EJERCICIO 2: Videos + Aplicación 2013-1

March 4th, 2013 by Karen Aune

EJERCICIO 2: VIDEO – ANÁLISIS Y APLICACIÓN

El objetivo del segundo ejercicio de Estudio 5: Dirección Creativa es la comprensión y apropiación de los diferentes lenguajes estéticos y conceptos que componen un video. El ejercicio de “reversa” tiene como objetivo, comprehender los diferentes aspectos formales y conceptuales que se imbrican en la dirección de arte y aplicarlos en un ejercicio específico. En este caso los estudiantes se enfrentan a la complejidad del mundo audiovisual y sus múltiples referentes que por su vez construyen este universo.

Los videos seleccionados a cada semestre aportan constantes temáticas, conceptuales y formales que tipifican la producción de un autor. Se busca que los estudiantes entiendan este contexto, que además de cultural es contemporáneo, para que localicen intereses y soluciones de los autores, y su diálogo con su momento histórico. Una vez analizado el video y su autor, y sus referentes los estudiantes se enfrentan a lo que se denomina Inflatables reversa, es decir, deconstruir los múltiples elementos que lo componen para indagar la poética del autor, ubicando sus referentes – visuales y conceptuales – y sus soluciones formales y de contenido.

Se trata por la complejidad misma del universo audiovisual, de que logren hacer ahora cartografías aún más amplias de referentes, de formas y de conceptos que les permitan entender cómo la dirección de arte se apoya en un núcleo de intenciones e ideas, cuya traducción pasa por una intención creativa explícita o implícita. Los estudiantes agrupan y subdividen sus cartografías en conjuntos más pequeños, buscando conceptos subyacentes que serán relevantes y pertinentes con la obra audiovisual. Una vez terminado el análisis, los estudiantes pasan a una fase de reconstrucción creativa. Se les propone lo que llamamos “Aplicación”, en otras palabras, deben aplicar el conocimiento del análisis a una “nueva obra” según la forma de uso que se les sugiera utilizando los mismos conceptos y elementos estéticos del video. El sentido acá es subrayar la pertinencia de un encargo. Se busca que los estudiantes tengan la capacidad de conjugar un mosaico de herramientas estéticas y analíticas desde una restricción.

Análisis de Video:

– Realizar una investigación formal y conceptual que incluya los posibles referentes estéticos visuales, audiovisuales, sonoros, históricos y teóricos del video.

– Realizar una investigación sobre el concepto y/o discurso elaborado por el autor y desarrollar un concepto propio a partir de esto, teniendo siempre en cuenta lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual del video investigado.

– Definir y presentar los posibles referentes conceptuales y formales evidenciando su relación con el video.

– Definir y presentar las inspiraciones junto a referentes en un moodboard que sirva como guía estético, narrativo y conceptual del video.

 

Realizar un Documento de Análisis

Formato: Papel: Empastado de forma creativa 20 x 20 cm aprox. / Virtual: cargado en issuu.com

1. Índice.

2. Introducción: Introducir el propósito del documento, el video/autor/músico/proyecto y el objetivo del análisis.

3. Referentes: Nombrar los referentes visuales, audiovisuales, sonoros, históricos y conceptuales, evidenciando su relación con el video.

4. Moodboard: El Moodboard debe dejar en evidencia los elementos inspiracionales y referenciales que sirvan como guía visual sobre los elementos estéticos y conceptuales que componen el video. Es el concepto traducido en un conjunto de imágenes que le dan sentido.

5. Concepto: Realizar un texto sobre el concepto y /o discurso del video teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual según lo analizado.

6. Análisis: Dejar en evidencia un análisis desde la narrativa del video, sus tiempos y etapas, su relación con la música y letra (si los hay) espacio, vestuario, utilería, objetos, iluminación, sonido y todos los aspectos perceptuales que le dan un fin.

7. Conclusión: Resuman los aspectos intangibles relevantes que encontraron en el material analizado, identifiquen intenciones del autor que, en principio, no parecían evidentes.

8. Bibliografía: Referencias bibliográficas, web y filmográficas según normas APA

*Citar todas las fuentes en pié de página según normas APA

 

Aplicación:

– A partir de la aplicación dada en clase, realizar una nueva investigación formal y conceptual que incluya los posibles referentes estéticos visuales, audiovisuales, sonoros, históricos y teóricos relacionados a la aplicación.

– Definir un concepto propio a partir de la aplicación versus el video.

– Definir y presentar los referentes conceptuales y formales evidenciando su relación con el video.

– Definir y presentar las inspiraciones junto a referentes a través de moodboard y bocetos que sirvan como guía estético, narrativo y conceptual para la elaboración de una puesta en escena que los deje en evidencia.

– Elaborar una maqueta a escala 1:20 que de cuenta de la organización y planeación de los elementos que reconstruyen de forma conceptual y formal el imaginario del video y su aplicación.

– Crear y planear una puesta en escena/Instalación que de cuenta estéticamente y conceptualmente del imaginario del video y su aplicación.

 

Realizar un Documento de Aplicación.

Realizar una puesta en escena / Instalación controlada que de cuenta de los elementos estéticos y conceptuales analizados versus la aplicación asignada.

Documentar en fotos y video el proyecto.

 

Documento de Aplicación

Formato: Papel: Empastado de forma creativa 20 x 20 cm aprox. / Virtual: cargado en issuu.com

1. Índice

2. Introducción: Introducir el propósito del documento, la intención del análisis del video versus el objetivo de la aplicación.

3. Concepto: Realizar un texto sobre el concepto final sobre la aplicación teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual.

4. Referentes: Nombrar los referentes visuales, audiovisuales, sonoros, históricos y conceptuales, evidenciando la relación con la aplicación.

5 Proceso creativo: Dejar en evidencia el proceso creativo a través de moodboards, bocetos y maquetas que den cuenta decisiones tomadas y de la elaboración de la puesta en escena/instalación final.

6. Photoshoot: Imágenes fotográficas que den cuenta de mostrar de la mejor forma posible los logros de su proyecto.

7. Conclusión: Resuman los aspectos intangibles relevantes que encontraron en el proceso creativo del proyecto y lo que se logró o no realizar de forma tangible.

8. Bibliografía: Referencias bibliográficas, web y filmográficas según normas APA

*Citar todas las fuentes en pié de página según normas APA

 

DROPBOX

Documentación de Proyectos

*La carpeta debe estar identificada por fuera con el Título del proyecto.

Incluir:

Documento Word:

  • Título del proyecto
  • Nombres de los Integrantes del grupo
  • Texto redactado de forma clara y coherente evidenciando los conceptos, intenciones y alcances del proyecto ( máximo 500 palabras)
  • Link en YouTube o Vimeo de los videos realizados sobre el proyecto (si es el caso)

Citar en YouTube/Vimeo título de la música(s), autor(res) y año,  incluidos en el video, evidenciando que este es un proyecto realizado para la clase de Estudio 5 – 2012 de Diseño de la Universidad de los Andes en Bogotá (Citar autores del proyecto y video)

  • Link del álbum: Estudio 5 Dirección Creativa 2013-1 en Flickr en el cual pueden tener cuantas imágenes deseen de sus proyectos (Citar fotógrafo de cada imagen)
  • Link de www.issuu.com  de sus documentos (Manuales) en. pdf optimizado para web.

 Imágenes:

  • Incluir en una carpeta mínimo 3 máximo 5 imágenes representativas de su proyecto ( jpg a 72 dpi 15 x 10 cm)

 

VIDEOS X APLICACIÓN

 

Fjögur píanó – Sigur Rós –  Alma Har’el

http://vimeo.com/43657394 

Aplicación: Taxonimía de la Intimidad
Ana Collazos
Constanza Díaz del Castillo
Silvana Perdomo
Esther Ramos
Documento Análisis: http://issuu.com/anacollazos/docs/fjogurpiano

Intimitatem 1 Intimitatem 2 Intimitatem 3 Intimitatem 4 Intimitatem 5

La Taxonomía de la Intimidad consiste en el acto de clasificación de momentos en los cuales el individuo decide compartir su privacidad. Esta tipificación parte de etapas que las relaciones transitan, comenzando por el amor y el apego a los objetos que lo representan.  Luego, el olvido de lo material y la perduración de los recuerdos tras un estado de ruptura, un quiebre en la confianza y en el compromiso. Dicha clasificación, tras el concepto presentado por  la directora Alma Har’el en el video de Sigur Rós, Fjögur Píanó, se encuentra involucrada dentro de un ciclo íntimo e intenso donde los recuerdos quieren ser olvidados.

En la intimidad se coleccionan elementos que el individuo considera importantes y por lo tanto busca hacerlos perdurar en el tiempo. Estos objetos son los que presentan un factor común entre diversas historias amorosas y permiten crear una categorización que se recopila y exhibe en el Museo Intimitatem.

A través de dichas representaciones, nos adentramos en las memorias más privadas de las personas, revivimos momentos y contamos historias. Al ver las reacciones y escuchar los comentarios de los espectadores después de la exposición, nos dimos cuenta que nuestro proyecto resultó ser sobre todo satisfactorio. Empaquetamos en un solo espacio miles de sentimientos y emociones que surgieron de personas en el anonimato para lograr combinar de manera sutil, lo público y lo privado, la intimidad en el Museo.

Documento Aplicación: http://issuu.com/anacollazos/docs/museointimitatem

Link Flickr:  http://www.flickr.com/photos/94026607@N07/sets/72157632993045498/

 

 

 

Morphe Aesop – Lucy McRae

http://vimeo.com/49304150 

Aplicación: Incubadora de Belleza
Francesca Díaz
Manuel Espinosa
Mateo Gonzales
Andrés Ramírez Yepes
Documento Análisis: http://issuu.com/andresyepes92/docs/morpheaesop

Ether1 Ether2 Ether3 Ether4

Ether5

Este trabajo de dirección creativa es el resultado y consecuencia del video publicitario Morphē dirigido por Lucy McRae. A partir de un proceso de investigación se recogió información pertinente para desarrollar el concepto de una incubadora de belleza. De esta manera, construimos un universo físico gestor de vida con un discurso que recae y se soporta en la vida misma, fuente de belleza básica y más importante. Así, documentamos nuestros argumentos estéticos, conceptuales e inspiracionales para construir nuestro propio universo creador, un laboratorio que busca la concepción de la belleza a través de la naturaleza.

 

Documento Aplicación: http://issuu.com/andresyepes92/docs/ether

Link Flickr: http://www.flickr.com/photos/mcmanu/sets/72157632969489198/

Link Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=3F_ZxUn8fP4

 

The Woman Dress – Miu Miu – Giada Colagrande         

http://www.youtube.com/watch?v=uGhvrID2ilA

Aplicación: Exorcismo Fashion
Héctor Garzón
Juliana Montes
Gabriela Nieto
Natalia Zapata
Documento Análisis: http://issuu.com/julymontes/docs/manual_the_woman_dress

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La actividad del montaje consistió en la identificación y síntesis de los elementos clave del fashion film The Woman Dress (por miumiu en conjunto con la italiana Giada Colagrande) para la puesta en práctica de la aplicación conceptual “exorcismo fashion”.  Se reforzaron capacidades de análisis e investigación y se hizo constante énfasis a la tangibilización de ideas para la producción y representación acertadas de un concepto.  En nuestro montaje recreamos la captura de una esencia a través de la purificación.  Entendimos cómo, la intención humana por transformarse permanentemente y liberarse de los escrutinios sociales, exige esa purificación que a su vez se logra a través de la recuperación de nuestra esencia básica.

 

Documento Aplicación: http://issuu.com/julymontes/docs/manual_the_woman_dress_montaje

Link Flickr: http: //www.flickr.com/photos/94026265@N03/sets/72157632987811305/

 

  

Alter Ego – Simon Ruschmeyer      

http://bentrova.to/classic/fashion/alter-ego-simon-ruschmeyer/

Aplicación: Espacios Bipolares
Diego Medina
Lucia Trujillo
Juan David Cadena
Catalina Segovia

Documento Análisis: http://issuu.com/catalinasegovia/docs/manual

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Con este montaje se buscó crear y mostrar tanto la mente como un fragmento de la historia de Klara durante su estadía en el asilo, a partir de los estados mentales de la bipolaridad, en los cuales se experimentan sensaciones distantes pero interconectadas como se nos muestra en el video Alter Ego de Rusch Meyer. Para lograr producir las emociones buscadas investigamos referentes que nos mostraran sensaciones enfrentadas, tales como la levedad y la pesadez. Fue importante encontrar aquellos elementos que comunicaran las emociones y percepciones necesarias para transportar al visitante a la esencia de la enfermedad.

A lo largo del proceso se realizaron ajustes a la idea inicial de crear cuatro espacios (dos de cada etapa de la bipolaridad) que produjeran un recorrido físico, sensorial y mental en el espectador. La idea se simplificó con ayuda de las maquetas y las retroalimentaciones, se pasó a sólo dos espacios y se planteó una membrana que separara los espacios y que dificultara el paso de un lado a otro. Esto nos permitió trabajar más a fondo en la organización de los espacios y los elementos que los conformarían. Como resultado final se logró hacer palpable ésta bipolaridad a través de las vivencias y pensamientos del personaje inspirado en Alter Ego: Klara Hoffman.

Documento Aplicación: http://issuu.com/luciadelasflorestrujillof/docs/espaciosbipolaresklara

Link Flickr: http://www.flickr.com/photos/93982243@N06/ 

Ejercicio Fotografía 2013-1

February 17th, 2013 by Karen Aune

Ana Collazos y Constanza Díaz

 

Foto representativa serie- America-

David LaChapelle – Earth Laughs in Flowers (2012)

 

everlasting naive

Everlasting Naive

En esta serie, LaChapelle trae de vuelta los bodegones como referente principal de la historia del arte, para expresar diferentes capítulos de la vida de una manera bellamente irónica. En su obra se pretende generar cuestionamientos sobre la forma en que actuamos en diferentes etapas de la vida. Los pecados Inflatables capitales y las cualidades humanas, como la espiritualidad o la búsqueda de identidad, también hacen parte esencial del discurso que propone el artista.

Las composiciones se caracterizan por un estilo kitsch y un exceso de simbología a través de elementos cotidianos o referentes históricos. Cada foto tiene una personalidad, cuenta una historia a través de la cual LaChapelle hace críticas específicas a la sociedad consumista.

Esta obra hace un paralelo entre lo natural y lo falso, la vida y la muerte, lo plástico y lo real, lo ordenado y lo caótico. Lo anterior, se ve reflejado en los títulos de las fotografías y en la ambigüedad visual de los objetos y las escenas.

