieza según investigó con su familia. Es aceptable hacer retoque fotográfico básico, pero absténgase de intervenir la imagen con técnicas de ilustración u otras modificaciones. Titule su imagen de modo sugerente y apropiado al objetivo.

Formato: 300 mm x 450 mm, justificación libre, papel mate, montado sobre foamboard. Título y datos técnicos en tarjeta tamaño presentación adjunta.

2. Realice tres retratos de los familiares cuya opinión domina el avalúo de la pieza. Controle las características visuales de cada retrato, para contribuir al efecto compositivo y comunicacional de todo el ejercicio. Acompañe cada foto con un fragmento significativo del testimonio entregado por su familiar. Cuide la tipografía y diagramación.

Formato:150 mm x 200 mm, justificación libre, papel mate, montado sobre foamboard.

3. Analice los testimonios de sus familiares sobre la pieza acudiendo al texto de Susan Boztepe ‘User Value: Competing Theories and Models’ (2007). Sintetice su análisis en una pieza infográfica, que combine de manera apropiada testimonios e ideas de las entrevistas, con conceptos abstractos y teóricos. Sea sintético, busque el predominio de lo visual sobre lo textual.

Formato: Papel doble carta, justificación horizontal.

4. Recopile todo lo anterior en un breve libro digital, acompañado por un texto de máximo 500 palabras que explique el ejercicio y presente sus hallazgos personales.

Formato: Libro digital subido a ISSUU, link por correo al profesor y el monitor.

Nota: Marque con su nombre su trabajo, pero cuídese de no parecer un colegial que ignora todo sobre el diseño.

Entrega: Viernes 9 de agosto 9:00 a.m., Salón t 109, montaje tipo museo.

Bibliografía.

Boztepe, S. 2007 Aug 2. User Value: Competing Theories and Models. International Journal of Design [Online] 1:2. Available: http://www.ijdesign.org/ojs/index.php/IJDesign/article/view/61..