Para la fotografía Everlasting Naive, se desarrolló un personaje masculino que sufre del síndrome de Peter Pan, un niño que está encerrado en el cuerpo de un adulto. La obra tanto en el título como en la composición, busca expresar la dualidad entre la personalidad madura y la infantil, el niño y el hombre que son la misma persona. Lo anterior, a través de elementos como una jaula que encierra el espíritu de un niño representado por muñecos y comics, en contraposición con una revista de Playboy y los condones, que representan la etapa más adulta del género masculino.

Debido a que Michael Jackson es un personaje reconocido que se dice sufrió del síndrome de Peter Pan, resulta pertinente traerlo a la obra por medio de una imagen de la escultura de Jeff Koons “Michael Jackson and Bubbles” (1988). Al mismo tiempo, Koons resultó ser un referente importante que se ve reflejado a través de la serie Earth Laughs in Flowers. También se mantuvo la presencia de elementos como la pistola de agua, el pájaro, lo plástico y las frutas, objetos recurrentes en la serie en cuestión.

Este bodegón pretende mostrar la personalidad de una etapa de la vida que muchos hombres atraviesan, la confusión de identidad, el momento de asumir responsabilidades y actitudes, que según lo establecido en la sociedad, van acorde a la edad. ¿Pero qué sucede cuando lo que va por dentro no es acorde a lo que se ve por fuera?, esta fotografía capta el interior caótico y confundido de la mente de una persona que por siempre, se niega a crecer.

 

Esther Ramos y Silvana Perdomo

 

referente

DANIELA EDBURG
THE REMAINS OF THE DAY
2005-2007

 

Fotoestudiante

From A to Z

La vida es un recorrido que se crea estando consciente de que va a llegar a un fin. Se va construyendo a partir de momentos materiales y objetos artificiales, que perduran una vez los cuerpos vuelven a un estado básico de descomposición en la tierra. La serie The Remains of the Day (2005-2007) de la fotógrafa Daniela Edburg, muestra los momentos de armonía  posteriores al acto violento de morir, en los cuales la muerte se convierte en una metáfora de la identidad. Dicha identidad es comunicada mediante el uso implícito de clichés en cada una de las fotografías. Al descomponerse los cuerpos, lo artificial son los restos que permanecen en la realidad, son los protagonistas de estos momentos reiterativos, que salen de los personajes creando la ilusión de las entrañas, que alguna vez representaron la vida de la persona.

From A to Z es creada a partir de la serie, como una continuación de la misma. Analizando la obra de Edburg se toma el concepto de la muerte como poesía, personajes que cambian de estado dentro de escenarios naturales dejando atrás su relato. Dichas muertes se remontan a la más icónica de la historia, la muerte poética de Ofelia. Este legado es retomado en cada una de las fotografías de forma indirecta, al mostrar muertes que resultan hermosas a pesar de la connotación negativa que tiene el acto de morir. Dentro de la fotografía from A to Z  se toma la inspiración de Ofelia no sólo como acto poético sino también como referente de lo artificial, tomando los libros como el factor de artificialidad existente en la vida de las personas. Son historias como las de Ofelia, con sus personajes y moralejas, que han generado los humanos para satisfacer su necesidad de crear irrealidades dentro del mundo real previo a la muerte.

Dentro de la fotografía se crea una identidad que se ve representada por medio del cliché que va de la mano del objeto artificial elegido, los libros. Analizando los clichés, se encontró la oportunidad de representar el estereotipo de la joven intelectual, lectora y literaria la cual, usualmente, es mostrada como una estudiante. La imagen utiliza como signo la descomposición del individuo. Así, los libros, el personaje y la locación escogida, se convierten en significantes. Estos llevan al receptor a tomar como significado de la fotografía la artificialidad que dejamos al morir, que es representada por medio de objetos, en este caso libros.

Finalmente se manejan aspectos perceptuales y compositivos que apoyan el concepto. La paleta de colores complementarios, donde predominan el verde y los naranjas, deja como foco los tonos rojizos, enfocando lo representativo de la muerte como los libros y las flores caídas, creando a su vez un equilibrio cromático. En cuanto a los planos focales, se trabaja la escena de manera plana, con presencia de líneas horizontales que dividen la imagen, dándole un aura pacífica y tranquila. Aura fracturada por la presencia de colores vivos y fuertes en los tercios inferiores de la misma.

 

Jennifer Grajales y Diana Marínez

 

 

Yasumasa Morimura

Daughter of Art History – Yasumasa Morimura

 

Final Final

Retrato Lily Elbe por Gerda Wegener

Yasumasa Morimura (1951) es un artista plástico japonés. Dentro de sus obras se encuentran principalmente las fotografías. Su trabajo esta enfocado en dualidades como el pasado/presente, cultura occidental/cultura oriental, pintura/fotografía, arte/parodia, hombre/mujer, original/producción. Con lo anterior, se infiere por qué Morimura en sus obras escoge a reconocidos artistas y sus creaciones para recrearlas haciendo una mimesis de ellas; lo que pretende él es que sus obras reflejen algo controversial además de ser un homenaje a sus creadores.

La serie Daughter of Art History se basa en pinturas de artistas famosos sobre todo del impresionismo y el postimpresionismo, entre ellos Marcel Duchamp, Diego Velásquez (barroco) y Édouard Manet. En ésta se reflejan tres conceptos principales como lo son lo femenino, lo dual y lo icónico. También el escenario se vuelve un gran protagonista al cargarse de objetos de la cultura oriental, como telas, botellas, flores y un juego de colores. Uno de los aspectos representativos de la serie es que sus imágenes se encuentran recargadas hacia un lado del encuadre, además se presenta un juego de cuatro manos de las cuales dos son incorporadas por el artista a la pintura original. Paralelo a esto se observa en su obra aspectos controversiales como la identidad de genero que se ven manifiestos en la duplicidad de gorros, manos, un cuerpo que parece de dos personas diferentes por el cambio en su color, el reflejo de un hombre y una mujer mirándose haciendo alusión al alter ego, incluso elementos incorporados, movidos o sustraídos como cables, telas, florero y brazos. Las tonalidades usadas principalmente son los tonos azules, rojos, amarillos (en menor cantidad), negro y blanco.

La imagen presentada es la reinterpretación de la pintura de una artista del siglo XX, Gerda Wegener, pintora e ilustradora danesa. En la pintura Gerda utiliza como modelo a su esposo de la época Einar Wegener quien interpreta el papel de una mujer. Se observan elementos como una baraja de cartas de la cual la reina de corazones se encuentra en la mano del personaje, componente que nos remite de inmediato a algo dual e icónico. Podemos ver también que las tonalidades son frías en la mayoría de la pintura, manteniendo tonos azules. Los objetos decorativos adquieren una importante relevancia ya que son los que enriquecen la pieza, le dan sentido. Con lo anterior, en la fotografía que hemos incorporado a la serie decidimos utilizar componentes parecidos pero cambiando objetos como la baraja de cartas, el cojín, el jarrón y el porta maquillaje reinterpretándolos con cosas de la cultura japonesa. También se ha puesto una imagen de otra de las obras de Gerda en el periódico, la cual nos hace pensar sobre la identidad de genero al detallarla, ¿Serán las dos mujeres Gerda y su esposo?; además se instaló la imagen de una geisha en la botella lo cual refleja la sensualidad y erotismo de las obras de Wegener. Por ultimo fue añadida una mano cogiendo una de las copas, tal como Morimura hace en sus obras con el juego de brazos, esto refleja lo original y el hecho de identificarse a si mismo en cada una de sus piezas.

 

Andrés Hidalgo y Simón Aguía

 

Foto Representativa

Eugenio Recuenco / Images of Passion / 2009

 

Foto Final

Amnistía Artística

Eugenio Recuenco es un artista y fotógrafo español que se caracteriza por su estilo pictórico en las fotografías como principal recurso para hacer de ellas obras de arte. Siempre hace referencia al Siglo de Oro del Barroco, por la luz y la composición de las imágenes, al Renacimiento y algunos artistas del Arte Moderno, incluyendo destacados representantes del Séptimo Arte.

La serie que elegimos, Images of Passion, fue un encargo del banco BSI a Erwin Olaf y Eugenio Recuenco para expandirse como banco por medio de series fotográficas que lo representen utilizando el violín como su insignia. Recuenco utilizó este recurso ilustrando, de manera satírica, indagando en cómo el violín sería acogido por culturas muy representativas en el mundo que en el imaginario cultural de las personas constituyen clichés o estereotipos. Se encuentran Geishas utilizando los arcos como palitos chinos, violines brotando del suelo árido de África, un pirata frente un cofre lleno de violines, entre otros; haciéndonos encontrar nuestro concepto “Estereotipo Cacofónico” viendo la cacofonía como esa ironía o desarmonía en cada foto. De esta manera, las fotos contienen un gran contenido político y satírico en los estereotipos culturales representando la desarmonía y cómo el violín, el banco, puede representar una salida o una salvación en cada contexto. Los suelos se convierten fértiles en África; contiene la trascendencia cultural del arte francés; evita que los ladrones, o piratas, consigan lo que contiene el banco, ayuda al indio en la gran ciudad e incluso es el banco de la monarquía demostrando que la reina no hace nada por sí misma.

En la foto recreada, el estereotipo representativo de la cultura colombiana escogido es el del conflicto armado en Colombia, pues internacionalmente esa es la concepción que se tiene en el imaginario cultural sobre el país. De esta manera, al igual que en las otras fotos, la finalidad es sensibilizar el espectador a ver la connotación positiva que recrea el símbolo del violín acerca del BSI. Por consecuente, la composición denota el guerrillero que a través del violín que toca armoniosamente, encuentra su salida, una epifanía con la que decide dejar su chaqueta y su pasado en el suelo dejando al descubierto una camiseta blanca que simboliza la paz que llega finalmente. La cacofonía reside en un conflicto que ha durado más de 50 años en el país, pero por las artes y el banco ha llegado a su fin. La obra de Botero en el fondo refuerza el contenido pictórico, las artes como salvación, y se usa como referente al igual que Recuenco a lo largo de la serie utiliza diferentes referentes artísticos. Asimismo, se ilumina con un solo foco representando la luminosidad del barroco y la estética pictórica de éste. Esta fotografía busca en últimas avivar la sensibilidad del espectador frente al conflicto armado, ilustrando el arte y los valores del banco como la verdadera salida hacia la paz que debe reincidir en los países, en la cultura y los individuos que la componen.

 

Leonardo Freseneda y Mauricio Baquero

 

Foto 5-02-13 7 45 44 a.m.

Marcos López – POP Latino

 

Foto 5-02-13 7 42 37 a.m.

Mr. Mac Ondos

Marcos López es un fotógrafo y artista argentino, dedicado a mostrar en sus fotografías la cultura latinoamericana. En la serie POP-Latino, el artista se acerca a la cultura popular, al paisaje urbano y examina los objetos que le rodean, las actitudes que lo configuran y la realidad de la cual todos participan. El Pop latinoamericano comparte características con el Pop Estadounidense; ambos muestran influencias por parte del estilo Camp y el Kitsch. En todas sus fotografías, Marcos López logra rescatar la identidad latina de una forma original, contrastándola con el consumismo y la globalización.

En la serie de Pop Latino, Marcos López retrata la cultura pop globalizada y específicamente cómo se evidencia en América Latina arriesgando por el camino de la obviedad, primer plano, gran angular y transmitiendo un mensaje social. Destaca además esa gran importancia al color y al impacto que este genera en la composición de sus fotografías. Él dice que ¨el color me da más elementos de opinión”.  Las fotografías están marcadas por sus colores exagerados, las poses de los personajes, y ciertos elementos de la fotografía publicitaria pop.  López muestra la desigualdad social que se vive en América Latina, y la contrasta con la alegría y su toque característico de humor irónico.

¨Siempre me intereso en que mi obra hable de la periferia, mostrar la textura del subdesarrollo. Trato de que mi trabajo tenga el dolor y la desprolijidad de la América mestiza.¨ – Marcos López

Basándonos en ese estilo característico de López en la gama de colores que utiliza, en las temáticas que trabaja y en la composición de la imagen, desarrollamos una nueva fotografía que se acoplara a las demás de esta serie en particular. Primero empezamos la búsqueda de elementos criollos que caracterizaban a nuestra cultura y que de alguna forma retratara la cultura pop global. En la serie escogida, destacamos la importancia de la comida criolla y quisimos resaltarla.

Tomando como referencia elementos muy reconocidos a nivel mundial de grandes multinacionales de comida, iniciamos una búsqueda de referentes colombianos de restaurantes de clase media – baja, en donde se evidenciara esa fuerte influencia que tienen las franquicias multinacionales en el mercado y ese intento por adaptarlas a la cultura latinoamericana. De ésta forma es evidente cómo la cultura latinoamericana en su intento por adaptar éstos referentes de la cultura Estadounidense y la estética extranjera comete errores inocentes debido a su ignorancia respecto al tema y a en afán de “alcanzarlos”.

El estilo Camp: Camp es una palabra de origen australiano que significa salón o taberna deteriorada. Fue difundido con el significado de afición a lo artificioso y exagerado, y hace referencia al gusto estético basado esencialmente en un entorno nostálgico a formas plásticas, consideradas anteriormente pasadas de moda.

El estilo Kitsch: Define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.

EJERCICIO 1: Fotografía 2013-1

January 29th, 2013 by Karen Aune

EJERCICIO 1: FOTOGRAFÍA

ramstein

Eugenio Recuenco

El objetivo del primer ejercicio de Estudio 5 : Dirección Creativa es la comprensión y apropiación de los diferentes lenguajes que se amalgaman en una imagen fija, con miras a entender que los diferentes aspectos que se imbrican en la dirección de arte y aplicarlos en un ejercicio dado. Para lo anterior, los estudiantes se enfrentan a una serie limitada de la obra de un autor contemporáneo.

La serie aporta constantes temáticas, conceptuales y formales que tipifican la producción de un autor. Se busca que los estudiantes entiendan este contexto, Jumping Castles que es cultural y formal a la vez, para que localicen intereses y soluciones del fotógrafo, y su diálogo con su momento histórico. Una vez estudiada la serie, los estudiantes  se enfrentan a lo que se denomina reversa, es decir, a deconstruir la imagen para indagar la poética del autor, ubicando sus referentes – visuales y conceptuales – y sus soluciones formales y de contenido.

Se trata de que logren hacer cartografías de referentes, de formas y de conceptos que les permitan entender cómo la dirección de arte se apoya en un núcleo de intenciones e ideas, cuya traducción pasa por una intención creativa explícita o implícita. Los estudiantes agrupan y subdividen sus cartografías en conjuntos más pequeños, buscando conceptos subyacentes que serán relevantes y pertinentes con toda la serie.

Una vez terminada la reversa, los estudiantes pasan a una fase propositiva. Dicho en una analogía, es como si asumieran la piel del autor y tuvieran la intención de producir otra pieza de la serie. El sentido acá es subrayar la pertinencia de un encargo. Se busca que los estudiantes tengan la capacidad de conjugar un mosaico de herramientas estéticas y analíticas con un requerimiento dado. Esta nueva imagen debe tener un alto nivel de dirección de arte, debe resultar idónea y corresponder al objetivo del ejercicio que, en este caso, busca proponer otra pieza que pueda habitar la serie original.

No se trata de copiar al autor, o de replicar alguna de sus imágenes: los estudiantes construyen una imagen nueva en todas sus fases productivas a partir de referentes claros. Teniendo desagregados los diferentes ejes de la dirección de arte, están en capacidad de proponer una solución creativa diferente, que tiene una intención comunicativa cuyos lenguajes estéticos son elaborados y que, a la vez, se ajusta a los límites mismos del autor que la reversa estableció. El cierre de la entrega es una imagen cuya dirección de arte se apoya en concepto claro, con una forma y una técnica idóneas, que proyecta un contenido pertinente respecto a los lineamientos que la gestaron.

Investigación:

Realizar una investigación formal y conceptual desde los referentes de la series fotográficas seleccionadas por ustedes según el Autor asignado.

  • Definir y presentar los referentes directos del mismo género (Estado del arte)
  • Definir y presentar los referentes indirectos desde otros géneros (Referentes generales)
  • Definir y presentar las inspiraciones

Realizar un texto sobre el concepto y /o discurso del Autor asignado teniendo en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la serie investigada. (máximo 500 palabras)

Fotógrafos:

Eugenio Recuenco

David La Chapelle

Yasumasa Morimura

Marcos López

Daniela Edburg

David Crewdson

 

Planeación

Realizar bocetos desde dibujos, fotografía, collage etc. que den cuenta de organizar y comunicar el proceso creativo y los elementos a ser usados para la reconstrucción del imaginario del Autor a través de una nueva imagen que haga parte de la serie investigada.

 

Presentación:

Realizar una imagen fotográfica que se entienda como parte de la serie investigada y un texto que de cuenta del concepto elaborado en la imagen, siempre teniendo en cuenta lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual de la imagen realizada. (Máximo 500 palabras)

Foto (identificada con el nombre de los estudiantes)

Imprimir una fotografía realizada por ustedes en formato A3 (297 x 420 mm) en papel fotográfico.

Imprimir seis imágenes representativas de la serie distribuidas en un formato A4 (201 x 297 mm)

*No es necesario ponerle ningún soporte extra. (Recuerden refilar las fotografías)

Texto (identificado con el nombre de los estudiantes)

Imprimir en papel formato A4

Nombre de los estudiantes

Nombre del fotógrafo

Título de la serie

Título de la fotografía creada por ustedes

Concepto (máximo 500 palabras)

*Recuerden las reglas de ortografía dadas la primera clase.

CD (identificado con el nombre de los estudiantes)

Fotografía de los Estudiantes en formato jpg (72 dpi 15 x 10 cm aprox.)

Una fotografía representativa de la serie en formato jpg (72 dpi 15 x 10 cm aprox.)

Texto en un documento Word (máximo 500 palabras

PROGRAMA 2013-1

January 20th, 2013 by Karen Aune

PROGRAMA

ESTUDIO 5 – DIRECCIÓN CREATIVA 2013-1

Descripción del Curso:

El programa desarrolla el concepto de Diseño Estratégico y establece puentes entre los ámbitos de la creatividad y los aparatos productivos. En otras palabras, se promueven las competencias de un diseñador estratega de modo que pueda enfrentar diversos contextos, aportando soluciones que son ideaciones estéticas que se articulan con un mercado. A lo largo del curso los estudiantes reconocen el valor, el contenido y la trayectoria Jumping Castles cultural de un autor o de una manifestación estética desde la perspectiva de la dirección de arte, sintetizando sus conceptos visuales y produciendo estados del arte. Luego, a través de estudios de caso, construyen su pensamiento estratégico, formulando y ejecutando oportunidades de diseño traducibles a productos, servicios o experiencias con un lenguaje estético articulado y coherente, que tiene en cuenta las filiaciones estéticas de las audiencias.

Objetivos

La Dirección Estratégica busca afinar en el alumno la capacidad de construir conceptos estéticos, estableciendo balances entre los deseos de las personas,   los entornos culturales y las dinámicas del mercado. El diseño aparece como generador de valor, como detonante de mecanismos de identidad, filiación y consumo, generando vínculos perceptuales que van más allá de la simple funcionalidad de un producto. Para tal efecto, junto a la capacidad de elaborar cartografías estéticas y visuales, es necesario que el alumno aprenda a conceptualizar estos procesos y a mirar las audiencias como receptoras y articuladoras de dinámicas culturales El curso busca formar un diseñador estratega que, con una mirada holística e interdisciplinaria, pueda interpretar, documentar, formular y ejecutar proyectos creativos en distintos ámbitos empresariales.

Metodología

El diseño es fuente de identificación, valor y filiación de audiencias, más allá de la funcionalidad de sus manifestaciones. La creatividad del diseñador se articula dentro del ámbito de fuerzas que actúan en un entorno de mercado. El director creativo articula estrategias, cataliza oportunidades, visualiza recursos culturales y proyecta estéticas que dialogan con audiencias específicas.

El programa tiene dos momentos fundamentales: en la primera fase, el alumno deconstruye productos culturales con una dirección de arte compleja, de modo tal que pueda entender los ejes culturales, perceptuales, visuales y sensibles que la subyacen. En otras palabras, aprende a hacer cartografías visuales y conceptuales, a producir referentes y estados del arte estéticos que, luego, aplica a un contexto de diseño articulado en torno a productos o servicios concretos. Una vez aprehendidas estas herramientas, el alumno se concentra en estudios de caso reales: inmersos en un simulacro del mundo laboral, los estudiantes construyen propuestas que – con énfasis sus aspectos creativos y en la percepción de las audiencias – generan una estrategia sostenible en el mercado.  Al final, la bocetación y prototipado de conceptos estéticos, su documentación y comunicación, las etnografías visuales, confluyen en un proyecto grupal de diseño que produce experiencias, servicios o productos conceptuales, entre otros.

PROGRAMA E5 2013-1

CRONOGRAMA ESTUDIO 5D

EJERCICIO 3: Empresas Final 2012-2

October 15th, 2012 by Karen Aune

La Libertad – Subasta MAMM

Natalia Largacha, Laura Ortiz, Mariana Castillo y Daniel Ramos

Dos siglos más tarde, son pocos los que recuerdan lo que fue La Libertad. Siempre es más fácil seguir la corriente, pero, ¿qué hay de la persona que no es parte del montón? El sentimiento de rebeldía, de audacia, de querer atreverse a algo distinto sin importar qué dirán los otros; eso es La Libertad, un grito de orgullo de alguien que no le basta estar en el común. Es la voz de la osadía, La Libertad no tiene miedo de entrar en lo más profundo, secreto y oscuro de la mente humana para rescatar lo que es bello. Hay belleza en la maldad, en el erotismo y en lo que Jumping Castles se oculta. Los tabús no existen cuando hay decisión, cuando el que se atreve es fuerte y sus ideas también. La Libertad, más que una joyería es la representación de su nombre, es el recuerdo del sentimiento de no tener miedo y adentrarse en lo desconocido.  Al unir las colecciones a través de un concepto sólido y expresarlo a través de una historia es posible darle unidad a la marca y así reforzar la identidad latente.

Como Directores Creativos aprendimos que al trabajar con una empresa debemos entender cuál es su concepto, su entorno, la audiencia con la que está trabajando y la competencia a la que está suscrita. Esto, con el fin de poder realizar propuestas con un mayor fundamento y más importante aún, que sean efectivas con los objetivos propuestos para ésta.

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Documento La Libertad Subasta MAMM

 

The Tea House – Nómadas de Té

Víctor Mahecha, Jairo Pedraza y Susan Tsai

El proyecto desarrollado para la entrega final partió de un extenso estudio de The Tea House. A pesar de tener malas impresiones de la marca desde unos primeros acercamientos, sólo un análisis integral de los componentes que hacen de The Tea House una experiencia, una audiencia  y un hábito de consumo  pudimos identificar cómo a partir de su eje central y conector “el té” se puede generar todo un mundo de  alternativas que sensibilizan al usuario con la cultura del té, esto dado  desde la intención de la marca de incentivar el consumo en Colombia. Cuando pensamos en cultura, descubrimos  una relación directa entre la evolución de la bebida y el tiempo, donde  de oriente a occidente diversas civilizaciones han  hecho del té una parte vital de sus rituales y de sus  cosmovisiones. Tales cualidades le dan al té un contenido tan profundo que  sus significado traspasaba las barreras de la realidad y llegan a dominios de interpretaciones místicas  y fantasiosas. A partir de estos elementos, buscamos un representante estético y conceptual que pudiera reflejar todas estas características y que al mismo tiempo los condensara a la perfección como paralelamente lo hace la bebida. En este punto llegamos a los  grandes nómadas del mundo contemporáneo “los gitanos”, desde ellos empezamos a investigar estéticas, rituales, tradiciones, creencias e increíblemente el consumo del té desde su perspectiva. Basándonos en esta estética, buscamos un espacio en Bogotá donde la gente esté abierta al intercambio cultural, la experimentación de nuevos sabores y sensaciones. ALIMENTARTE sería el condensador de una nueva propuesta del consumo de té,  donde  la experiencia iba a integrar elementos atractivos y preocupados percepciones de aquellos usuarios interesados  en un consumo que les permita aprender sobre contenidos culturales y costumbre condensados en torno al té. Finalmente la propuesta fue desarrollada para el proyecto final bajo el nombre  “Nómadas del té”. En dicho montaje invitamos a la gente a disfrutar de una experiencia que de principio a fin integraba elementos de culturas representativas del consumo del té, especialmente seleccionadas y  traídas por los viajeros gitanos de The Tea House  para compartir con nosotros.

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Documento The Tea House Nómadas del Té

The Tea House – El Despertar de la Sabana

Camilo Baquero, Juan Daniel Velasquez, Andrea Mora y Juliana Acero

 

El montaje que se propone para el lanzamiento de las nuevas colecciónes de The Tea House, propone un recorrido a través de un espacio atemporal y de historias de distintos personajes aparentemente olvidados, los cuales reviven para convertirse en refugios de permanencia.

En esta oportunidad el lugar que revive dentro de la cotidianidad bogotana, es la estación de la Sabana, en donde habitan historias de  cientos de viajeros que estuvieron en ella entre los años 1917 hasta 1991. El lanzamiento se centra en cuatro historias principales las cuales son contadas a través de objetos personales de su equipaje, sus bitácoras / diarios que relatan su historia desde su propia perspectiva y una mezcla de té que reúne características de cada historia para crear una colección única. Estas historias además tienen especial filiación con los usuarios frecuentes de The Tea House, quienes tienen un alto deseo por ser recordados y recordar, encontrando connotaciones y recuerdos propios en estas historia y sus objetos que relacionan con su propia vida.

La puesta en escena plantea así un recorrido en donde cada invitado ha de buscar entre las narrativas que allí se entretejen para poder encontrar las mezclas que podrá llevar consigo en su propia bitácora y además de compartirla durante una cata en este espacio  nómada.

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Video

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Loto – La Nostalgia del Deseo Embotellado

Mariana Hoyos Uribe, Javier Durango, Guillermo Palacios y Juanita Gaviria

 

Con la recordación y superstición como pilares de nuestra cultura heredada, el “deseo embotellado” evoca la nostalgia del “recuerdo”, característico de nuestra tradición familiar. En las propiedades mágicas, ligadas a los “remedios de la abuela” con raíces en la “santería”, se destacan los sentimientos de fe y credo en ingredientes naturales y rituales. A partir de esto se obtienen pociones cargadas de augurios, energías y deseos. Sumado a esto, el poder de la autosugestión es el canal por el cual un simple detalle puede encarnar dicha o desdicha, o incluso el más profundo deseo egoísta, casi como un hechizo milagroso.

La intención de este proyecto es llegar a un propuesta a partir de nuestro cliente que lograra resolver los problemas de identidad y la carencia de raíces colombianas en la marca. Esta intención va ligada con un espacio particular en donde el usuario pueda vivir una experiencia que satisfaga sus necesidades y los haga sentirse identificados con su cultura.

Para definir el alcance se debe conocer la magnitud del proyecto. La aplicación de este lugar se basa en un espacio complementario para las tiendas actuales de Loto, al cual tendrán acceso sólo unos pocos clientes fieles generando así un sentimiento de exclusividad en los usuarios que nace a partir del factor secreto, propio del lugar. Para delimitar los alcances del proyecto, se definió este sitio como un espacio aparte de las tiendas Loto donde el cliente puede identificarse plenamente con la marca, sentir la nostalgia de de la abuela colombiana y la mística propia de los agüeros y la santería. Definido esto, el proyecto se basó como espacio separado de los establecimientos comerciales. El calibre del proyecto es bastante amplio, e incluye el diseño retail de una tienda Loto, basándose en el concepto planteado, con unas características particulares. Por esto, el trabajo está abierto a intervenciones posteriores para cubrir los elementos que se encuentran fuera del alcance particular del montaje.

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Documento Dirección Creativa

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La Libertad – Vogue Lobby

Daniela Velasquez, Maria Alejandra Hoyos, Aura Patiño y Cristina Lafourie

 

Generar comportamientos en la búsqueda y creación de una estética, formada a partir de la hibridación de múltiples referentes culturales y valores propios, como egocentrismo, apego, tradición, distinción, entre otros. Es decir, creación de moda y tendencias con el fin de exhibir el cuerpo, y destacarse dentro de su privilegiado y exclusivo círculo social. La socialización se desarrolla en espacios que evocan y producen memoria. El gesto se presenta como el hábito de debutar, afirmando la seguridad personal por medio del amuleto (joya y vestuario) que ornamenta y acompaña el ser.­­­

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Documento Dirección Creativa

Video

Loto – Victoria Regia

Maria Juliana Morales, Eduardo Osorio, Natalia Aldana y  Anamaria Torres

 

Como parte de la esencia natural, la vida y la muerte se sujetan a un delgado hilo que cuelga atrapado en un contenedor, cautivando hacia su interior la naturaleza y extrayendo de ella la más pura sensualidad. Es así, que de su centro brotan gotas que manifiestan la exaltación de la vida y el origen, como un discurso cálido y húmedo rodeado de mito y fantasía, abrigados en la protección de la tierra, el aire y el agua, como evocación de la ruptura entre lo humano y lo divino.
De esta manera, al entrar en un espacio donde los sentidos son confundibles y las sensaciones pronuncian fuertes emociones que atraen y cautivan, se experimenta la esencia misma del alma, en donde la dualidad entre el cuerpo y la mente camuflan el deseo por lo incierto y desconocido, como un diálogo entre la curiosidad y la sensualidad latente.
A partir de esto, mediante la sutil búsqueda por la sensualidad propia, se plantea un proceso experiencial en el que los sentidos depuran sensaciones remarcados en la memoria e inducen al alma a guiar el cuerpo a través de la identificación de la esencia propia, como un discurso a la naturaleza, lo fantástico y sensual. 
Loto renace como un mundo de sensualidad y seducción desde las formas onduladas de los exquisitos seres vegetales, que atrapan gracias a un éxtasis de estímulos contrarios que resultan irresistibles a la curiosidad del hombre.

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Documento Dirección Creativa

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The Tea House – Legado del Viajero Híbrido

Alexandra Cepeda, Gloria Navarrete, Alejandra López y Daniela Reyes

 

El viajero híbrido en su recorrido por el mundo, habita caminos que dan origen al no lugar. En su trayecto se empapa de culturas y experiencias latentes, seleccionando aquello que quiere llevar. El espacio recorrido, acoge al nómada permitiéndole explorar a través de los sentidos, cada rincón de éste. La interacción que se genera entre el cuerpo y el no-lugar, resignifica el espacio. De esta manera, en el momento en que se abandona el lugar, el nómada se apropia de aquello que permanecerá en lo intangible de su memoria.

Partiendo de lo anterior, nace una experiencia, por medio de la cual el usuario y sus dos acompañantes, se sumergen en los hábitos que giran alrededor del té en la cultura marroquí. Esto sucede a través de la reinterpretación del ritual de “Los tres tés”, donde cada té que se toma, tiene un significado especial. De esta forma cada persona dentro de la experiencia juega un rol, se identifica particularmente con uno de los tés del ritual, recibiendo una carpeta que simboliza cada una de las etapas del mismo. La experiencia sucede con el propósito  de cubrir la inauguración de una nueva colección de tés para la empresa The Tea House. En el caso especial de nuestro montaje, se remite a los tés del continente africano, traído al contexto bogotano, más exactamente en la Villa Santa María ubicada en la localidad de Usaquén. Se propone hacer la experiencia cada tres meses, empezando en Enero, la segunda en Abril, la tercera en Julio y la última en Octubre. Son tres días, Jueves, Viernes y Sábado, donde a cada invitado se le asignará una hora diferente de llegada, con el propósito de contar con los tiempos necesarios para que se realice la actividad. De esta manera, se convierte en una estrategia para la misma empresa donde se afianzan a los clientes vinculados, se crean nuevos vínculos con otras audiencias, se logra una visión diferente del té y por ende un valor agregado a la marca, puesto que se aleja de la visión tradicional del té logrando darle un giro para introducir nuevas culturas y experiencias.

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Documento Dirección Creativa

Documento top|Bottom 1

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usuarios

 

 

EJERCICIO 2: Videos + Aplicación 2012-2

October 15th, 2012 by Karen Aune
Natalia Largacha, Daniel Ramos, Mariana Castillo y Laura Ortiz
Venetian Snares – Hiszékeny (2007 )
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Documento Investigación
Documento Aplicación – La biblioteca 
Alpine – Hands
Aplicación: Cautiverio Adolescente

Eduardo Osorio, Camilo Baquero, Mariana Hoyos Uribe y Laura Beltrán

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El concepto que guía la narrativa de la experiencia planteada en nuestro montaje, se relaciona con una mirada de cautiverio materializada en contenedores de recuerdos, dentro de los cuales se van acumulando poco a poco memorias. Estas se ven representadas a través de objetos, que en suma muestran la esencia de quien los guarda allí, es decir la mujer adolescente.

Estos contenedores actúan como el envase de lo más íntimo de la naturaleza femenina, manejando simultáneamente dos connotaciones que se le puede dar al cautiverio, que se encuentran en Jumping Castles constante tensión. Por un lado aquella más cercana a lo negativo, en la que el cautiverio se concibe como encierro, ya que se atrapan elementos que definen la identidad, y al mismo tiempo la que se acerca más al lado positivo, relacionado con atraer al otro.

De la misma manera juega un papel muy importante la objetualización de la mujer, reflejada a través de la contención de elementos por un material como el cristal. Esto posiciona los objetos al nivel de altar, representando un enaltecimiento de la adolescente, pero desde otro punto de vista, ya que en el video esto se refleja en el momento en que las mujeres interactúan con los ventanales de la casa en la que se encuentran, que juegan un papel de vitrina, mientras se evidencia una actitud de exhibicionismo por parte de ellas, lo cual lleva a la conclusión de que están actuando bajo una mirada masculina.

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Documento de Aplicación
Muta (Miu Miu) – Lucrecia Martel
Aplicación: Turismo para amazonas
Monica Gutierrez, Julian Rincón, Guillermo Palacio, Cristina Lafourie
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La aplicación designada para el video de Lucrecia Martel “Muta” es el turismo para amazonas, para plantearnos un concepto debimos investigar el universo alrededor del turismo y la mujer amazona que quisimos dar a entender en nuestra aplicación. Esta fue el resultante de la suma de dos tipos de mujeres; la amazona de la mitología griega regida por un matriarcado donde predomina su poder guerrero y su salvajismo, su aislamiento y su independencia del género masculino. Por otro lado la mujer moderna que gracias a sus atributos seductores, belleza y status económico, complementa a la primera resultando en una mujer fuerte, bella, elegante, sin perder los rasgos salvajes que le permiten enfrentarse y apoderarse del mundo masculino. Nos centramos en el turismo del ocio, un espacio que se aísla de la cotidianidad y donde se realizan actividades enfocadas en el relajamiento y la comodidad.
Nuestro concepto fue bautizado como “la apropiación del espacio turístico a través de la feminidad amazónica” Queríamos que la habitación fuera un claro reflejo de lo explicado anteriormente, que reflejara la conducta de estas mujeres en un espacio de confort relacionado con el turismo y que quien entrara a ella se sumergiera en este universo y compartiera la experiencia desde el punto de vista de una de estas mujeres.
Al espacio lo intervinimos transformándolo físicamente continuando con las características físicas del lugar, pero siendo modificado por los gustos y comportamientos de las mujeres amazonas. Estos comportamientos fueron revelados a través de los objetos siempre manteniendo la elegancia como un factor determinante. Logramos que las personas que entraran al lugar sintieran la atmosfera selvática, sintieran la curiosidad de explorar los objetos y elementos que caracterizaban a nuestras mujeres, se sumergieran en un mundo de feminidad y elegancia pero al mismo tiempo en un espacio místico perturbador.
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Documento de Aplicación
Solipsist – Andrew Thomas Huang
Aplicación: Acuario Simbiótico
Juliana Acero, Juan David Velasquez, Camila Forero y Natalia Aldana
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Para la creación de esta puesta en escena se tomó el camino de la experiencia como un viaje de sensaciones construido a través de la espiritualidad, el conocimiento de cada uno y el mutualismo como simbiosis de mutua ganancia. La experiencia buscaba dar elementos que ayudarán a la exploración interna espiritual mientras se construía un objeto ritual único que además serviría posteriormente como recordación fuera del espacio propuesto. Sería así la extinción de la experiencia trascendiendo a la vida cotidiana.
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Documento de Investigación
Documento de Aplicación
Drops – Iamamiwhoami
Aplicación: No Lugar Para Monstruos Internos
Maria Juliana Morales, Daniela Reyes, Laura Gomez y Mayck Cuellar
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Documento de Investigación
Documento de Aplicación
Spectrum – Florence and The Machine  
Aplicación: Mobiliario Drag
Alexandra Cepeda, Andrea Mora, Javier Durango y Daniel Mateus
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Documento de Investigación
Documento de Aplicación

EJERCICIO 1: Fotografía 2012-2

September 1st, 2012 by Karen Aune

EJERCICIO 1: FOTOGRAFÍA

El objetivo del primer ejercicio de Estudio 5 : Dirección Creativa es la comprensión y apropiación de los diferentes lenguajes que se amalgaman en una imagen fija, con miras a entender que los diferentes aspectos que se imbrican en la dirección de arte y aplicarlos en un ejercicio dado. Para lo anterior, los estudiantes se enfrentan a una serie limitada de la obra de un autor contemporáneo. A partir la serie, escogen una imagen en torno a la cual articularán su trabajo.

La serie aporta constantes temáticas, conceptuales y formales que tipifican la producción de un autor. Se busca que los estudiantes entiendan este contexto, que es cultural y formal a la vez, para que localicen intereses y soluciones del fotógrafo, y su diálogo con su momento histórico. Una vez estudiada la serie, los estudiantes abordan el análisis de una imagen específica. Aquí se enfrentan a lo que se denomina reversa, es decir, a Jumping Castles deconstruir la imagen para indagar la poética del autor, ubicando sus referentes – visuales y conceptuales – y sus soluciones formales y de contenido.

Se trata de que logren hacer cartografías de referentes, de formas y de conceptos que les permitan entender cómo la dirección de arte se apoya en un núcleo de intenciones e ideas, cuya traducción pasa por una intención creativa explícita o implícita. Los estudiantes agrupan y subdividen sus cartografías en conjuntos más pequeños, buscando conceptos subyacentes que serán relevantes y pertinentes, no sólo con la imagen, sino con toda la serie.

Una vez terminada la reversa, los estudiantes pasan a una fase propositiva. Dicho en una analogía, es como si asumieran la piel del autor y tuvieran la intención de producir otra pieza de la serie. El sentido acá es subrayar la pertinencia de un encargo. Se busca que los estudiantes tengan la capacidad de conjugar un mosaico de herramientas estéticas y analíticas con un requerimiento dado. Esta nueva imagen debe tener un alto nivel de dirección de arte, debe resultar idónea y corresponder al objetivo del ejercicio que, en este caso, busca proponer otra pieza que pueda habitar la serie original.

No se trata de copiar al autor, o de replicar alguna de sus imágenes: los estudiantes construyen una imagen nueva en todas sus fases productivas a partir de referentes claros. Teniendo desagregados los diferentes ejes de la dirección de arte, están en capacidad de proponer una solución creativa diferente, que tiene una intención comunicativa cuyos lenguajes estéticos son elaborados y que, a la vez, se ajusta a los límites mismos del autor que la reversa estableció. El cierre de la entrega es una imagen cuya dirección de arte se apoya en concepto claro, con una forma y una técnica idóneas, que proyecta un contenido pertinente respecto a los lineamientos que la gestaron.

Etapa 1

  • Realizar una investigación formal y conceptual sobre el autor con referentes.
  • Definir el discurso/Concepto del autor.
  • Desarrollar su concepto personal a partir de la investigación realizada.
Entrega 
  • Realizar e imprimir una foto según la investigación realizada (Formato A3).
  • Realizar un texto de 500 palabras como máximo, sobre el concepto desarrollado desde su foto teniendo siempre en cuenta: lo comunicacional, lo semiótico y lo perceptual. Imprimir en formato A4
Complemento:  CD
  • Doc Word : autor, título y año de la foto investigada.
  • Doc Word : texto desarrollado y link de Flickr con la imagen realizada.
  • Foto del autor original (jpg 72 dpi 20 x15 cm)
  • Foto Personal a partir d ela original (jpg 72 dpi 20 x15 cm)

 Artistas:

  1. Erwin Olaf
  2. David La Chapelle
  3. Eugenio Recuenco
  4. Joel Peter Witkin
  5. Gottfried Helnwein
  6. Daniela Edburg
  7. Annie Leibovitz
  8. Sandy Skoglund
  9. Marcos López
  10. Cindy Sherman
  11. Yasumasa Morimura
  12. Pierre Et Gilles
  13.  Greg Crewdson
  14. Clark Et Pougnaud
  15. Mathew Barney
  16. Phyllis Galembo
  17. Kazuhiko Nakamura
  18. Helmut Newton
  19. Loreta Lux
  20. Adriana Duque

FOTOGRAFÍAS Y CONCEPTOS:

Gloria Navarrete

Drawing Restraint 7 – Mathew Barney 

Original: Mathew Barney 

Reinterpretacion: Gloria Navarrete

Manifestación de la disciplina oprimida

En un ambiente hermético, casi divino, en la mente del artista, se encuentran dos fuerzas con una relación dialéctica en constante enfrentamiento. La disciplina y el deseo, representados por una oveja y un carnero respectivamente.

Nunca una fuerza va a ganarle totalmente a la otra, es por esto que en el momento en que el deseo oprime a la disciplina, ésta no va a dejar de manifestarse, siempre estará ahí, latente. Siempre va a gritar por querer salir, por luchar, nunca se rinde en el proceso creativo.

En esta fotografía el deseo está usando a la disciplina como herramienta para demostrar su fuerza, su naturalidad empírica, dejándose llevar por los impulsos y el instinto. Por otro lado la disciplina representa el determinado orden que debemos seguir para llevar a cabo nuestros más profundas inspiraciones, su naturalidad no es retar, sino fijarse una meta y generar un orden para conseguirla, la disciplina tiene una tendencia estratégica.

En la búsqueda de la auto-disciplina a veces es necesario un castigo para garantizar que el orden se siga correctamente. La sanción de la disciplina y la opresión de la misma es una estrategia en la mente del artista para conseguir que el orden natural de una lucha dialéctica se cumpla.

Maria Alejandra Hoyos

Eugenio Recuenco – Le Chandail Jaune

Original: Eugenio Recuenco

Reinterpretación: Maria Alejandra Hoyos

Esencia sobre apariencia

La mujer enigmática, rígida, silenciosa y emocionalmente impenetrable. La evidencia de la importancia que se le da a la apariencia y al deseo de ser engrandecida y valorada tanto por lo físico como por lo intelectual logrando así consolidar un atributo infalible de seducción. Sin embargo, la reflexión radica en lo que hay en el interior. La inseguridad de sí misma, la angustia y ansiedad de pensar en el futuro, el temor ante el sentimiento de vulnerabilidad, todo esto formando un constante desbalance emocional que logra repercutir tanto en la vida de quien lo vive como en la de quienes la rodean.

El juego de colores complementarios que atrae y permite una agradable lectura contrapuesto con la yuxtaposición de elementos que generan tensión, logrando comunicar ese debate interno fundamentado en lo que se siente y lo que se muestra.

El evidente referente cubista que juega con la imagen de perfil y de frente en un mismo momento, otorgando dinamismo y confusión pero haciendo referencia a la metáfora de cómo cada ser humano tiene dos caras encontrándose constantemente dentro de una misma realidad.

Camilo Cortés

Phyllis Galembo –  Boy with Gun and Phone, Jacmel, Haiti, 2004

Original: Phyllis Galembo

Reinterpretación: Camilo Cortés

Máscara de Rebelión

Phyllis Galembo dice “las máscaras transforman a los mortales en dioses y expresan una opinión política”.  Es así como los disfraces del carnaval de la ciudad de Jacmel, Haití tienen un significado más allá de lo festivo y representan la historia de un pueblo, por ejemplo, los Lanse Kod que pintan sus cuerpos de negro y usan cuerdas para exaltar el orgullo por su raza y sus antepasados que independizaron Haití en 1804 en la rebelión de los esclavos.

Este carnaval se celebra a principio del año, en 2004 tuvo lugar en Haití una rebelión para derrocar el poder se llevó a cabo en época de carnaval y se realizaron manifestaciones en contra del presidente en ese momento, Jean-Bertrand Aristide. Para esta rebelión contactaron a líderes paramilitares exiliados anteriormente, ellos se encargaron de organizar a los rebeldes para dar un golpe de estado que el 29 de febrero acabo con el mandato de Aristide.

Así, dos rebeliones de épocas diferentes se articulan por medio de este disfraz de carnaval antiguo junto con un teléfono y un arma, que son elementos de las rebeliones modernas. El teléfono y el arma representan a los medios de comunicación y la insurrección armada, la foto muestra el momento posterior a la original, donde  el arma está en un primer plano y el hombre baja el teléfono ya que después de organizar la rebelión es el momento de usar la fuerza para la rebelión, es el principio de la rebelión armada.

Andrea Mora

Eugenio Recuenco – Losing my Religion 

Original: Eugenio Recuenco

Reinterpretación: Andrea Mora

Bendecida con Tierra Firme

Para la conceptualización de la propuesta se partió de la serie publicitaria para el film “Losing my religión”, caracterizado por el libertinaje, la controversia y el abandono de la religión por parte de un sacerdote católico. A partir de la deconstrucción de los elementos simbólicos y paradójicos utilizados por Recuenco, tales como lo puritano y lo erótico unido en la misma representación, ligado a elementos cristianos y fuertes analogías y metáforas referentes al anclaje contra los peligrosos viajes en altamar, se crea un universo plagado de ambigüedad que se intento reconstruir en la propuesta.

En el concepto recreado se retoma la idea principal de las creencias religiosas o la religión entendida como una cárcel voluntaria en la cual encontramos el equilibrio para no caer en lo que llamo un naufragio espiritual, entendido como perderse en los vicios y placeres de lo mundano, entendiendo el concepto de la propuesta como “La religión como un ancla ante un posible naufragio espiritual”.

En la imagen elementos cristianos se yuxtaponen con la representación visual de lo que representa la tierra firme y el naufragio. Compositivamente y formalmente, la cruz se convierte en un ancla, atribuyéndole un significado de estabilidad, equilibrio, de pisar tierra firme a este símbolo cristiano. Es a través de ella a partir de la cual se guarda la lucidez y la conciencia ante el mar tumultuoso del mundo. La representación femenina de María Magdalena (abstraída de la representación iconográfica de una mujer pelirroja que yace ante la cruz) figura del vicio y la perdición, se une con la representación puritana de lo victoriano, donde el cuerpo representaba un templo. Esta paradoja representa aquello que se muestra en el exterior (la pureza) contra aquello que se es o que se evita ser (lo erótico). La gestualidad juega un papel importante en la escena, donde esta mujer ya sucumbe ante la cruz sino que se sostiene de ella, la porta, ella es su tierra firme, mientras el viento (representación de la corriente) intenta arrastrarla. La inexpresividad contenida en ella revela cierta conformidad y comodidad ante el hecho, no hay dramatismo, no hay sufrimiento. Por último, la representación del mar y de la tierra firme todo es escombros se relaciona con la idea de la destrucción y de algo que se desmorona poco a poco en este espacio que geométricamente nos remite a un calabozo.

De esta manera, la religión se convierte en un espacio de tierra firme, una cárcel voluntaria dentro de ese mar tumultuoso que representa el mundo.

 Alejandra Lopéz

Pierre et Gilles – Lola

Original: Pierre et Gilles

Reinterpretación: Alejandra Lopéz

Lola*

­­­­Pierre et Gilles es una pareja de hombres franceses nacidos en 1950 y 1953 respectivamente. Desde que se conocieron en el año 1976, han sostenido una relación sentimental y han trabajo juntos, creando diferentes obras que combinan la fotografía y la pintura. A través de los años se han convertido en símbolos de la cultura gay.

Su trabajo muestra principalmente diferentes etapas de sus vidas en todo su esplendor. La teoría queer, la sexualidad, homosexualidad y el erotismo en sus desnudos son elementos clave en sus imágenes, en su trabajo se ve el proceso de aceptación que ha llevado la cultura gay a través del tiempo. Además sus intereses personales están expresados en su estética kitsch y en la combinación de iconografía que muestra la mezcla de objetos y colores de diferentes épocas.

 

Pretenden manifestarle a los espectadores que todo es relativo en la vida: lo bello y lo feo, lo  bueno y lo malo, lo real y lo falso. No les interesa la opinión de los demás, hacen su trabajo por placer sin esperar nada a cambio. Por esta razón su forma de trabajar es muy espontanea y mezclan diferentes elementos de su gusto propio y el gusto de sus modelos.

Lola, una de sus fotografías hechas en el año 1992, refleja varios de sus intereses, además de su placer por el trabajo, su atracción por la belleza física del ser humano y su visión por la perfección estética. Ahora bien, podemos ver como en la continuación de esta fotografía se retoman diferentes elementos formales que permiten hilar el deseo de Pierre et Gilles de mostrar el homosexualismo a la sociedad como un tema libre y fácil de pronunciar.

Esta imagen en un principio nos muestra el cliché de diva de los años 30, a través de la adopción de una pose femenina e icónica de la época, pero representada en un hombre muy seguro y físicamente bello. Su gesto facial nos deja desconcertados ya que es inexpresivo e intenta ocultar la verdad. Asimismo encontramos en la parte superior izquierda una imagen de una mujer desnuda, ella es lo que este hombre quiere ser, su ideal. En este casi vemos a Afrodita, la diosa del amor, la belleza, la sexualidad y la lujuria. Los colores en el fondo(rosado y azul) hacen alusión a la parte masculina y femenina que integra este sujeto. Las flores sintéticas que carga en las piernas son la forma de mantener la muerte, ya que como seres humanos siempre tendremos un lado oscuro, de sombras. El peluche simboliza lo infantil y su gusto por los cuentos de aventuras. El falo sobre el pedestal situado debajo de la lámpara representa su inclinación sexual, pero su expresión e indiferencia hacia él nos hace entender que aunque es un aspecto importante, no tiene un nivel de importancia superior a su elegancia, gusto estético e interés por la perfección y la belleza que son elementos clave para un drag queen.

Natalia Largacha

Pop Latino – Marcos López

Original: Marcos López

Reinterpretacion: Natalia Largacha

Rojo, azul y amarillo

Marcos López, artista argentino que hace un trabajo único de puesta en escena, rozando los límites de la fotografía artística: las artes plásticas y la fotografía digital para presentar una reflexión y una crítica ante el cuestionamiento sobre la identidad latinoamericana y su reacciónante el proceso de globalización. La fotografía el santuario, exhibe un roce entre la tradición religiosa hibrida y la presión de las costumbres del “primer mundo” ante la globalización.La fotografía combina dos códigos de diferentes naturalezas que le dan a la imagen un tono ridículo, una imagen publicitaria que en primer plano tiene una mesa de ofrendas religiosa, que al descomponer su simbología, se destapa una variedad de tradiciones de herencia indígena y africana, producto de la colonización e inmigración de esclavos.

Al realizar un nuevo acercamiento al Santuario, interviene en algunas de sus piezas simbólicas. Yemanjá, deidad de la religión yoruba, se asemeja a la virgen María representando la fina línea que existe entre las costumbres ancestrales hibridado con las creencias católicas; representada por la virgen de Guadalupe morena que ante la segregación racial de la iglesia, presenta una iconografía clásica con piel morena. En la parte central del altar están las tres potencias, que son la representación de las razas que entraron en roce en la colonización: María Lionza (princesa del mestizaje), el negro Felipe y el Cacique Guaicapuro perteneciente a la iconografía del culto espiritista venezolano, pieza que se mantiene al cargar con mucho significado simbólico, anclando la imagen de altar religioso. No obstante, el giro está en utilizar los colores que se le atribuyen a estas divinidades: rojo, azul y amarillo para exponer una bandera tricolor invertida, forma de ridiculizar el sentimiento de identidad latina.Simón Bolívar y Robin, el héroe por excelencia latino y el compañero fiel de los cómics se muestran como un soldado armado, el nuevo héroe del continente y Luigi, personaje de videojuegos que acompaña fiel a su líder. Superman, ícono heroico americano, es cambiado por un futbolista, figura de admiración popularlatina. La acción de la mujer, la interacción final de la fotografía cambia, ahora utilizando un rociador con una esponja dorada, simbolizando el esparcimiento invisible de los secretos religiosos ocultos junto con una pieza dorada (el oro), el bien más valioso, lejano a la mujer por el uso de guantes de caucho protectores.

Daniel Ramos

Le Miel et Les Abeilles Loïc – Pierre et Gilles

Original: Pierre et Gilles

Reinterpretacion: Daniel Ramos

Loïc, le miel et les abeilles

Pierre et Gilles son una pareja de artistas franceses que utilizan la fotografía y la pintura como técnica para todas sus obras. Éstas se caracterizan por contenidos relacionados con personajes mitológicos y homo-erotismo, influenciados por el Rococo, Neoclasicismo y la cultura Kitsch.

A través de la obraquieren idealizar la belleza como lo divino. El personaje se remonta al mito griego de la ninfa Melissa “honey bee”. Aun así, el nombre Loïc posee raíces germánicas y tiene como significado “gloria”. La obra quiere comunicar la supremacía de Loïc por medio del vínculo con la colonia de abejas, siendo él la abeja reina. Se encuentra rodeado de un jardín de lirios, flor mitológica que se relaciona con la reina de los dioses para los griegos y romanos, que reafirman su señorío. Se puede percibir su autoridad por la relación de sus ojos con el color del cielo, mostrando su magnificencia. La miel derramada en su pecho simboliza el placer de tener el poder. El aspecto formal sugiere a Loïc como punto focal por medio del encuadre centrado de la imagen, la dirección de movimiento de las abejas, la profundidad de campo y su posición en el plano principal. La paleta de colores cálida manifiesta esplendor.

En esta reinterpretación se quiererescatar el placer de Loïc al tenerlo todo bajo su poder, su egocentrismo. En esta ocasión, Loïc se encuentra rodeado de narcisos, flor que representa a Narciso, hombre mitológico que se satisfacía al contemplar su reflejo. Una corona hecha de los mismos refleja la sensación de poder motivada por su propia vanidad. Un cielo despejado le da prioridad en composición al personaje central. Además, su posesugiere que visto desde cualquier ángulo, seguirá teniendo el control sobre su entorno, y el respaldo de sus súbditos, que cuidan su espalda.

Laura Ortiz

Harvest – Joel-Peter Witkin

Original: Joel-Peter Witkin

Reinterpretacion: Laura Ortiz

La Catarsis

Hemos crecido en un mundo en donde la belleza está estrictamente regida por ciertos parámetros. En una sociedad donde se nos ha enseñado que lo correcto está definido por una moral, y que ésta obedece a la iglesia y al estado. Es entonces que surge una nueva pregunta ¿acaso será cierto que estas reglas que hemos considerado irrompibles son “la verdad”? Esta pregunta se hace evidente en las fotografías de Joel-Peter Witkin. Al centrar la atención en su obra “Harvest” (Philadelphia, 19840) es imposible ignorar la estrecha relación que ésta tiene con las naturalezas muertas realizadas en el siglo XVI, específicamente con la obra “Estate” de Giuseppe Arcimboldo. Igualmente, “Harvest” contiene una serie de características que aparecen como constantes en las obras de Witkin: la fotografía a blanco y negro, un aire oscuro, el uso de personas u objetos “desagradables”,  el deterioro del papel utilizado, etc…

El mundo puede ser probado desde otra perspectiva dentro de la que se encuentra la belleza en lo repugnante y aquellas cosas que normalmente ignoramos son descubiertas. Lo moral ya no es más que una venda que había sido puesta sobre nuestros ojos y nos había impedido descubrir lo sublime. Entender al hombre imperfecto para poder aceptarlo y disfrutar todos y cada uno de sus defectos. Comprender  que el tiempo es efímero, que tarde o temprano la muerte se apodera de los cuerpos  y los destruye. Ahondarse dentro de lo siniestro para poder acercarse a lo oculto y conocer éste mundo monstruoso e irracional que no está permitido. En pocas palabras, desafiar lo conocido y arriesgarse para así lograr sumergirse en lo prohibido y salir victorioso. Descender hasta lo más profundo para salir purificado y  lograr un estado de catarsis.

ESTUDIO 5 – Dirección Creativa 2012-2

July 29th, 2012 by Karen Aune

ESTUDIO 5 – DIRECCIÓN CREATIVA 2012-2

David Schnell - Kollision in der Baumschule, 2003

Descripción del Curso:

El programa desarrolla el concepto de Diseño Estratégico y establece puentes entre los ámbitos de la creatividad y los aparatos productivos. En otras palabras, se promueven las competencias de un diseñador estratega de modo que pueda enfrentar diversos contextos, aportando soluciones que son ideaciones estéticas que se articulan con un mercado. A lo largo del curso los estudiantes reconocen el valor, el contenido y la trayectoria cultural de un autor o de una manifestación estética desde la perspectiva de la dirección de arte, sintetizando sus conceptos Jumping Castles visuales y produciendo estados del arte. Luego, a través de estudios de caso, construyen su pensamiento estratégico, formulando y ejecutando oportunidades de diseño traducibles a productos, servicios o experiencias con un lenguaje estético articulado y coherente, que tiene en cuenta las filiaciones estéticas de las audiencias.

Objetivos

La Dirección Estratégica busca afinar en el alumno la capacidad de construir conceptos estéticos, estableciendo balances entre los deseos de las personas,   los entornos culturales y las dinámicas del mercado. El diseño aparece como generador de valor, como detonante de mecanismos de identidad, filiación y consumo, generando vínculos perceptuales que van más allá de la simple funcionalidad de un producto. Para tal efecto, junto a la capacidad de elaborar cartografías estéticas y visuales, es necesario que el alumno aprenda a conceptualizar estos procesos y a mirar las audiencias como receptoras y articuladoras de dinámicas culturales El curso busca formar un diseñador estratega que, con una mirada holística e interdisciplinaria, pueda interpretar, documentar, formular y ejecutar proyectos creativos en distintos ámbitos empresariales.

Metodología

El diseño es fuente de identificación, valor y filiación de audiencias, más allá de la funcionalidad de sus manifestaciones. La creatividad del diseñador se articula dentro del ámbito de fuerzas que actúan en un entorno de mercado. El director creativo articula estrategias, cataliza oportunidades, visualiza recursos culturales y proyecta estéticas que dialogan con audiencias específicas.

El programa tiene dos momentos fundamentales: en la primera fase, el alumno deconstruye productos culturales con una dirección de arte compleja, de modo tal que pueda entender los ejes culturales, perceptuales, visuales y sensibles que la subyacen. En otras palabras, aprende a hacer cartografías visuales y conceptuales, a producir referentes y estados del arte estéticos que, luego, aplica a un contexto de diseño articulado en torno a productos o servicios concretos. Una vez aprehendidas estas herramientas, el alumno se concentra en estudios de caso reales: inmersos en un simulacro del mundo laboral, los estudiantes construyen propuestas que – con énfasis sus aspectos creativos y en la percepción de las audiencias – generan una estrategia sostenible en el mercado.  Al final, la bocetación y prototipado de conceptos estéticos, su documentación y comunicación, las etnografías visuales, confluyen en un proyecto grupal de diseño que produce experiencias, servicios o productos conceptuales, entre otros.

 Para descargar:

PROGRAMA E5 2012-2

CRONOGRAMA E5:KR

CRONOGRAMA E5_K

 

 

EJERCICIO 3: Licitación 2012-1

June 1st, 2012 by Karen Aune

Ejercicio 3 : Licitación

Rafael Pombo – Anima In Cinis

Paola Calderón – Yensy Guerrero – Nicolás Salom – Felipe Rodríguez

“Quien acceda a este lugar, abandone toda esperanza”

American Psycho

El concepto tomará estructura bajo el universo literario en el cual se encuentra sumergido Pombo, un universo oscuro, ambiguo y melancólico, bajo estos preceptos se dará sentido y posterior materialización del mismo.

En este desarrollo conceptual se abordará una visión romántica del mundo y la creación, como los sentimientos emanados desde obra literaria del autor tienen un dialogo permanente con  las dinámicas del mundo. El mundo está concebido y visto sobre una perspectiva desoladora y desesperanzadora, en el cual todo ser humano está condenado a vivir bajo una serie de predestinaciones y donde los eventos desafortunados marcarán su existir.

Bajo esta concepción, la vida es interpretada como un proceso cíclico compuesto de 3 etapas fundamentales, las cuales marcarán un orden lógico y lineal del desarrollo vital.

El ciclo comienza bajo una perspectiva totalmente arrogante,  la visión idílica del mundo se ha corrompido y por ende la vida se ha vuelto oscura, ha adquirido una serie de connotaciones Jumping Castles negativas que marcan su existencia y serán un elemento predominante durante la maduración del ser humano. Esta transformación está ligada a una serie de pecados inherentes al alma de las personas, donde las acciones pecaminosas ya endémicas del ser, transformarán la naturaleza y su relación con esta.  Este ciclo se ha catalogado como la soberbia, el mayor de los siete pecados capitales y bajo el cual los hombres están en constante exposición. En otras palabras y a manera de recapitulación, es durante esta etapa en la cual la existencia se encuentra sumergida en una serie de devenires negativos, donde la ambición, la egolatría y el lado perverso del ser humano toman el control y empieza a determinar los caminos a seguir, este camino está acompañado constantemente de un trasfondo bastante pecaminoso, avasallador y narcisista.

La segunda fase de este ciclo corresponde a un lado mucho más sensible y permisivo, es en el cual el momento de reflexión y catarsis es llevado a cabo, es la etapa donde el universo más sensible e íntimo del ser humano entran en dialogo. Durante esta etapa la angustia existencial se ha apoderado de cada espacio interno del ser, por tal razón el tormento y el arrepentimiento  han entrado ser actores permanentes de las órbitas más íntimas. Es así como las acciones pecaminosas cometidas lo han llevado a estar divagando entre etapas de desolación, por ende esta etapa se constituye como la representativa del lado más interno y reflexivo de todo el ciclo vital.

Finalmente la última etapa es referida a la decadencia, a lo marchito o a la melancolía. Luego de un ciclo transcurrido por medio de tormentos y bajo una constante desolación, esta etapa evoca sentimientos de añoranza, nostalgia, momentos de recordación y de materialización que todo tiempo pasado fue mejor. La vida entra en un aparente fin, se desluce bajo una agobiante soledad que terminará por condenar cada aspecto de la vida. Estos tres aspectos marcarán un ciclo y se repetirá periódicamente en la concepción y noción del hombre.

Es entonces y bajo estas tres etapas las cuales van marcar la delgada línea de frontera entre lo público y lo privado, esto último entendido como inherente al ciclo previamente descrito y en el cual los seres humanos que convergen en este universo romántico están en constante duelo. Lo público y lo privado en conexión al ciclo descrito marcará la forma en como estos mismos personajes ya identificados (audiencia) generan empatía y perciben el mundo. Las personas se relacionan con el ciclo en la medida que las etapas identificadas en el mismo será parte representativa de cómo los seres humanos quieren ser vistos pero también como en realidad son.

De esta manera se empieza  a conectar partes sensibles de los seres humanos con etapas del ciclo. La parte narcisista, egocéntrica y llamativa es la que tiende a sumergirse profundamente en la parte pública, en lo que queremos ser mediante construcciones sociales pero que en el fondo solo pretendemos escondernos bajo falsos arquetipos, negando nuestra razón de ser. La parte reflexiva y relacionada con la introspección y la catarsis tienden a ubicarse en el parte personal, es representativa de todo el proceso de arrepentimiento y de procesión, por lo tanto es un elemento muy íntimo el cual rara vez se exterioriza

Bajo este viaje se pretende materializar el concepto mediante unos mobiliarios y espacios que logren en primera medida, personificar las tres etapas, y en segunda instancia, formen parte de una colección de elementos alegóricos, los cuales sintetizan la poética romántica de un Pombo inédito. A partir de este ciclo planteado, se pretende que la audiencia se identifique con el recorrido planteado, reconociéndose con cada etapa propuesta y que a medida que sienta, use y entienda los objetos,  logre sumergirse en el mensaje que se pretende transmitir. Para tal efecto, los objetos a diseñar deben estar acompañados de una experiencia que sea lineal, que permita hacer un proceso inmersivo en la audiencia para que esta logre captar la vida como un proceso cíclico de desavenimientos pero también de lecciones, en donde la frontera entre lo público y lo privado tienden a marcarnos a su vez como personas y como sociedad.

Manual de Empresa y Dirección de Arte

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Natura – Bien estar bien

Juan Hernández – Daniela Polo – Silvia Torres

El hombre Atlas lleva con fuerza la roca, símbolo de naturaleza, parte de la montaña que quiere conquistar, símbolo de aspereza, vínculo directo con su masculinidad. El hombre es una dualidad, su sensibilidad tímida se esconde bajo la aprobación, su vanidad no es limitada pero si efímera. El hombre es un ser dedicado y disciplinado, día a día es un jugador competitivo. Este hombre siempre busca resaltar su masculinidad fundamental, la rigidez y aspereza de su personalidad y su fuerte cuerpo. El hombre se relaciona con su disciplina, la montaña y sus desafíos, buscando llegar a dominarla y convertirse en parte de ella para de ese modo resurgir con una fortaleza que esté impresa en las rocas.

LITHOPS, del latín “Lithos” (piedra) “Ops” (forma), describe a este hombre. Un hombre caracterizado por su actitud reacia y fuerte, el hombre que encuentra su belleza en lo áspero. Los Lithops tienen fisuras en donde aparecen flores, las flores son la relación directa con la vanidad masculina descrita anteriormente, en donde se muestra ésta sutil y temerosa.

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Natura – Ritual de Sanación

Carolina Angueyra – Leslie Dombrower – María Fernanda Becerra –  María Mazzanti

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Lacademia – Amuse Bouche

Briana Barrios – Daniel Castaño – Juanita Rodríguez – Natalia Rivadeneira

Comer es una actividad que se caracteriza por su aparente banalidad, debido en gran parte a su vinculación con la cotidianidad, y por el hecho de tratarse de una necesidad básica, muchas veces es ignorado su poder como transformador de rutinas. Hoy es necesario, un cambio en donde sea posible retomar los elementos constitutivos de la culinaria, que el tiempo se ha encargado de relegar.  Con esto, se hace referencia a los aspectos culturales, sociales y artísticos que la culinaria como tal abarca, pero hoy en día no son directamente asociados con el acto de comer.

Los ejes rectores en este cambio de perspectiva, son el conocimiento y la culinaria abordada desde un punto de vista artístico; como en sus inicios. Se propone retomar el concepto de arte culinario para que de esta forma lo que estaba anteriormente olvidado, sea ahora el aspecto más relevante.

Entonces, para ser partícipe de esta experiencia, se necesita un interés que va más allá de los conocimientos previos en esta área. Muy lejos de un carácter contemplativo, el medio es la experimentación y descubrimiento de nuevos universos a degustar. Por lo tanto, el que quiera puede participar, pues nada está bien, nada está mal y nadie tiene el derecho a seguir dictámenes. Acá se aprende por práctica y error y el único juez es el propio paladar. Así pues, teniendo en cuenta que cada individuo tiene posibilidades abiertas, las combinaciones generadas por cada uno tendrán un carácter efímero e irrepetible, que va de la mano de la idea de una creación artística personal.

La intuición y la imaginación son el punto de partida en esta nueva exploración de ingredientes. Acá el efecto del conocimiento culinario, presenta aspectos pragmáticos y utilitarios de la cocina, que se llegan a transformar en esa instancia generadora de experiencias.

Entonces, la sugestión de todo lo que rodea el acto de comer; el ambiente, las personas involucradas, las historias detrás de los ingredientes, el sabor y la textura, sonido, olor y color de los alimentos, serán exploradas a través de una composición poco ingenua. Se explorará la intimidad del diseño que va de la mano con lo que se sirve, el viaje de los alimentos desde que se siembran hasta su culminación al adquirir una personalidad propia. Es de esta forma como se contextualiza una interacción inherente entre los sentidos, el inconsciente y el inconstante. Lo que siempre está con lo que a veces acompaña al ser humano, la combinación de sus ritmos permitidos en el acto de comer, la obra maestra que sucede en su propia boca.

La representación de lo planteado anteriormente se verá materializada en un espacio que cuenta con una estética y una noción que juegan con las paradojas de las galerías de arte. Acá las distancias se acortan, los sonidos se agudizan, pues las voces son permitidas y los olores compartidos. Así, la experiencia detona los fundamentos de arte y conocimiento participativo, pues ahora el arte es la comida, su diseño, disposición, son el recorrido regido por lo que se espera sea un caos controlado por cada participante. Esto, con el fin de generar una transformación en el rito de comer caracterizado por la variación de los protocolos, actores, y conclusiones del acto.  Una nueva visión, de principio a fin de una experiencia que logra ser más placentera a nivel de contenido, práctica y enmarcada por sensaciones perpetuadas en el arraigo.

Manual de Empresa:

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Rafael Pombo – Francachela

Paola León – Natalie Pacheco – Ana María Murgueitio – Julio Guerrero

Como parte del estudio de dirección de arte para la conmemoración del centenario de Rafael Pombo se brindarán posibles soluciones para resolver la problemática de la subestimación y la falta de identificación que los adultos le dan a las moralejas, implícitas dentro de las fábulas de este escritor colombiano. Dichas moralejas son subestimadas ya que se considera que están enfocadas solamente en los niños, teniendo en cuenta su estructura literaria y sintáctica. En este sentido se pretende resignificar la moraleja con el fin de continuar con el legado cultural y moral que Rafael Pombo fomentaba sobre la sociedad bogotana. Por este motivo dentro de la propuesta de diseño se redirigirá este mensaje hacia una nueva audiencia que no haga parte de este mundo aparentemente infantil. Se establecieron claras relaciones entre la conducta animal y humana resaltando aquellas que se manifestaban directamente sobre las fábulas, llegando así al ancla conceptual de la animalización del ser humano, reconociendo este como un concepto que de entrada manifiesta un valor de crítica sobre la conducta y el comportamiento de los adultos.

La animalización del ser humano principalmente consiste en la comparación entre personas y animales donde el individuo es concebido como un objeto real, mientras que el animal es considerado como un ente imaginario. No obstante el concepto de animalización ha mutado desde el siglo XX conviertiendose en un medio para expresar la sátira a través de la cual se expone la degradación y miseria del ser humano. Sin embargo sobre esta propuesta en particular la animalización no privará al ser humano de la razón sino que por el contrario hipostaseará la sabiduría de la conducta animal como portadora de la moraleja,dandole al hombre el mismo valor que al animal. En consecuencia para atender a la animalización del ser humano se buscaron similitudes de comportamiento desde los instintos naturales que el hombre y el animal comparten, encontrando en la alimentación y en el modo de comer, el acto perfecto para lograr animalizar a la audiencia que participará dentro de la conmemoración al centenario.

El acto de comer permite visualizar de manera clara aquellos rasgos instintivos que hacen parte del hombre-animal. Sobre este comportamiento el hombre deja de ser absolutamente racional y pasa a unirse humildemente al mundo de los instintos donde priman las necesitades “verdaderas” o básicas. Paralelamente la experiencia con la comida maneja un valor simbólico de festividad y celebración, teniendo en cuenta que la presencia de la misma siempre ha sido parte de los ritos de celebración a nivel mundial. Esto permite sustentar las decisiones creativas al trabajar el área gastronómica para esta conmemoración, dandole así una doble significación: La celebración y la animalización, o en otras palabras: La celebración de la animalización.

Finalmente cuando se llega al punto donde el ser humano se ha animalizado, se vuelve sobre la importancia del legado moral, resaltando la necesidad de un estado de conciencia donde se sortiene la proposición el verbo se hizo carne, convirtiendo a la comida en el medio que lleva un mensaje implicito que al ser ingerido por el individuo es digerido convirtiendolo así en animal. Esto permite pasar al estado de conciencia donde el usuario estará en dispocisión de recibir el siguiente paso que viene determinado por la autoreflexión de su estado, al hacer conciencia de la moraleja impresa en la servilleta con la cual se limpia los rastros del alimento.

Manual de Empresa:

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Manual de Dirección de Arte:

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Nave Nube – En las nubes

Catalina Agredo – Paola Molano – Katherine Caro – Lorena Restrepo

Inspirados en el universo aventurero e irracional de los niños y en la propia estética de Nave Nube, se propone un espacio en donde los niños y niñas se encuentren identificados y sumergidos en una experiencia narrativa: ¿A qué saben las nubes? Pues bien, la misión de los pequeños es descubrir ese secreto; habiendo adoptado elementos clave del diseño de los zapatos de Nave Nube (como texturas, colores y formas), podrán buscar los ingredientes mágicos  y ser recompensados por ello. El espacio donde esto se desarrolla ofrece estímulos visuales como la proporción, los colores vivos y las propias nubes como universo aparte y lejano del mundo racional. Todo esto con el fin de dar a conocer a Nave Nube como una marca que es para y por la imaginación y creatividad de los pequeños.

Manual de Empresa:

 

Manual de Dirección de Arte:

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Mariana Shuk – Paroxismo Corporal

Lina María Barrios – Valentina Márquez – María Camila Venegas – Juliana Flórez

Dícese de una enfermedad, un mal que se apodera de los deseos, afectos y pasiones de esa mujer que busca culminar una etapa de su vida: el desamor. Una mujer que experimenta el paroxismo en su cuerpo se ve expuesta ante una exaltación de aquellos sentimientos que no la dejan en paz, que le recuerda diariamente e intensamente su pérdida y su dependencia.

Cuando una ruptura amorosa se apodera de la situación actúa sin pudor. Poco a poco los recuerdos reviven y el vacío se pronuncia fuertemente. Consume progresivamente a esa mujer que no encuentra salida, sumergida y adormecida en el dolor va perdiendo de vista su esencia y el rumbo de su vida.

La vivencia del duelo se debate entre dos espacios: Un primero, denominado “público”, en el que ante los demás se esconden y se camuflan los sentimientos sólo revelando una supuesta conformidad y mostrándose fuerte ante la situación. Oponiéndose a éste, se sugiere un espacio “privado”, un momento de intimidad en el que ella se ve enfrentada ante sus miedos y desilusiones. Es aquí donde ella permanece atrapada, siente ahogarse en medio del llanto, desconsuelo y desesperanza.

Ante tal situación, la única cura de este malestar es la búsqueda de propia identidad y su razón de ser. Se trata de un proceso de depuración de las acciones del pasado y dejar sólo en la memoria aquellos recuerdos que tienen como único fin fortalecer y mantener un equilibrio interior. Induce a un renacimiento o resurgimiento entre el dolor, la nostalgia y la memoria que habita en el pasado. Es aquel momento decisivo e impulsivo que busca una liberación de las tristezas y amarguras. Ella toma la decisión de vivir por sí misma, de intentar alzar sus brazos sin temerle a nada sintiéndose segura y tranquila de haber tomado su determinación. Ahora ella continuará su vida recordando en total ausencia de dolor, sabiendo que como en todas las historias siempre hay un comienzo y un final.

Manual de Empresa:

 

Manual de Dirección de Arte:

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Corona

Laura Castiblanco – Maira Leguízamo – Ana María León

Con la modernidad se inician una serie de cambios en las sociedades. Entre las principales reocupaciones de la modernidad se halla el hecho de encontrar las LEYES que gobiernan la naturaleza y la sociedad, el proyecto de la modernidad propicia una ruptura del ser humano con la naturaleza. En función del progreso que se quiere lograr se proclama a la naturaleza como un recurso a nuestra disposición. Así mismo cambia nuestra manera de pensar al punto en el que se descarta aquello que no tenga una justificación o un uso racional.

Sin embargo, en Colombia esta percepción o conexión se encuentra arraigada en un pensamiento colectivo vinculado a la superstición, como un simbolismo fuertemente implícito en la cultura colombiana de la cual nos interesa rescatar aquellos rituales, agüeros, remedios, dichos, etc., que se encuentren desarrollados dentro de un imaginario popular, no necesariamente colombiano. Aquello que ha perpetuado gracias a la tradición y generación tras generación es aprendido en la medida en que es usado para atraer buena suerte o curar una aflicción. Éstos rituales u objetos se desvinculan de una funcionalidad “racional” y entran a jugar un papel de igual o mayor valor dentro de un pensamiento mágico, cuyo simbolismo se representa en la buena fortuna la tranquilidad y la prosperidad.

Adicionalmente, con esto se pretende rescatar la singularidad que se ha ido perdiendo con la modernidad a razón de la producción en serie, en donde los objetos se encuentran hasta cierto punto desvinculados del concepto UNICO, con el cual se plantea un valor de lujo y de expresión simbólica ante la posesión de estos objetos. Sin embargo, en ningún momento se está planeando dejar a un lado la estética de CORONA, cualquiera que sea el resultado estará a la altura de los 130 años de calidad que lo caracterizan.

Manual de Empresa:

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Manual de Dirección de Arte:

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Ronda

Óscar Berrío – Santiago Barrera – Fabián Rodríguez

Los juegos de nicho han sido, son y serán un elemento primordial, tradicional y cultural de entretenimiento que ha permanecido en el imaginario de los colombianos por generaciones. Éstas dinámicas son ricas en estéticas, comportamientos y características definidas que proporcionan una personalidad marcada y reconocida.
Con el objetivo primordial de colmar la empresa y marca Ronda con una identidad reconocida y robusta, se realiza una apropiación de los juegos de nicho, a través de un mobiliario donde se toma como ventaja las relaciones emocionales que el público ha establecido con estos pasatiempos (especialmente el tejo y la rana).

Por medio de este juego popular se empiezan a generar vínculos entre adultos y jóvenes, padres e hijos, haciendo la mejor referencia al slogan de la compañía “Unir la familia”. Es el juego en sí que promueve una fortaleza, pues es parte de la cotidianidad de los usuarios más jóvenes. El juego es una actividad que permite el desarrollo de las relaciones entre individuos, además de promover experiencias motrices que ayudan a definir perfiles. Los juegos no son simplemente actividades que abarcan contenidos divertidos, lo clave son las diferentes experiencias que puede generar en torno a un contexto determinado las cuales quedarán registrados dentro de la memoria de éstos.

Los niños y jóvenes (especialmente) se apropian emocionalmente de las tendencias y medios del momento; coincidentemente los juegos olímpicos de Londres 2012, serán un evento mundial con cubrimiento internacional que se convertirá en el universo de “moda”, invadiendo los medios de comunicación y por lo tanto llegara a miles de personas, entre ellos los usuarios mencionados. Los cuales, con el ánimo de empaparse del contexto que atrapa los olímpicos, que se resumen en la pasión que despierta el evento en todo el orbe al promover la competencia de selectos grupos de personas que han orientado su modo de vida para perfeccionar sus habilidades. También los olímpicos promueven el ejemplo de una sana competencia, compañerismo y sobre todo el juego limpio. En efecto se rescata la premisa de que el “deporte es salud” y se convierte en la principal motivación para que la actividad física, competitiva o no, haga parte de la vida cotidiana de todos los usuarios. El vinculo de ésta abstracción se genera al momento de incluir las propiedades de los juegos de nicho, en éste caso principalmente el tejo, pues se rescata como parte de un deporte oficial y se muda al universo de los olímpicos donde parte de los valores que éste genera son introducidos a la experiencia del mobiliario.

El contexto en el que se desarrolla la experiencia del mobiliario será emprendido en espacios públicos como lo son los parques o plazas públicas, pues es en estos lugares en el que es posible generar interacciones apartadas de lo cotidiano. Es asimismo una apropiación del espacio urbano en el que se rescatan actividades olvidadas o que ya no se practican para ciertos usuarios. La misma estética robusta y de gran tamaño del mobiliario tratara de encajar en la magnitud del área del parque, no obstante se refuerza el sentido de pertenencia que tienen éstos sitios, pues es un espacio que está destinado a promover la actividad física y no obliga a los usuarios a sesgarse por un área meramente delimitada.

El mobiliario inducirá a las personas al juego, la competitividad, el dinamismo y el deporte, generando experiencias y dinámicas de grupo propias de los juegos de tejo o rana tradicionales, que gracias a su popularidad han alcanzado un alto de grado de memoria por los usuarios, ya sea por que practican el deporte o simplemente por el hecho de ser un patrimonio Nacional. Todo ésto estará acompañado y guiado por una estética basada en la ironía que se genera entre lo tradicional popular, de calle o de “pueblo” y el universo estilizado de éste, y de ese modo entonces finalmente ofrecer a los usuarios una experiencia rica en diversión, que permita la relación de los usuarios a través de la cooperación y competitividad de éstos, los cuales quedaran registrados dentro de la memoria de estos. A su vez la misma experiencia del mobiliario dará pie para que Ronda se apropie de ciertos elementos, lo cuales podrá explotar en un intento por buscar nuevas formas de comercio entre sus clientes; los elementos registrados por los usuarios en la experiencia serán la base fundamental para proponer nuevos productos en el criterio que Ronda maneja.

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Yamaha

Juan Camilo Monroy – Héctor Amaya – Santiago Salazar – Diego Olivos

La cultura de motos, especialmente las scooter, ha tenido un impacto y un proceso de adaptación diferente en cada lugar del mundo y Colombia no ha sido ajena a esto. Incolmotos Yamaha acaba de lanzar el mercado la nueva Scooter fino con la cual pretenden cautivar a un publico joven y alternativo, usando estética retro combinada con un estilo basado en las bandas asiáticas “Boys band”, además muestran un estilo de persona particular y diferente cuyo perfil tiene afinidades con la música, fotografía, arte y diseño.

Esta adaptación traída del exterior parece no funcionar bien dentro de nuestro país, debido a que nuestra cultura es totalmente diferente y las scooter son utilizadas por otro tipo de usuarios. Basándonos en un estudio que realizamos a las personas que utilizan moto, encontramos datos que demuestran que la gran mayoría la utilizan para fines laborales y estas son adquiridas por su facilidad de manejo y su costo beneficio.

Además de esto, también las encuestas demostraron que es esencial para ellos contar con elementos de protección, seguridad, pero que le ofrezcan una buena presentación personal. Contrario a lo que se esperaría los usuarios de moto en nuestro país, casi un 80%, no usa elementos de seguridad debido a los altos costos de estos, además no son prácticos en su uso y almacenamiento. Con nuestro proyecto buscamos solucionar todos estos problemas de forma integral a través de vestuario, integrando necesidad, seguridad y confort en el mismo producto, con inspiraciones militares y animales; debido que actualmente solo se encuentran prendas estandarizadas, muchas de estas sin protección, además que no tienen en cuenta al usuario ni su entorno.

Manual de Empresa:

http://issuu.com/sachialberto88/docs/manualyamaha_bajo/1

Manual de Dirección de Arte:

http://issuu.com/sachialberto88/docs/direcciondearte_final/1

Flickr:

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EJERCICIO 2: Videos + Aplicación 2012-1

April 1st, 2012 by Karen Aune

Ejercicio 2 : Reversa Vídeos + Aplicación

b – iamamiwhoami (2010)

Lina Barrios – Leslie Dombrower – Valentina Márquez – Juanita Rodríguez

http://www.youtube.com/watch?v=M2WDbAFvt6A 

Domesticidad Solitaria

En este documento se expresan las dos dimensiones en las cuales se abordó la aplicación que se nos fue dada para desarrollar un producto/espacio/experiencia. Bajo este orden de ideas, se extrajeron los elementos básicos de lo que se entiende como domesticidad para entender la forma en que se comportan los individuos en un espacio solitario.

Partiendo de la domesticidad solitaria como un espacio físico entendido como la singularización del ser, se plantea el desarrollo de una experiencia que tiene como propósito enfrentar al espectador con su mente subconsciente. Comprendiendo subconsciente como aquello encontrado bajo el umbral de la consciencia, lo que implica que es difícilmente accesible.

El ser humano cuenta con diferentes maneras de hacer explícitos sus instintos, pulsaciones y deseos por medio de la manifestación de las mismas en el mundo material mientras que Jumping Castles otras permanecen reprimidas en lo profundo del ser. A fuer de esta represión, empiezan a surgir conflictos internos que con el paso del tiempo se transforman en una necesidad de expresión o control. De ser obviada esta última, existe la posibilidad de que estas represiones mencionadas anteriormente, se transformen en frustraciones que condicionan la tranquilidad del ser.

En este punto, es donde se hacen evidentes los demonios internos detonados por la incapacidad de canalizar las frustraciones. El sentimiento de impotencia generado por lo mencionado anteriormente, incita al ser humano a buscar los medios para acceder a aquel lugar antes inaccesible. Esto, en búsqueda del restablecimiento de un equilibrio emocional imposible de lograr sin una retrospección previa.

Una vez se hace efectiva esta retrospección, el individuo tiene la posibilidad de entrar en un estado de reflexión y auto contemplación; el enfrentamiento entre el ser y sí mismo. Es en este punto donde el ser llega al entendimiento completo de esta frustración interior que mantuvo relegada en el fondo de su subconsciente. Hasta que no se convierte en un demonio, no se reconoce como culpable de la destrucción de todas aquellas piezas que alguna vez el ser recopiló y enmarcó para fundamentar su identidad. Es aquí donde se crea una relación entre el espacio doméstico y la mente de quien lo habita. Por un lado, el espacio doméstico se puede ver personalizado o apropiado a partir de los componentes de la mente. A su vez, el espacio doméstico tiene la capacidad de afectar y alterar el estado de la mente con perturbaciones intangibles.

La representación de lo planteado anteriormente se verá materializado en un espacio compuesto de pocos elementos que a su vez representan una soledad doméstica tensionante. El hecho que la sensación de vacío sea inherente, hace que la experiencia en el lugar detone la contemplación y la reflexión interior. Así pues,  se va a reforzar y cumplir con el propósito general planteado inicialmente; el viaje del ser hacia su santuario personal.

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Manual:

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Le voyagedans la lune (version restaurée) – Georges Méliès : extrait n° 1, 2, 3 … (2011)

Juliana Flórez – Nicolás Salom – María Camila Venegas – Ana María León

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Jardín Botánico Espacial

Simetría de lo Imaginario

En un contexto en donde la ciencia y la ficción convergen para crear nuevos imaginarios, se trata de recrear un escenario en el que la expectativa por conocer un nuevo mundo está siempre en boca de todos, donde la curiosidad de un público a la espera por conocer aquello que le es a primera vista desconocido, imaginado, nuevo y extraordinario, permitirá la sumersión en este universo convergente. Una llegada a la luna que marca e irrumpe con aquello terrenal y tangible que conocemos para crear nuevos mundos imaginarios en los que se percibe paulatinamente la ciencia ficción.

Por lo tanto, “La simetría de lo imaginario” es aquel universo en el que todo lo que es visto desde un espacio infinito “macro” se comienza a observar detenidamente reduciendo sus dimensiones con el fin obtener un microcosmos armonioso y acertado de la vida en la luna. La vida en el espacio se comienza a ver recreada desde la entrada: un camino en el que se intuye la presencia de un jardín al cual no todos tenemos acceso. Se trata de fragmentos de un jardín abstraídos de la luna que permanecen en la oscuridad del universo.

Haciendo uso de su imaginario, el espectador entra a un espacio en el que se expone un jardín espacial fragmentado, al que para acceder el contacto humano debe ser cauteloso y solo debe hacer uso de sus sentidos, que le permita por lo tanto, la posibilidad de (re)construir su propio universo a partir de la exploración de los mismos.

Distribuidos de manera secuencial, los tres jardines encontrados representaran tres (3) componentes esenciales de la naturaleza en la luna y que a su vez reflejen una dicotomía entre dos universos (onírico y el terrenal) que están en constante diálogo.

1-Del latín aqua, el agua es una sustancia cuyas moléculas están compuestas por un átomo de oxígeno y dos átomos de hidrógeno. Se trata de un líquido inodoro, insípido e incoloro, aunque también puede hallarse en estado sólido o en estado gaseoso: Fluido vital para la vida en la luna, comparándose al agua, que gracias a él las plantas sobreviven y mantienen sus colores vivos.

2-Del latín Terra, materia inorgánica desmenuzable de la que se compone principalmente el suelo natural: La esencia de la vida en la tierra que proviene desde la raíz de las plantas, que llevan en ellas esa vivacidad de los colores y texturas que se van haciendo cada vez mas llamativas, una mezcla de colores que poco a poco se van entremezclando para darle así vida a los arboles.

3-Del latín cyclus, un ciclo es periodo de tiempo que, una vez finalizado y culminado, vuelve a empezar. Se trata de la serie de fases que experimenta un fenómeno periódico y el conjunto de fenómenos que se repiten de manera ordenada: Es el fin de ciclo en el que aquella fuente de vida vuelve a las entrañas de la tierra para así volverse alimentar y darle vida a una nueva planta.

Se pretende alcanzar un proceso de catarsis y reflexión en la audiencia, donde mediante la secuencia lineal de detrimento de los tres diferentes espacios, se logre sentar una analogía en relación al deterioro ambiental y su eventual culminación del ciclo de vida terrestre. Es así, que tanto la música que recrea y recoge sonidos de la naturaleza distorsionados, los colores fluorescentes, olores fuertes y texturas rocosas, permitirán la canalización y abstracción de los sentidos, los cuales logren sumergir a los espectadores en el vilo de estar inmersos en un universo etéreo pero en cierta forma recreado y sintetizado mediante la mezcla de los imaginarios y concepciones previos que se tiene de ese mundo onírico.

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Manual:

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OK Go – Needing/Getting (2012)

Paola León – Natalie Pacheco – Paola Calderón – Santiago Barrera

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Juguetes Experimentales

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Manual:

 


Metronomy – She Wants (2011)

María Mazzanti – Lorena Restrepo – María Fernanda Becerra – Daniela Polo

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Artefactos Oníricos

Artefactos Oníricos: Extensiones Corporales

El mundo de los sueños se relaciona con las partes más profundas del ser humano, es subjetivo y en muchas ocasiones secreto y muy intimo. Los artefactos por su parte, son objetos tangibles con muchos fines, hechos a partir de cierto arte manual perfeccionado, son físicos, su nombre designa peyorativamente cierta complejidad en su uso y al mismo tiempo cierto grado de inutilidad. Ambos conceptos podrían verse como cosas opuestas, el primero completamente inmaterial y fuera del mundo perceptible y el otro palpable y evidente.

Ésto sumado a la necesidad de reinvención y búsqueda de lo poco convencional por parte de ciertas audiencias permite que haya un acercamiento a los artefactos oníricos como piezas artísticas o con un valor agregado diferente a su utilidad.

El problema principal de los sueños es su alto grado de intangibilidad, no existe una conexión física y directa con ellos aparte de la memoria visual y en algunos casos sensorial pues son un viaje personal. Partiendo de eso, el montaje y los artefactos oníricos se convierten en extensiones corporales, pues el cuerpo es el medio que deja explorar la posibilidad de convertir el espacio privado, inconsciente y secreto de lo onírico en objetos físicos y que se instalan en el cuerpo recreando lo más profundo de la mente humana.

En ese sentido el montaje se centra en el espacio doméstico y la extrapolación de éste en las extensiones corporales. El espacio se convierte en una domesticidad retro que conecta con los universos aspiracionales de la audiencia.

El montaje se separa en dos capas, la primera podría verse como la entrada a una casa, con texturas y un ambiente delicado, vintage, oscuro y que sirve de preámbulo para ver los objetos que luego se convertirán en los artefactos. La segunda capa, es donde están los artefactos. Estos se separan en nichos con algún aspecto doméstico y ciertas distorsiones visuales en el ambiente, es ahí donde se ve un contraste entre un artefacto masculino y fuerte suavizado por aspectos femeninos conectados a la domesticidad y al cuerpo de la mujer. En ese estrato del espacio del montaje, se ve como hay una transformación entre un objeto estático, decorativo y delicado de la primera parte a artefactos corporales que permiten ingresar al mundo de lo onírico y aparentemente sin sentido.

Los tres artefactos que aparecen en la segunda capa se relacionan con deseos profundos, obsesiones, la represión y el tiempo. Todos son aspectos que afectan ó que son recurrentes en los sueños.

La primera extensión corporal que se ve en la sala se concentra en los sueños compulsivos y obsesivos y los conecta con actitudes de la audiencia y como está podría encarnar sus manías. En ese sentido el patrón de triángulos, los tatuajes y la prótesis en la espalda permiten representar y volver real esas ideas.

El segundo artefacto es la represión de la mente. El artefacto atrapa y al igual que las jaulas encierra y priva los deseos y el movimiento del que está adentro.

El último objeto de éste viaje individual por el mundo de los sueños toma el tiempo y los relojes que pueden ser objetos recurrentes dentro de los sueños, para construir una idea sobre la particularidad del tiempo, la dilatación del mismo y de como mientras la mente sueña pueden pasar dos cosas en el mismo instante en dos dimensiones distintas.

En conclusión la propuesta construye conceptos que podrían parecer absurdos en la conformación de los artefactos, se convierten en paradojas que funcionan igual que los sueños con cierta falta de lógica en su estructura para volver palpable el universo poco lógico y surreal de los sueños y de la mente humana.

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Manual:

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Resonance – unDirected (2011)

Briana Barrios – Maira Leguizamo – Julio Guerrero – Catalina Agredo

Gastronomía Molecular

Resonance

La gastronomia molecular, es una nueva forma de concebir la experiencia de comer y mas que el acto de comer, una manera innovadora de explorar los sentidos en diferentes formas, en un nivel autómata donde la conciencia y la razón son engañados por los sentidos y en donde las sensaciones son el todo de la experiencia.

La deconstrucción y la exploración son unos de los principios básicos de la gastronomía molecular por los cuales la indagación de las partes se logra hasta el detalle de un todo que permite llegar a la contemplación, en este caso de un obra culinaria. Otro principio es el equilibrio, el equilibrio entre los opuestos en la composición del “plato”, en cuanto a la forma, la textura y el sabor.

En el montaje pretendemos explorar la materia en tres de sus estados, los que son mas recurrentes en la gastronomia molecular (liquido, gaseoso y coloidal). En cada etapa de la experiencia iremos deconstruyendo las sensaciones y sentidos que se pueden llegar a percatar en el consumo de una “obra culinaria” de indole molecular. La deconstrucción de los elementos  llevara al usuario a un universo microscopico, donde las moléculas toma lugar. El objetivo es que el usuario pase por cada estación en donde despertara cierto sentido.

El recorrido es una explosión de sensaciones, que implotan en el centro del lugar donde se concluye el recorrido y en donde todas esas sensaciones y sentidos se capsulan experimentandose todas en una unico elemento.

En el aspecto compositivo del montaje buscamos la armonia entre los  opuestos en contraste, así como en la composición de los platos moleculares, en donde mantenemos tambien el contraste en cuanto a color y la forma. Los colores deberán contrastar unos con otros en cada estación. el equilibrio se manejara en los colores blanco y negro y en la manifestación de las formas orgánicas y fluidas en contraste con las geométricas y rigidas.

Con el manejo de las luces se manejara el acto de contemplación lo cual al mismo tiempo incitará al usuario de manera sugestiva a dejarse llevar por sus instintos con el fin de satisfacer sus sentidos a traves de las sensaciones.

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Manual: (por Briana Barrios, Maira Leguizamo y Julio Guerrero)

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Lykke Li – Get Some (2010)

Juan Hernández – Juan Camilo Monroy – Hector Amaya

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Accesorios de Liberación Femenina

3-5 FOTOS

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Texto de concepto

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Chinese Man – Ordinary Man (2010)

Daniel Castaño -Oscar Andrés Berrío – Natalia Rivadeneira – Yensy Guerrero

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Cristalería High-Tech

Cuando la Culpa se Desborda

En esta ocasión la oscuridad será la primera protagonista, un espacio – tiempo en el que nuestro sentido más valioso se pierde durante los primeros 20 segundos, despojándonos de lo conocido, de lo cierto y lo seguro. Sin embargo la luz irrumpirá, confundirá y permanecerá, generando una tensión entre la luz y la oscuridad, entre el control y el descontrol, entre lo que es y lo que fue.

Al tratarse de un espacio vacío con un elemento central, se busca producir en el espectador  el sentimiento de soledad. Una silla de espaldas que ignora al visitante y que al mismo tiempo lo invita a descubrir, a detenerse o a sentarse para percibir desde el punto de vista que se desee,  ya sea desde la periferia para apreciar a quien esté sentado, y ¿por qué no? desde el centro para ser apreciado: el observador y el observado. Se trata de un momento contemplativo que se apoya en el poder del recuerdo de una relación de pareja ya inexistente, recuerdo que al estar fragmentado como cualquier memoria genera tristeza, melancolía y duda. Así mismo, la presencia de claros y oscuros resalta los contrastes y las texturas que hacen llevar al límite los sentidos y reflexionar.

Solo después de un tiempo es posible sentir el caos generado por toda una serie de cáusticas producidas por geometrías irregulares, originadas gracias a una fuente ubicada sobre la silla que hace que éstas lleguen a todos los rincones, y las cuales, en conjunto con la forma espacial de diamante, generan angustia y perturbación en quien vive la experiencia. Se trata de un espacio que al manejar formas y colores  fuera del cotidiano, cambia la percepción al mismo tiempo que genera un encuentro y  una contradicción de sentimientos.

Atemporalidad es otro de los ejes de la experiencia debido a la utilización de elementos de épocas diferentes, con lo cual se produce cierta descontextualización que conlleva a la pérdida de noción temporal, y por ende, a ciertos cuestionamientos: ¿De qué se trata, de un pasado tecnológico o de un presente clásico?

La luz de repente toma un papel vital en toda la experiencia. Por un lado, dentro del espacio  vacío en el cual es inmaterial e intangible, produciendo tranquilidad y serenidad. Sin embargo, debido a las reflexiones y refracciones posibles gracias a su paso a través de los cristales, también nos brinda elementos que toman forma sobre las superficies, siendo éstos definidos y casi tangibles.

El oído es estimulado continuamente por música que genera angustia, pues combina tristeza y pasividad con algo de tormento y ruptura; es impredecible porque si bien mantiene la calma, de repente acaba con ella. Simultáneamente el entorno ofrece temperatura fría y un tipo de niebla, características que afectan los sentidos, proporcionando no sólo un aspecto lúgubre al espacio, sino también llenándolo de fantasía, de ilusión, sueño, y hasta de una noción de pasado. De este modo no resulta acogedor, pues se trata de un espacio que se visita y se contempla, pero que posteriormente presiona, llena de culpas y atormenta. Caóticamente se sale de la habitación sin saber si exista un regreso, pues se trata de esos recuerdos que no se quieren perder pero que lastiman.

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Manual:

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Blockhead – The Music Scene (2010)

Paola Molano – Laura Castiblanco – Ana María Murgueitio – Andrés Felipe Rodríguez

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Vestuario Retro-Pop

 

3-5 FOTOS

VIDEO ( si lo hay) LINK

Texto de concepto

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Cave Painting – RIO (2011)

Fabián Rodríguez – Diego Olivos

Escafandra Emocional

En dicho estudio iniciamos por entender la manera en la que la composición del video interactuaba con cada uno de los elementos dentro del mismo, entendiendo como concepto de aquellos sentimientos que pueden despertarse en una mujer y la manera en que especialmente en este caso una decepción amorosa puede llevar a una persona especialmente a la mujer a ciertos estados de decepción nostalgia o tristeza, transportándola a espacios y momentos ocurridos anteriormente como lo analizamos en el video.

Que es aquella manera en que el hombre no desea perder a aquella mujer que ama pero que por ciertos sucesos este amor se está perdiendo y la mujer está evitando todo esto. Es en resumen la manera en que una persona desea superar un momento difícil a través de recuerdos que generen emociones de rechazo hacía cierto momento o persona. Es nuestro deseo con este proyecto generar un espacio hostil en el que la persona se sienta perdida y con frío ubicándolo en un espacio urbano (suburbio), donde se sientan desprotegidos y busquen un espacio de calma, es ahí donde interactuamos con un espacio blanco y limpio donde la persona se siente resguardada de este entorno frío, pero es en esta escafandra o armadura del entorno donde en tres diferentes momentos buscamos con la interacción de imágenes y sonido que la persona se enfrente a diferentes sensaciones que generen emociones partiendo desde un momento relajado, llevándolo a un momento nostálgico pero que finalmente llega a un momento de éxtasis donde buscamos que la persona se aparte de todo aquello que le causa preocupación y tristeza, de esta manera generar una experiencia donde se exploren las sensaciones y emociones de las personas y sientan un alivio o calma al momento de terminar la experiencia.

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Manual: (por Fabián Rodrígues, Diego Olivos y Catalina Agredo)

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Connan Mockasin – Forever Dolphin Love (2011)

Carolina Angueyra – Katherine Caro – Silvia Torres – Santiago Salazar

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Maquillaje Neo-Fauvista

3-5 FOTOS

VIDEO ( si lo hay) LINK

Texto de concepto

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